COSMOS INCORPORATED de Maurice G. Dantec (2005) par Benjamin

Quelque part dans un monde pas si éloigné du notre, naquit un homme sans enfance, être déjà mur découvrant la vie avec l’incrédulité du nouveau né. Il ne sait qui il est, d’où il vient, pur produit d’un univers où les hommes vivent sans exister. Au fond de lui, une seule certitude subsiste : il doit tuer un homme. 

Il fut sans doute fabriqué pour cette fonction, vulgaire produit de chair engendré par des intérêts qui le dépassent. Tel un disque dur ultra perfectionné, son cerveau engendre rapidement les données nécessaires à sa mission. Le monde qui l’entoure se nomme l’Unimonde humain, qui n’est autre que l’aboutissement du fédéralisme qui fit naître des organisations comme l’ONU et l’Union Européenne. Comme ces dernières, l’Unimonde humain doit sa naissance à la peur de la guerre et à la lâcheté qu’elle nourrit. Puisque défendre son identité peut coûter des vies, l’Unimonde humain avait décidé de dissoudre toutes les identités nationales dans une médiocrité généralisée. Ainsi naquit un fédéralisme funeste bien proche de celui qui tente de s’imposer en occident.

Il faut dire que, avant l’Unimonde humain, il y eut les méfaits du grand jihad. Critiquer « Cosmos incorporated » pour la vision qu’il a de l’islam, c’est oublier que le Coran est autant un texte religieux qu’une doctrine politique. C’est pourquoi, malgré les cris d’orfraie d’une gauche qui mangea du curé avant de caresser les imams dans le sens de la barbe, nul ne pourra empêcher que l’on critique cette religion avec autant de virulence que le communisme, le fascisme et tous les totalitarismes obscurantistes d’aujourd’hui et d’hier. Pour l’Unimonde humain, le grand jihad fut une aubaine, le moyen le plus efficace d’instaurer son grand vide. Partout où les fous d’Allah passèrent, les livres furent brûlés, les femmes persécutées, les libres penseurs exécutés.

Sortie de ce chaos, l’homme était prêt pour le grand abandon, la peur le rendait partisan de tous les renoncements. Le grand jihad n’avait pas gagné, ne gagnerait jamais, illustrant ainsi la pensée de Saint Augustin voulant que le mal ne peut rien créer. Citer l’auteur des « Confessions » ici n’est pas un hasard, tant « Cosmos incorporated » est chargé d’une pensée catholique donnant à sa prophétie un écho biblique. En bon Nietzscheen catholique, Maurice G. Dantec voit d’abord sa religion comme un moyen de révéler l’homme à lui-même. Parti tuer un homme, son personnage, Sergueï Plotkine, change radicalement lorsqu’il rencontre une ex prostituée androïde lui étant apparue devant un grand brasier. 

La fascination pour le feu n’est pas une chose neuve dans l’œuvre de Dantec, le Andréas Salzman des « Racines du mal » y voyait déjà une force bienfaisante qui l’apaisait. L’explication de cette fascination se trouve sans doute dans ce fameux passage de la genèse « Car tu es poussière et tu retourneras à la poussière ». Le feu serait donc une métaphore du retour aux origines perdues, à l’humanité oubliée dans le grand bain de cette modernité cyberpunk. La quête du héros Sergueï Plotkine ne s’acheva pas avec l’accomplissement de son meurtre, dont il finit d’ailleurs par abandonner le projet, mais lorsqu’il parvint enfin à penser et ressentir par lui-même, sans le soutien d’idées ou d’images injectées dans son cerveau par une force mystérieuse.

Il se fait ainsi Zarathoustra du cosmos, voyageur mystique cherchant son individualité dans le chaos d’un monde à la dérive. Son désordre psychique s’étale sur de longues pages mêlant la verve d’un Léon Bloy et l’énergie paranoïaque d’un Philip K Dick. Digne descendante du robot Lincoln dans « Le Bal des schizos », la madone androïde qui fascine le héros cherche à se faire baptiser pour montrer à une humanité perdue le chemin de sa rédemption. En renouant avec ses racines, peut être pourra-t-elle mettre fin à l’aliénation de l’Unimonde humain et à la barbarie du grand jihad. Ce qu’affirme cette fresque philosophique et cosmique, c’est avant tout qu’un peuple qui se renie court à sa perte.

