Lundi : Nema aime manger chinois mais là n'est pas la
question. Elle nous parle du roman China Dream
de Ma Jian,
écrivain chinois réfugié en Europe. Ma Daode, fonctionnaire fier de l'utopie
chinoise de Xi Jinping
va prendre sa retraite. L'heure de réveiller ses souvenirs de jeunesse sous Mao… Se souvenir
peut devenir une plongée du rêve vers l'enfer intérieur enfoui…Un roman haut en couleurs.
Mardi : Une camisole
et une bonne douche glacée pour Pat qui a revu "Vol
au dessus d'un nid de coucou" de Milos Forman, un film de
1975. Un film référence sur la folie et les asiles avec un immense Jack Nicholson et une incroyable galerie de
personnages. Chef d'œuvre !
Mercredi : Bruno revient
sur l'album des gallois de Stereophonics de
2001 "Just
enough education to perform", qui n'a pas pris une ride.
Pas épargné par la presse, c'était pourtant un bon cru entre pop sixties, folk,
rock 70's teinté de blues ; à redécouvrir…
Jeudi : de sacrés
timbrés que nous a trouvés Rockin' ! Le duo basse/batterie Galoche,
dont le son punk/rock/electro/hardcore
groove bien !! Portant des textes sur le quotidien de la vie en couple, souvent
drôles voire très osés…
Vendredi : Bruno et
Luc retracent la carrière de
Ginger Baker, décédé à 80 ans, l'un des plus grands batteurs de
l'histoire du rock, dont la renommée commença avec Eric
Clapton et Jack Bruce au sein de Cream… C'était aussi un personnage ingérable
et amateur de jazz et de… polo comme nous le racontent nos chroniqueurs.
Samedi : Claude Toon
revient une fois de plus de Finlande. Il a un abonnement avec Finnair… Il poursuit son cycle
de chronique des sept symphonies de Jean Sibelius
dont le style évolua du romantisme au modernisme. Cette semaine, la 5ème, âpre et sauvage comme son pays,
un chef d'œuvre dirigé par John Barbirolli,
un maître dans le domaine…
- Waouh
M'sieur Claude, suis en nage, suis venue en jogging, mais c'est bizarre mon
podomètre me carotte de 500 m alors que je fais toujours le même parcours !
- Ah bon !
Heu, vous n'avez pas couru ou marché à reculons pour varier les plaisirs, dans
ce cas, bah oui le podomètre décompte… C'est le GPS qui est en cause…
- Ah bah si,
un moment j'ai marché à contresens pour admirer le lever de soleil et les
lumières sur le parc Montsouris… Quelle intelligence M'sieur Claude…*
- Ça me
paraît logique… Bien parlons musique… Au programme une symphonie épique de
Sibelius de 1919 qui n'a rien de ringarde quoiqu'en pensaient certains
contemporains…
- Ah oui,
j'aime bien, les belles et étranges forêts finlandaises, les légendes, etc.
Jonh Barbirolli n'est pas un petit nouveau…
- Non en
effet, un article à propos de la 6ème symphonie de Mahler, un autre dédié
à Frederik Delius ; un maestro souvent cité dans les discographies
alternatives, notamment Sibelius…
* Hihihi, c'est rigolo, ce n'est pas la
première fois que j'arrive à faire croire à cette blague… Pat a entendu, il se
gondole… Notre assistante me fait vraiment trop confiance. Je suis taquin avec
elle… Dans un sens, sa joie de vivre me fait plaisir… (Au fait : rien à voir
avec le GPS, mais ça, tout le monde s'en doute ; encore une étourderie de Sonia).
Après les billets sur les symphonies4, 2
et 7 de Jean Sibelius
(pour respecter l'ordre chronologique des publications), écoutons la 5, quatrième œuvre symphonique
d'intérêt majeur. Cela dit, les autres, 1,
3 et 6
ne sont pas à dédaigner malgré un attrait moindre de la part des chefs et du
public…
Pour Sibelius
né en 1865,
le début du XXème siècle se révèle une époque tourmentée car il n'était
pas encore très reconnu en dehors de sa Finlande natale. Oui tourmentée :
l'addiction à l'alcool (un combat qui le poursuivra toute la vie), un
douloureux et épuisant cancer de la gorge en 1908 (il va y survivre 50 ans), des périodes de dépression et de
manque d'inspiration chez ce créateur d'une exigence maladive envers son
travail et dont les ébauches de manuscrits finissent souvent en cendres dans le
poêle ! Pour rappel, il arrêtera de composer en 1926 après l'écriture de Tapiola(Clic),
l'homme de nature solitaire se murant trente ans dans le silence musical
jusqu'à sa mort en 1957.