Toute culture a vocation à s’épanouir sur les terres où sa tradition la nourrit, où son peuple la préserve et où sa jeunesse la perpétue. Je ne peux que conseiller la lecture de ce « Cosmos incorporated » qui, sur la forme autant que sur le fond, s’impose comme l’une des œuvres les plus ambitieuse de son auteur. 

Joanne Shaw TAYLOR " The Trouble With Love " (2026), by Bruno

     Dès son premier album, "White Sugar" sorti en 2009, Joanne Shaw Taylor est pressentie pour devenir une figure du Blues-rock (au féminin). Ce que confirme les albums suivants, systématiquement salués par la critique et généralement assez appréciés par le public. et qui s'immiscent tous dans les charts britanniques. Chaque nouvelle fournée semble gagner du terrain, grossir les rangs des amateurs, et conquérir de nouvelles terres européennes.

     Pour autant, l'artiste anglaise ne se repose pas sur ses lauriers, faisant voyager et évoluer son Blues-rock à travers de nouveaux climats. Progressivement, son approche devient plus chargée en électricité et en cambouis, flirtant parfois avec le heavy-rock, - ce qui déplaît à une frange des fans de la première heure. Puis, finalement, doucement mais sûrement, elle s'écarte des watts, de la saturation, pour se lover dans une atmosphère relativement roots, crue et rugueuse. Une approche plus près de l'os, plus sèche, qui se fond dans une forme d'Americana (terme un peu fourre-tout) où les accents rock et bluesy ne cessent de ressurgir pour pimenter sa musique. 

   Cette nouvelle cuvée est dans la continuité de la précédente, presque une sœur jumelle de l'album "Black and Gold". Toujours sous la production de Kevin Shirley, qui semble désormais priser une approche plus aérée et (relativement) plus épurée qu'auparavant. Un temps décrié pour ses productions chargées et ampoulées, encombrées de multicouches de guitares et parfois d'effets dispensables, Shirley paraît s'efforcer de mettre de côté son "Monsieur Plus", pour mettre peut-être plus en valeur l'artiste que l'orchestration. Pour que l'émotion, la sensibilité de l'artiste ne soit pas estompée par quelques effusions d'excès environnants. Miss Taylor paraît d'ailleurs s'abstenir de toute saturation autre que celles d'apparence naturelles - celles dégagées par un ampli, en augmentant son volume et sous une attaque plus percutante. Pourtant, la dame a toujours sous le panard un sobre assortiment de boîtes de colorations du son.

     En fait, si son pedal board a été allégé (il n'a jamais été bien gros), elle n'a pu se défaire de ses deux Ibanez Tube Screamer ; deux TS808 réglées à donf (ou quasiment) avec le même niveau de tonalité - seul le gain change, l'une étant sans, ce qui en fait plus un booster qu'une overdrive. Évidemment, les deux sont parfois enclenchées simultanément, pour envoyer le bois au moment opportun lors d'un solo tranchant dans le vif - mais sans jamais baver ou grésiller. Ce retour à des tonalités plus tranchantes et incisives rappellent la forte influence qu'a eu Albert Collins sur l'apprentissage de la miss (après avoir arrêté les cours de classique pour se tourner vers le Blues, suite à la découverte fortuite de Stevie Ray Vaughan - alors que, fatiguée, elle s'était assoupie dans le canapé, son père avait glissé un DVD de Stevie Ray). Sa guitare préférée, et qui demeure sa principale, est d'ailleurs une Fender Esquire de 1966, customisée par un humbucker Fender Jazz en position manche. Une guitare à la robe blonde, baptisée "Junior", abordant fièrement les coups accumulés au fil des ans - elle l'a depuis ses quinze ans (acquise au rabais, à cause d'une vilaine balafre au couteau au niveau du micro manche). Elle la dit parfaitement adaptée pour ses petites mimines. Elle a aussi un faible pour une Telecaster signature Albert Collins, qu'elle avait repérée dans un magasin New-Yorkais, et que Bonamassa lui a offert (initialement, Joe, bien qu'il ait fait le déplacement avec Joanne pour l'acheter ensemble, et faire baisser le prix, l'avait finalement gardée pour lui - Joanne la reçoit un an plus tard, après avoir en avoir parlé au père de Joe... le sacripant). Sinon, en ampli, elle reste dans le classique en affichant une préférence pour les Fender Tweed, plus particulièrement les Bassman (d'où l'utilisation de la reverb Holy Grail d'Electro Harmonix), suivis par les Vibro-king. En parallèle, Joanne a flashé sur la première version (la rouge) de la Vibe-Machine de DryBell, une petite boîte particulièrement performante pour émuler de très beaux effets de phaser et/ou de Leslie, mais aussi de chorus et de vibrato.

   Ce dernier opus démarre sous des auspices bien rock. Déjà avec la chanson éponyme, avec Bonamassa qui y dépose une intervention mordante, mais sans sauver cette pièce d'un certain conformisme sans grande saveur. Au contraire de "Hell or High Water", fier et rageur, sulfureux dark blues conçu une nuit de pleine lune, à minuit, au pied d'un crossroad. "Je ne ressens aucun chagrin, je ne ressens aucune honte ! J'ai traversé le feu et j'en suis revenue. Je suis juste une âme essayant d'exister... il y a un diable sur mon épaule qui ne cesse de me chuchoter à l'oreille". Là, on se dit que J.S.T. est revenu à des mets nettement plus rock, mais...  elle effectue un tournant à 180 ° en reprenant le  "This Is Who I am" de Celeste - thème musical, vaguement inspiré de celui d'un James Bond, d'une série anglaise, "The Day of the Jackal" - rebaptisée "Chacal" pour la France - et succès en 2024 en Angleterre (album "Woman of Faces" de 2025). Exercice casse gueule tant la voix de la chanteuse britannique est chargée d'émotion brute - comme une héritière de Billie Holiday (la voix qui se brise), passée par le prisme des Winehouse et Adele. Mais Joanne s'en sort avec les honneurs, même si elle a, en comparaison, moins de profondeur et de coffre. Toutes proportions gardées, son interprétation la rapprocherait plus d'Adele. En conclusion, elle lâche un gros solo passionnel. 

     Taylor campe sur l'émotionnel, où elle excelle plus que jamais, semblant toujours mettre son âme à nue, par petits morceaux successifs. Avec la ballade douce amère "Tired of Being Right" - initialement inspirée par un sentiment de frustration, en constatant que dans l'industrie musicale, les femmes sont encore plus facilement le sujet de critiques que leurs homologues masculins -, et "The Girl That You Loved Before" aux parfums de road song trempée d'un country-rock policé marchant dans les traces de Sheryl Crow. Et surtout le remarquable "You and Me (Rachel's Song)", dédiée à une amie proche, qu'elle déploie tout en finesse (ça reste dans une obédience rock), la ponctuant de gimmicks pop et de petites touches de piano. Assurément, le chant de Joanne Shaw Taylor ne cesse de s'affirmer, de progresser. 

     Ponctuellement, quelques percées plus "rock" viennent ruer dans les brancards, dont un "Bad Boy" aux humeurs rock'n'roll, un "Never Gonna Please 'Em All" aux accents de Arena Rock (rock de stade), porteur de quelques sympathiques et goûteux clichés. "... et transformer mon chagrin en une oeuvre d'art. Je chante mes chansons, je suis fait de cicatrices. Une chose est sûre, je ne pourrai jamais plaire à tout le monde... J'ai été adorée et j'ai été seule. J'en ai marre de m'intégrer à un endroit où je n'ai pas ma place". Ainsi qu'un plus léger et désinvolte "What Good Is My Love ?", pop aux entournures, où Orianthi a été conviée à partager les plaisirs.

     "Death Wish" clôt magistralement ce dixième album studio par un Blues-rock reptilien et fulminant, aux effets de slide spectrale. Aussi ensorcelant et mortel que peut l'être son amour - avertissement au prétendant. Après un bref paroxysme où l'émotion est libérée sous l'intensité, Miss Taylor envoie un solo magistral où elle associerait l'esprit de Billy Gibbons à celui de Gilmour.