Aucune hésitation, Sibelius appartient au courant postromantique
dans lequel on trouve deux compositeurs célèbres et du même âge : Richard Strauss le bavarois et Gustav Mahler l'autrichien. L'épithète postromantique
affublé à Sibelius a très longtemps renvoyé
une image ringarde ! (Il faudrait ajouter à cette liste l'anglais Ralph Vaughan Williams.) Pourtant en Allemagne,
et même aux USA, le début du XXème siècle coïncide avec une réelle reconnaissance
de sa musique ; la deuxième
symphonie et son concerto pour violon, compositions d'envergure
ne sont pas étrangères à ce succès. Sibelius
voyage dans toute l'Europe et rencontre Mahler,
Dvorak, Richard
Strauss. Tous apprécient sa production malgré une grande
disparité de styles : l'extraversion psychanalytique de Mahler,
la tradition quasi classique de l'auteur de la symphonie du nouveau monde et la
luxuriante orchestration de Strauss, alors que l'orchestre de Sibelius rappelle celui de Brahms cinquante plus tôt.
Mais de 1900 à 1930, l'heure est à la modernité, celle
de l'atonalité, du dodécaphonisme, des gammes tonales et autre polyrythmie, citons
: Debussy, Stravinsky,
Bartok et bien sûr Schoenberg.
Les critiques et musicologues officiels,
en un mot l'intelligentsia autoproclamée classera Sibelius comme représentant d'un passé musical archaïque. Les sources d'inspiration du
finlandais étant souvent liées aux sagas moyenâgeuses n'arrangent rien à l'affaire.
On ne découvrira en France
Sibelius qu'après sa mort et encore, dans les années 60-70, des troisièmes
couteaux comme René Leibowitz ou Antoine Goléa (logique, ils étaient
potes) épinglent toujours Sibelius
comme "le
plus mauvais compositeur du monde". Dans les années 60, les
intégrales sur vinyles de Bernstein, Barbirolli ou Maazel changent la donne auprès d'un
public jeune, avide de nouveauté ; j'en étais, les 5 LP originaux Decca de Maazel
avec rien de moins que la Philharmonie de
Vienne me regardent depuis une étagère…
Quant à l'écriture ringarde, ces braves gens auraient dû examiner la partition de notre 5ème symphonie. J'en reparlerai !
Pour conclure sur ce sujet, Gustav
Mahler connaîtra le même rejet, alors que depuis une trentaine
d'années, il fait les beaux jours des concerts…
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Akseli Gallen-Kallela (Début du printemps)
Entre 1914
et 1919, la situation politique en
Finlande est infernale. Depuis 1809,
le pays possède le statut de Grand-Duché autonome mais sous l'œil inquisiteur
de la Russie tsariste. Cette semi-liberté donne naissance à une culture
nationaliste à la fois par la langue et le patrimoine propre au pays nordique.
La révolution bolchévique de 1917 a
pour conséquence d'exacerber les tensions entre Gardes rouges pro-soviétiques et
Gardes blancs nationalistes, tous prêts à en découdre. La Finlande devient
indépendante au soulagement de Sibelius… en attente d'une prochaine guerre… Il avait composé sa 5ème
symphonie en 1914 à la demande de son
pays qui souhaitait marquer en 1915
son cinquantième anniversaire en tant que grand compositeur national.
La symphonie est créée en décembre 1915 sous la direction de Robert Kajanus, ami du compositeur. C'est
un succès, mais Sibelius l'exigeant, retouche
en 1916 sa partition, une version
dont on n'a guère de trace. Les années suivantes agitées politiquement dépriment
le musicien qui travaille un peu sur deux nouvelles symphonies et diverses pièces,
tout en essayant de moins boire… Ces détails historiques ont leur importance
pour apprécier cette musique marquée par l'amour des paysages de son pays, une
inspiration puisée dans les légendes du Kalevala et une pincée d'accent
patriotique notamment dans Finlandia, poème symphonique devenu l'hymne national
finnois.