     Joanne Shaw Taylor continue de délivrer des albums de Rock bluesy à son image, sincère, sans artifices. Depuis quelques temps, plutôt que de tracer la route avec un Blues-rock énergique et confortable, avec des soli giclant de toutes parts, elle préfère prendre des chemins de traverse (toujours rocailleux) avec des chansons qu'elle puise, peu ou prou, au fond de ses tripes et de son cœur. Ce qui donne assez souvent des pièces d'émotion brute dénuées de pathos, sans étalement d'une sensualité exacerbée - et feinte -, sans excès d'orchestration larmoyante ou sirupeuse, sans avalanche de watts, sans l'appui d'une chorale "gospel" XXXL.

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Autres articles / Joanne Shaw Taylor (liens) :

👉 " The Dirty Truth " (2014)  👉 " Reckless Heart " (2019) 👉 " Reckless Heart " bis (2019) 👉 " Black & Gold " (2025)

BORIS VIAN : ”J’irai Cracher Sur Vos Tombes“ (1946) - par Pat Slade

Je parle rarement de littérature mais, quand j’aborde le sujet, c’est pour parler d’un auteur pour qui j’ai une grande admiration.

Et on tuera tous les affreux

Poète, écrivain, critique musical, critique littéraire, chanteur, journaliste, acteur, musicien de jazz, auteur-compositeur-interprète, traducteur, peintre, ingénieur, scénariste, dramaturge, librettiste, Boris Vian était un VRP de l’art et c’est cette surmultiplication créative qui lui ôtera la vie beaucoup trop jeune. Pour ma part, il reste un génie de la littérature française du XXe siècle. Il faut avoir lu ”L’écume des jours”, ”L’herbe rouge“, “L’arrache-cœur” ou encore certains de ses recueils de poèmes ou de nouvelles comme ”Les fourmis“ ou les ”Cantilènes en gelée“. Qui n’a jamais appris à l’école ”Le déserteur“ ou ”La complainte du progrès“. Son style d’écriture était le plus souvent léger et ne donnait pas dans la morosité, et pourtant avec ”J’irais cracher sur vos tombes”, rédigé à l’âge de 26 ans, il va écrire ce qui sera surement son roman le plus noir. Après bien des années, je l’ai relu et sa force et son côté sombre est toujours aussi fort.

Publié en 1946 sous le pseudonyme de Vernon Sullivan, ”J’irai cracher sur vos tombes“ demeure l’un des romans les plus sulfureux de la littérature française du XXᵉ siècle. Présenté comme la traduction d’un écrivain américain fictif, le livre de Boris Vian s’inscrit dans l’imaginaire du roman noir, tout en le détournant avec une ironie mordante. Son intrigue de vengeance, sa violence sexuelle et son traitement provocateur du racisme ont suscité le scandale dès sa parution. Aujourd’hui encore, l’œuvre dérange, interroge et divise. C’est précisément cette capacité à provoquer le lecteur qui fait sa force, mais induit sa principale limite. Le roman raconte l’histoire de Lee Anderson, un jeune homme noir à la peau suffisamment claire pour être considéré comme blanc. Après le meurtre de son frère, assassiné par des racistes, Lee quitte sa ville natale et s’installe dans une petite communauté du sud des États-Unis. Il y travaille dans une librairie et se rapproche progressivement de deux jeunes femmes blanches, Jean et Lou. Derrière son apparente intégration, le personnage prépare une vengeance méthodique contre ceux qui représentent, à ses yeux, la société responsable de la mort de son frère. Son identité devient ainsi une arme : en passant pour blanc, Lee pénètre un univers social qui lui serait normalement interdit et retourne contre lui ses propres préjugés.

 Cependant, réduire le livre à un simple roman policier ou à une imitation de la littérature américaine serait une erreur. Derrière l’intrigue provocatrice se trouve une réflexion sur le racisme, la vengeance et l’identité. Lee Anderson est un personnage profondément contradictoire. Il est à la fois victime et bourreau, homme humilié et manipulateur, individu révolté et prisonnier de la logique qu’il dénonce. Son désir de justice se transforme en désir de destruction. Il ne cherche pas seulement à punir des coupables précis, il veut atteindre une communauté entière, comme si la violence subie ne pouvait être réparée que par une violence équivalente. Cette ambiguïté rend le personnage difficile à juger. Le lecteur comprend sa colère, mais ne peut approuver ses actes. Vian refuse de proposer une vengeance héroïque ou libératrice.

La question du racisme constitue le cœur le plus sensible de l’œuvre. Dans l’Amérique décrite par le roman, la couleur de peau détermine la place sociale, les relations amoureuses et même le droit à la sécurité. L’identité de Lee révèle le caractère profondément arbitraire des catégories raciales. Parce qu’il paraît blanc, il bénéficie immédiatement de privilèges auxquels il n’aurait pas accès si son apparence révélait ses origines. Cette situation met en évidence l’hypocrisie d’une société qui prétend distinguer naturellement les individus alors qu’elle les hiérarchise selon des conventions sociales. Néanmoins, la représentation de cette violence soulève des réserves importantes. Le style de Vian est volontairement cru, parfois complaisant dans la description des corps et des rapports sexuels. Certaines scènes semblent exploiter le scandale davantage qu’elles ne l’analysent. Le lecteur contemporain peut également être mal à l’aise face à l’usage de stéréotypes et à la place accordée au regard masculin. Il faut donc lire le roman avec distance, en distinguant ce qu’il dénonce de ce qu’il met lui-même en scène.

Le contexte de publication permet de mieux comprendre cette provocation. Dans la France de l’après-guerre, le roman noir américain connaît un immense succès. Boris Vian, musicien, écrivain, ingénieur et figure de la vie artistique parisienne, joue avec les frontières entre littérature populaire et littérature dite sérieuse. En inventant Vernon Sullivan et en présentant son texte comme une traduction, il brouille les pistes et construit une véritable opération de mystification. Le succès est immédiat, mais le scandale l’est également. Le livre est poursuivi pour immoralité et interdit quelques années plus tard.

”J’irai cracher sur vos tombes“ n’est pas seulement un récit, mais aussi un geste provocateur. Vian cherche à choquer les habitudes morales et littéraires de son époque. Il met en évidence le goût du public pour la violence et l’érotisme tout en lui offrant exactement ce qu’il prétend dénoncer. Le livre fonctionne donc comme un miroir ambïgu, il révèle autant les tensions raciales et morales de son sujet que l’attirance des lecteurs pour le scandale. Sur le plan stylistique, l’écriture se distingue par sa simplicité nerveuse. Les phrases sont souvent courtes, les descriptions directes et le vocabulaire volontairement accessible. Cette sobriété donne au récit une efficacité particulière, mais elle peut aussi produire une impression de répétition ou de superficialité. Contrairement aux romans plus poétiques de Boris Vian, celui-ci privilégie l’impact immédiat et la brutalité des situations. Le texte avance comme une chanson de jazz sombre par accélérations, ruptures et reprises, jusqu’à une conclusion explosive.

La principale réussite du livre réside ainsi dans son énergie. Même lorsqu’il choque ou irrite, il ne laisse pas indifférent. Il oblige à réfléchir aux liens entre discrimination, désir et violence. Cependant, cette œuvre ne doit pas être idéalisée. Sa provocation peut parfois sembler datée, son traitement des femmes est problématique et son discours sur le racisme reste prisonnier de sa logique. Le roman ne propose pas une analyse politique, il transforme la colère en fiction de vengeance. Sa valeur ne tient donc pas à une réponse définitive, mais à la tension qu’il maintient entre dénonciation et fascination.