La version définitive est créée en novembre 1919 sous la direction du compositeur. C'est
l'édition finale que nous écoutons ce jour et qui est la plus jouée en concert. (Partition).
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John Barbirolli en 1969
Point commun entre Sibelius
et John Barbirolli : la bouteille.
N'y voyez aucune moquerie ou jugement, le maestro avouait sans détour avoir
besoin de ce dopage pour donner le meilleur de son art en scène… Une
biographie plus détaillée est à lire dans la chronique consacrée à la 6ème
symphonie de Mahler,
autre postromantique à la pensée et au style aux antipodes de ceux de Sibeliusque le maestro dirigeait avec génie (Clic).
Parue chez EMI,
son intégrale des années 60 avec le Hallé Orchestra est souvent considérée comme La référence.
Globalement c'est assez vrai même si pour chaque symphonie on trouvera d'autres
réussites. Détail important : la prise de son est d'un réalisme
époustouflant ; on entend même (c'est hyper rare) les attaques d'archets sur
les cordes à la fin du presto. Un espace sonore aéré et une dynamique soutenue nous font encore regretter
l'époque analogique… (Sur du matos audiophile haut de gamme bien entendu.)
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L'orchestration reste fidèle au romantisme, même les
rares percussions cristallines de la 4ème symphonie de 1911 ont disparu !
La version de 1915
comportait quatre mouvements dont un scherzo en seconde position. Sibelius fusionnera le premier mouvement
avec ce scherzo dans la mouture définitive avec maintes modifications. À noter que ce grand mouvement
(presque la moitié de l'ouvrage) n'est pas de forme tripartite stricte avec un
scherzo de forme académique pour le conclure. Plutôt une symphonie dans la
symphonie avec une liberté de forme assez inouïe que seuls les spécialistes
savent déchiffrer facilement…
Akseli Gallen-Kallela : Rapides d'Imatra
1 - Tempo
molto moderato – Largamente – Allegro moderato – Presto : Ils me
font marrer les détracteurs de Sibelius
comme Theodor Adorno, pourtant un musicologue chevronné
et moderniste, mais prudent par rapport à l'absolutisme du sérialisme. (Je le cite
: "produit
de marketing, vulgaire, et réactionnaire", mots suggérant un esprit
fascisant chez Sibelius qui ne cachait pas sa
passion patriotique pour la culture finnoise !!!). Forme musicale archaïque ? Ah
la la, dès qu'un compositeur rejette l'académisme sonate de type ABA'B'CAB… etc.
ou le dodécaphonisme viennois, on crie au blasphème…
Oublions ces grincheux et leur théorie philosophique
là où il est inutile d'en chercher. Écoutons la belle aurore boréale
introductive : deux cors soutiennent par un accord de sixte mineur un premier
thème énoncé par les deux autres cors. Dans le voyage au ton tantôt pastoral
tantôt pathétique proposé par la symphonie, le compositeur invite à la
méditation et à la contemplation des paysages grandioses de sa terre natale. Un
choral rayonnant des flûtes et des bois intervient pour prolonger ce tableau
coloré (magnifiques sonorités altières des hautbois et des clarinettes). À ce
propos, le tableau d'Akseli
Gallen-Kallela ci-contre illustre la dualité dans la musique du compositeur.
Tout d'abord l'exaltation face à l'éclat doré de ce soleil voilé par la brume et,
plus en avant, le bouillonnement des Rapides d'Imatra symbolise la rudesse et l'opiniâtreté
des finnois. Les cordes ne font leur entrée que tardivement [1:25] et,
étrangement, dans une atmosphère ténébreuse. Une introduction caractéristique du
langage sibélien toujours proche de celui du poème symphonique. Sibelius mêle une forme de naturalisme présente
dans les premières mesures qu'il fait suivre de motifs allégoriques plus épiques,
sans réellement de transition marquée. Cette genèse novatrice d'une thématique complexe
en continue et d'une expressivité ambiguë lui attira beaucoup d'animosité, car
oui, cette musique n'a pas pour but de simplement distraire par la facilité mais d'émouvoir. Pour l'exigeant
Sibelius chaque note doit avoir un rôle suggestif.