En définitive, ”J’irai cracher sur vos tombes“ est un livre dérangeant, imparfait et puissamment évocateur. Boris Vian y explore les ravages du racisme à travers une intrigue de roman noir qui privilégie le choc et la provocation. Si certaines pages peuvent sembler excessives, elles participent à une œuvre conçue pour mettre le lecteur mal à l’aise. À condition de le replacer dans son contexte et de le lire avec un regard critique, ce roman conserve une réelle force. Il rappelle que la littérature n’a pas toujours pour mission de rassurer : elle peut aussi exposer les blessures, amplifier les contradictions et forcer chacun à affronter ce qu’il préférerait ne pas voir. Il sera adapté à l’écran, le matin du 23 juin 1959, le film inspiré de son roman, est projeté au cinéma ”Le Marbeuf“ près des Champs-Élysées. Boris Vian avait fait face aux producteurs pour empêcher la sortie du film convaincu que l'adaptation n'a pas de style. Il souhaitera faire enlever son nom du générique. Boris Vian ira à la première à contre cœur. Dès le générique de début, quand apparaissent les mots ”D’après le roman de Vernon Sullivan, traduit de l’américain par Boris Vian“, il se lèvera en s'écriant ”Ah, non…“ et il va s'effondrer dans son fauteuil sans connaissance, Il meurt avant d'arriver à l'hôpital Laennec, il avait 39 ans. 

Si les œuvres à succès, signées Vernon Sullivan, ont permis à Boris Vian de vivre, elles ont aussi occulté les romans signés de son vrai nom, œuvres plus importantes à ses yeux. D'après lui, seuls ces derniers avaient une véritable valeur littéraire. ”L'Écume des jours“ qui n'a aucun succès du vivant de l'auteur fera de Boris Vian un véritable mythe auprès de la jeunesse après sa mort. Il en est de même pour ”L'Arrache-cœur“. Il dira de son œuvre en général : ”L’histoire est entièrement vraie puisque je l’ai imaginée d’un bout à l’autre“

Une nuit pour le relire, deux jours pour rédiger cette chronique, jamais je n’aurais le génie de Boris Vian.

RIP – Le maestro américano-suédois Herbert BLOMSTEDT ne dirigera pas le jour de ses 100 ans 😢 - Claude Toon

- En juillet, Claude, tu dressais un portrait du chef Herbert Blomstedt à l'occasion de son 99^ème anniversaire, le vieux maître étant toujours en activité. Tu espérais même rédiger un billet pour un hypothétique concert donné pour son centenaire… Le destin en a voulu autrement…

- En effet Sonia, et je précisais que le 15 mai 2026, Blomstedt avait été pris d'un malaise lors d'un concert à San Francisco. Ce diable d'homme dirigeait la gigantesque et complexe 9^ème symphonie de Mahler, étrangement l'ultime partition du symphoniste autrichien, son testament face à sa mort annoncée. Œuvre qu'il achèvera mais n'entendra jamais jouée de son vivant… Le rapprochement est-il anodin ? Les médecins interdiront à Blomstedt de poursuive la série de concerts envisagée… Curieuse coïncidence, Blomstedt la dirigeait déjà le 10 mai avec l'orchestre de Détroit avec un souci du détail incroyable pour un artiste de cet âge…

Herbert Blomstedt en 1953

 

Le 13 juillet de cette année paraissait un billet dédié à la carrière du chef d'orchestre américain d'origine suédoise Herbert Blomstedt qui fêtait ses 99 ans ! Il venait d'écourter en mai une tournée, une de plus, sur ordre des médecins, suite à un malaise en dirigeant à San Francisco la monumentale et émouvante 9^ème symphonie de Mahler.

Il avait failli chuter de son fauteuil roulant pendant le frénétique Rondo Burlesque. Qu'à cela ne tienne, le personnel l'avait installé sur un banc de pianiste, et Blomstedt avait terminé le concert (une œuvre de 1H30), personne n'imaginait que ce serait le dernier. Tous les mélomanes qui aiment ce chef espéraient que le maestro serait le premier chef d'orchestre de l'histoire à diriger pour ses 100 ans, après du repos et l'acceptation d'un soupçon d'un allègement de son agenda déjà chargé pour la saison 2026-2027. Le doyen de la profession encore en activité s'est éteint ce mercredi à son domicile de Göteborg en Suède, son pays. (Il était né à Springfield dans le Massachusetts en 1927, mais retourné avec sa famille en Suède pour ses 2 ans, pays où il suivra sa formation musicale.).