Bigre, un paragraphe développé et nous n’avons entendu que jusqu'à [2:09]. Un nouveau groupe thématique s'élance opposant un climax
glorieux à des déferlantes de cordes… des vagues venues de la Baltique ? On
comprend aisément que commenter chaque épisode dans une telle diversité
prolongerait au-delà du raisonnable ce papier. Dans ce qui précède, l'essentiel
est dit : l'opposition entre une forme d’expressionnisme et d'évocation des
légendes tragiques du cycle du Kalevala, épopée chevaleresque si chère à Sibelius et dont la violence rarement
contenue établit un pont avec l'histoire pour le moins troublée de la Finlande
en ces années-là. John Barbirolli magnifie ces
contrastes si âpres tant par la nature du récit musical que par la grande
variété mélodique et surtout par l'orchestration. Exemple : le Largamente
à [5:23] avec une mélopée lugubre du basson sera syncopé brutalement à [7:23]
par le crescendo frissonnant et enfiévré d'un choral de cuivres apocalyptique. Cette
manière de passer d'un climat dramatique à un autre, volubile, est unique dans
l'histoire de la musique. (Transition à [8:48].) L'ex scherzo de 1915 (qui ne m'emballe pas) devient à [9:02]
l'allegro moderato au rythme bucolique et qui s'enchaîne avec grâce avec
l'épisode précédent. Quatre minutes d'une musique fantasque en forme de
concerto pour orchestre aux ruptures de tempos et aux scansions obstinées. Équipée
pittoresque qui nous conduit à une coda d'une puissance cuivrée témoignant de
la double admiration de Sibelius
pour la terre sauvage de Finlande et pour son peuple farouche. Deux leitmotivs dans les œuvres de Sibelius,
notamment dans Chevauchée
nocturne et lever de soleil. (Clic)
Robert Kajanus
2 - Andante
mosso, quasi allegretto : [14:08] Le second mouvement n'a pas subi de
modification notable entre les versions de 1915 et de 1919. Si l'allegro peut se définir
comme une joute thématique entre tragédie nordique et réjouissance
pastorale, l'andante sera d'atmosphère champêtre. Grand admirateurdes époques baroque et classique, Sibelius se veut chantre du bien-vivre
dans les campagnes finnoises. La lecture de la partition surprend par la
sobriété en termes de notes. Nous avons sous les yeux des portées qui évoquent
celles de l'école minimaliste : des groupes de notes de durées égales, très
peu de legato, un staccato qui ne doit pas paraître saccadé. Les
musiciens sont mis à rude épreuve car il y aura pourtant un magnifique flot mélodique ;
mais attention : aucun pathos !!! Cela peut expliquer que les orchestres
américains, anglais et finlandais au son plus tranchant nous offrent un Sibelius plus vibrionnant que leurs
concurrents germaniques…
Bienvenue dans un univers dansant et bucolique, une
musique légère, un divertimento. Quelques mesures sereines aux clarinettes,
bassons et cors et des
pizzicati des altos et des violoncelles simulent le battement d'ailes des oiseaux. Bien sûr les volatiles gazouillent sur un air
joyeux des flûtes. Des oiseaux qui picorent aussi au rythme desdits pizzicati. L'écriture
apparaît d'une simplicité a priori désarmante sur le plan du solfège, et
pourtant la poésie se voit brillamment agrémentée par des touches de couleur
instrumentale… [16:06] les cordes reprennent le thème énoncé aux flûtes lors de
l'introduction. Donc, de nouveau, pas de forme sonate mais une suite de
variations peignant divers aspects de l'imagerie musicale que se fait le
compositeur de son pays et de son folklore. [18:04] Passage élégiaque dans lequel
s'imposent les cordes en pizzicati, les bruissements de la forêt, ritournelles clopinantes
des flûtes et des bois (on pourrait souligner un goût commun avec Mahler pour ces marches cocasses évoquant
les cavalcades de la faune cachée dans les forêts de résineux et de bouleaux).
La nature exaltée par Sibelius
étant plus fougueuse que celle d'un Beethoven
dans la symphonie "pastorale". Petit détail sur le
langage orchestral : les cordes ne jouent jamais seules (sauf début du final).
Très sollicitée, l'harmonie illumine par mille détails subtils une
orchestration que l'absence de percussions aurait pu faire craindre un peu
terne. On en est loin. [20:23] Une
douce transition notée tranquillo nous
entraîne vers la coda. [20:55] Reprenant le tempo et la
thématique initiale, la conclusion, passionnée à souhait, joue l'apaisement
dans l'univers féérique et forestier : une longue mélodie dominée par les cordes
qui donnent dans les dernières mesures la parole aux hautbois, aux flûtes et
aux clarinettes qui prennent congé sèchement sur une mesure syncopée, une simple noire.
Comme dans l'allegro, et n'anticipons pas le surprenant final, Sibelius abandonne l'éternel et académique
point d'orgue parfois criard et pompeux.
Le Dieu Ukko du tonnerre
3 - Allegro
molto – Misterioso – Un pochettino largamente – Largamente assai : [23:13] La musique de Sibelius donne souvent la part
belle aux chevauchées des héros de la mythologie locale (Kullervo, Lemminkäinen). L'introduction en
est un exemple parfait avec ses trémolos héroïques et serrés des cordes seules
(cette fois-ci) et des timbales. Dans son ouvrage consacré à Sibelius, le compositeur Éric Tanguy confie que ce passage "aurait été inspiré à Sibelius par un
vol de cygnes aucouchant".
Belle métaphore même si nos cygnes semblent très pressés😊. Un thème ? Oui, ou plutôt un fredonnement qui
serpente dans le flot musical avec d'infimes variations de hauteur, symbolisant
l'empressement chaotique des volatiles… [24:30] Un second thème intervient introduit par l'harmonie. Pas n'importe
quel thème, une procession, une marche inébranlable. La symphonie N°1 de 1899 baignait dans une atmosphère
romantique traditionnelle. Mais la 2ème(Clic) de 1902 innovait par son final, une marche implacable, un majestueux crescendo de 15 minutes montrait cet intérêt de Sibelius, tout comme Mahler, pour ces conclusions vaillantes. [25:27] Un infléchissement
de l'orchestration apporte une grandeur crépusculaire au flot musicale. [26:18]
Reprise de la mélodie survoltée initiale chantée par les hautbois et les
clarinettes.
Pour le final, Sibelius a vu grand. [27.10] reprise
encore et encore du thème trépidant originel. [28:11] Un développement largamente
se construit à partir du second thème processionnaire, laissant imaginer une
coda crépusculaire, à tort. [30:08] Le suspens surgit via un
retour du second motif martial entonné avec une force minérale contenue. Une progression orchestrale
vers une éloquente coda mugissante et glorieuse qui conduit dans un rugissement de cuivres et de timbales
à la plus étonnante conclusion de l'histoire de la symphonie : 7 accords isolés fff
en tutti sur la noire, déflagrations suivies de temps de silence absolu. Les
deux derniers sont plus rapprochés par un artifice arythmique. Pour vous la faire
simple : 7 coups de marteau de titan (Ukko, le Thor finlandais). Grandeur et optimisme après
une 4ème
symphonie mystique et désenchantée (Clic). Faut-il
entendre dans ce déferlement fanfaronnade ou exaltation célébrant un travail de longue haleine ?
Chacun décidera…
~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~
Si à titre personnel et
pour de nombreux critiques, l'interprétation hardie de Barbirolli
confirme l'importance de l'œuvre comme l'une des symphonies majeures du XXème
siècle, n'en déplaise à certains, la discographie n'en est pas moins riche.
Quelques suggestions :
L'intégrale réalisée par Lorin Maazel à Vienne
dans les années soixante reste une alternative, ne serait-ce que pour la beauté
confondante de la Philharmonie de la capitale
autrichienne (Decca – 5/6). Herbert von Karajan adoptait un style à
son image, legato, mais qui plaisait à Sibelius.
Seules les quatre dernières ont donné lieu à une gravure chez DG à cause d'une
affaire fumeuse de contrat avec EMI.
Beaux enregistrements analogiques des années 60. Je préfère quand même la
rigueur ascétique et sauvage de Barbirolli.
(DG – 5/6).
Un disque intéressant
complète cette sélection. Osmo Vänskä
a enregistré sur un même CD avec l'orchestre de Lahti les deux
versions connues de 1915 et de 1919. Certains critiques ont crié au
génie, classant cette interprétation au même niveau de bravoure que celle de Bernstein à New-York
dans les années 60 (hélas indisponible, une intégrale avec laquelle j'ai
découvert le cycle des symphonies fin des années 60). Mouais ! L'orchestre manque
quand même de la précision exigée par le langage, j'avoue : je m'ennuie. Par contre,
l'écoute de la première mouture montre la maturation de l'œuvre dont la coda démente
n'existait pas. Une curiosité (BIS –
4/6). Je propose cette interprétation de la version de 1915 (la première gravure à mon sens) à votre arbitrage.
Du fameux power trio psychédélique, il n’en reste
plus qu’Eric Clapton. Après le décès de Jack Bruce en 2014 (à 71 ans) on a
appris que Ginger Baker avait définitivement jeté ses baguettes. Il avait 80
balais, et les balais** ça compte pour un type qui se revendiquait avant tout
musicien de jazz.
Clapton, Baker et Bruce
Il est à jamais
associé au super-groupe CREAM, qui n’aura eu pourtant que deux ans d’activité, de 1966
à 1968, c'est dire la déflagration. Le temps de transporter la pop musique dans la stratosphère,
de maltraiter à coups de distorsions les classiques blues, saupoudrer de LSD les
longues improvisations jazzy jouées sur des pyramides d’amplis réglés sur 11, et importer dans la musique rock les solos de batterie venus du Jazz. Bonham avait son "Moby Dick", Ian Paice son "The Mule", pour Baker c'était "Toad".
CREAM précurseur du hard-rock ?
On le dit, mais pas certain que Baker, Bruce et Clapton fussent d’accord avec ce
raccourci, tellement la musique de CREAM brassait d’influences. Réduire Ginger
Baker aux deux années de CREAM l’aurait fait hurler (et il hurlait suffisamment comme ça), il était certes
un batteur, mais un musicien au sens large, un arrangeur, un leader.
Célèbre pour sa
tignasse rousse flamboyante (d’où le surnom de Ginger, car il se prénommait en
réalité Peter Edward) et pour son caractère de chien. Ce n’est pas sympa pour
les cleps, mais dans sa dernière maison en Afrique du Sud, il y avait à l’entrée une pancarte
prévenant le visiteur« beware of the
Baker » et non « beware of the dog » ! Un type imbuvable,
caractériel, violent. Son enfance n'a pas franchement baigné dans bonheur, un père décédé quand le gamin a 4 ans, puis souffre-douleur en classe, mais ça n'explique pas forcément ce caractère de chiottes.
Dans le documentaire que lui a consacré Jay Bulger en 2012, cette première scène hallucinante : Baker agresse à coups de canne le réalisateur, lui casse le nez, en menaçant : « t’as
pas intérêt à mettre dans MON film (sic) tous ces connards que j’ai mis trente
ans à oublier !! ». Impression exacerbée par ses yeux de fous dilatés par
les drogues. Ginger Baker est resté accro à l’héroïne pendant 20 ans. Substance
qu’il découvre en même temps que la musique africaine, chez son maître Phil
Seaman (1926-72), batteur qui a joué avec tous les jazzeux britanniques.
Baker sera profondément influencé
par les rythmes des percussions africaines, qui deviendront sa marque. De même qu’il tambourinait son
pupitre d’école pour faire danser ses camarades (quand ceux-ci ne lui tapaient
pas sur la gueule) il va tambouriner ses toms de batterie, pour créer un tapis
percussif, un grondement continu. Pour avoir plus de force et de
nuances, il joue avec deux grosses caisses, démultipliant les coups les plus sourds. Puis deux toms médiums sur le
devant et deux toms basse sur sa gauche. Et chose assez rare, il en rajoutera
parfois deux autres sur la droite ! Sans doute avait-il vu Jo Jones, qui jouait
avec un tom basse de chaque côté. Il remplace à lui seul un groupe de percussionnistes, le son de sa batterie reste très brut, tribal, en avant, à l'inverse des mix aseptisés. Il jouait aussi avec un charley réglé très haut, très au dessus des toms, comme quoi la cadence 2/4 lui importait, lui qui choisissait ses accompagnateurs sur ce seul motif : ils ont le rythme.
avec Fela
Les batteurs star étaient des batteurs de Jazz, Krupa, Roach, Blakey, ou Buddy Rich, dont le kit trônait au devant de la scène. Dans le Rock, la batterie et la basse étaient reléguées au rang de rythmique. Ginger Baker va placer l'instrument au premier plan, surtout dans un trio comme CREAM. C'est la batterie qui va créer le son du groupe, comme plus tard Bonham avec LED ZEPPELIN, ou Keith Moon avec The WHO, ou l’exubérant Mitch Mitchell pour THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE.
Quand on est un gamin anglais né
de la guerre, et qu’on veut jouer de la musique, on ne peut pas faire l’impasse
sur Alexis Korner et sa formation à géométrie variable THE BLUES INCORPORATED.
Vivier où nagèrent John Mayall, Led Zep, les Stones… Mais quand les jeunes Jagger ou Richards écoutaient Muddy Waters ou Chuck Berry, Baker lui se noyait les esgourdes dans les JAZZ MESSENGERS d'Art Blackey, ou Charlie Mingus. Chez Korner, le gringalet derrière les fûts est un
certain Charlie Watts, qui laissera son tabouret à Ginger pour rejoindre les STONES. Aux claviers on
trouve le rondouillard Graham Bond, qui bientôt volera de ses propres ailes, avec le collectif GRAHAM BOND ORGANISATION (1965) qui accueillera Ginger Baker à la batterie, John Mc Laughlin à la guitare (futur Miles Davis) et un
certain Jack Bruce à la contrebasse. Musicalement c’est l’entente parfaite,
mais humainement les deux s’invectivent et se détestent cordialement.Baker se défonce de plus en plus, Graham Bond
est junkie lui aussi, ils s’enfilent tous les deux des cocktails d’héroïne,
cocaïne et LSD dans la même seringue !
Ne tenant jamais en place,
Ginger Baker monte un nouveau groupe. Avec qui ? Son meilleur ennemi Jack Bruce ! CREAM est né, rejoint par Eric Clapton à la guitare. C’est enfin la gloire, mais Baker
expliquera qu’il n’en retirera aucun bénéfice pécuniaire, car les batteurs sont considérés
dans l’industrie musicale comme des arrangeurs, et un arrangeur ne perçoit pas
de droits d’auteur. C’est Jack Bruce qui touche le pactole.
de g à d : J. Bruce, G. Baker, G. Bond, J. Mc Laughlin
Fin de l’aventure psychédélique
en 1968, Clapton jette l'éponge, lassé des guerres intestines. Le guitariste monte le groupe BLIND FAITH avec Steve Winwood, et qui a eu vent du projet et s'y s'invite ? Ginger Baker et son kit infernal ! L'aventure ne durera guère, par manque de préparation, et Eric
Clapton ne semble pas à l'aise avec son ténébreux batteur. De la part de ce nouveau super groupe si prometteur, restera à la postérité leur premier concert, à Hyde Park, en juillet 1969, avec un Claptonet un Baker étonnamment sages et réservés, et un unique et magistral album (c'est la première pochette sans titre et sans patronyme de l'histoire de la musique populaire). Bakerse lance alors en 1970 dans le GINGER BAKER'S AIR FORCE, puis s’envole pour l’Afrique, un continent qui le fascine tout comme sa musique. Il traverse le Sahara en voiture ! C’est la rencontre avec
Fela Kuti, la star du Nigéria et du continent africain. Bakerjoue et
enregistre aveclui, trop heureux d’être
dans le saint des saints de l’Afrobeat. Il s'installe à Lagos (Nigéria). C’est en Afrique qu’il se prend de passion pour le
polo, montant des clubs, des championnats, y engouffrant le peu d’argent qu’il
arrive à gagner. C’est la rupture avec Fela(divergence pseudo politique), un
nouveau départ aux Etats Unis pour essayer de décrocher de la drogue, en vain, puis Hawaï,
en vain toujours.
En 1974, il monte le BAKER GURVITZ ARMYavec les frères Gurvitz (Gun, Three Man Army). Mais là encore, en dépit de trois albums très intéressants, mêlant habilement le Heavy-rock au Rock-progressif avec quelques soupçons de Jazz, l'aventure tourne court. Le dernier effort à l'approche relativement plus commerciale, trahi probablement un besoin inassouvi de reconnaissance. Les concerts n'en sont pourtant que plus riches, avec notamment l'apport Soul de Mr Snips (Sharks, Chris Spedding). Cependant, quelques dissensions surgissent avec Adrian Gurvitz. C'est au moment où Ginger ne semble plus autant investi dans la musique. Le décès subit du manager met définitivement fin à cette formation. [Plus tard, le bassiste, Paul, qui a côtoyé certains des meilleurs batteurs des 70's (dont Buddy Miles et Carmine Appice) dira de Baker qu'il est le plus original avec qui il ait joué.] Néanmoins, il retourne rapidement à sa carrière solo en embarquant à sa suite le chanteur Mr Snips.
Baker's Jazz Confusion
Dans les années 80 il joue avec le célèbre groupe de space-rock Anglais, les HAWKWIND pour un seul album - ou un et demi si l'on tient compte de la première face de "Zones", l'album électro de 1983, contenant démos et pièces live avec Baker - mais Baker ne tient pas en place, aucune formation ne tient sur la longueur. En 1985, il surprend de nouveau en rejoignant le provocateur John Lyndon au sein de son Public Image Limited, pour l'enregistrement du disque "Album". Si Ginger n'aura pas que des mots doux envers l'ancien Sex Pistols, ce dernier, au contraire, aura toujours à cœur de vanter son talent. Après cette expérience éphémère, il poursuit une carrière en dilettante, accompagnant à l'envie diverses formations ou en se consacrant à sa carrière solo recentrée sur le Jazz fusion.
En 1993, il est à nouveau sous les projecteurs en renouant avec un vieux compagnon, Jack Bruce, pour un énième super-groupe avec un Gary Moore, trop heureux de jouer avec deux de ses idoles. L'album, "Around The Next Dream" (lien), sorti en 1994 - dont seul Ginger est mis à l'honneur sur la photo de pochette, avec clope au bec et une belle paire d'ailes au dos - ne parvient pas à faire de vague dans une Amérique obnubilé par la scène de Seattle. Cependant, l'accueil de l'Europe est plutôt chaleureux. Hélas, cela ne suffit pas à cimenter ce trio de luxe qui ne passe pas l'année.
Le problème c’est qu'il est ingérable. Personne ne veut de lui. Il considère Eric Clapton comme son
seul véritable ami dans la profession. Et
même Clapton avec toute la patience du monde, le trouve trop toxique pour le
fréquenter intimement ! Baker explore toujours le jazz, il produit des
séances avec ses idoles Art Blakey, Elvin Jones, Max Roach, enregistre avec Charlie Haden, crée son BAKER'S JAZZ CONFUSION. En
2005, reformation éphémère de CREAM pour quelques concerts londoniens et un cd live, un
nouvel accord financier, et enfin les royalties qui tombent.
Il réalise son rêve, s’installe
en Afrique du Sud, élève quelques chevaux, joue au polo, et ressort ses baguettes
de temps à autre, avant qu’un médecin lui déconseille les concerts, ayant le cœur
trop abîmé par 60 ans d’excès et sa légendaire irascibilité. Trois mois plus tard, en juin 2016, il subit une opération à cœur ouvert. Auparavant, en 2012 il accepte le projet du réalisateur Jay
Bulger de faire un documentaire sur lui : « Beware of Mr. Baker ».
Baker s’y révèle odieux comme d’habitude, mais d’une parfaite honnêteté. On l’entend
lancer un « John Bonham, très bon technicien mais qui swinguait comme un
sac de patates », et à propos de Keith Moon (dont pourtant le jeu tout en
roulement aurait dû lui plaire) on a juste droit à un beurk irrespectueux !
Ginger Baker était un homme peu
fréquentable, exécrable mari, père absent, attiré par des filles d’autant
plus jeunes qu’il vieillissait de son côté… Son bonheur consistait en une
caisse de bière, deux putes et une batterie. On ne peut pas le réduire à un
simple batteur de rock, il aimait surtout le jazz-fusion et pouvoir être reconnu parmi ses pairs (de baguettes). Avant Paul Simon ou Peter Gabriel,
il a fusionné la musique pop et les rythmes africains, dirigé ses innombrables formations comme des big
band de jazz, explosant les formats à coups d’improvisations.
L'éruptif batteur est mort au vénérable âge de 80 ans (autrement dit, un rescapé !) le dimanche 6 octobre 2019, à Londres. Je lui souhaite le plus tard possible, mais si d'aventure le ténébreux Ritchie Blackmore venait à le rejoindre là-haut, le duel risque d'être sanglant, entre lancer de cymbales dans la tronche et coups de stratocaster dans la face, avant de se rejoindre devant une bonne bouteille. (merci à Bruno pour avoir saupoudré cette nécro de toute son érudition. Vu le coco, fallait bien s'y mettre à deux !)