En 2011, un autre hommage était rendu au chef Kurt Sanderling, disparu la veille de ses 99 ans mais, avait lui posé sa baguette en 2002 pour ses 90 ans. Sanderling, disciple de Evgeny Mravinsky avait notamment dirigé l'orchestre symphonique de Berlin, l'alter ego de la Philharmonie de l'ère Karajan, de l'autre côté d'un mur…

La photo ci-contre fut sans doute prise lors du concours Koussevitzky de 1953, où il remporte le premier prix ! Koussevitzky n'était mort que depuis deux ans. Immense chef d'un autre âge, on se perd un peu dans le temps (Clic). Le jeune Herbert débutait sa carrière à l'aube du 33 tours et l'aura terminée à l'époque de Deezer ou Spotify… 2026-1953 = 73 ans sur les podiums… Une information pour le Guiness des records. Je n'ajoute rien, l'article de juillet dressait un portrait que je pense exhaustif. On ne radote pas et je propose des concerts en live, majoritairement captés au XXI^ème siècle montrant l'implication à la fois mystique et bon enfant du maître.

Blomstedt ne jouait pas tout le répertoire possible à la manière d'un Karajan. Il favorisait des programmes orientés vers Bruckner (entre chrétien investi, on partage la même spiritualité), les grands compositeurs romantiques (voire la caricature), les compositeurs nordiques et quelques postromantiques et modernistes comme l'allemand Hindemith, le russe Stravinsky, le danois Nielsen, le finlandais Sibelius et le suédois Stenhammar. Juste quelques noms de célébrités dans une discographie de 141 albums et 63 compilations (info discogs) … sans doute bien plus… Par contre aucune gravure de musiciens baroques comme Bach ou Haendel n'apparaissent dans la liste.

Blomstedt était également impliqué dans l'essor de la musique contemporaine, notamment, là encore en Scandinavie : Ingvar Lidholm, Sven-Erik Bäck ou Per Nørgård ; les gravures sont rares, plutôt assurées par des confrères…

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Á des vidéos issues de ses enregistrements CD, j'ai préféré des vidéos de concerts. On imagine souvent qu'un chef bat la mesure en faisant fonction de métronome, quelques gestes indiquant les nuances (départ d'un pupitre, plus vite, moins vite, plus fort, moins fort… dixit Karajan). Voilà qui est bien réducteur. Presque centenaire la direction de Blomstedt ne pouvait qu'être économe. On le voit à la fois modeler la mélodie de ses mains sans utiliser de baguette, et les mimiques parfois hilarantes de son visage illuminé de bonheur, donner les indications sur l'expressivité souhaitée de la part de l'orchestre. Même octogénaire, son énergie restait incroyablement vaillante. À du blabla, je vous propose la vidéo ci-contre qui résume mon propos. Place à un anti Reiner, faisant la gueule avec son faciès à la Droppy un mauvais jour. Au contraire, Blomstedt conduit son orchestre avec ses mains, ses déhanchements, une collection d'expressions faciales qui va vous faire marrer. Je n'ai connu aucun maestro qui fasse le "clown" à ce point-là ; en fond sonore la musique âpre de Nielsen prend son envole !!!!

Anton Bruckner

L'affinité entre la spiritualité du compositeur autrichien profondément croyant et celle de Blomstedt est une évidence. Blomstedt de par son éducation appartenait à l'Église adventiste du septième jour. Un mouvement assez rigoriste, prônant végétarisme et abstinence d'alcool, une vie saine qui semble lui avoir réussi 😉. L'approche biblique est fondamentaliste, créationniste, mais tolérante vis-à-vis des autres chrétiens à défaut de l'être avec les institutions comme le Vatican. Bref, Blomstedt, Bruckner, Dieu : une "trinité musicale" si je puis me permettre. Je propose d'écouter une playlist de quatre morceaux :

1 et  2 – Les premières mesures et les dernières de la 4^ème symphonie de Bruckner dite "Romantique". Si vous aimez un Bruckner dégraissé des ors et des encensoirs, voici votre homme. Il s'agit d'un concert donné à Amsterdam avec la Philharmonie de Vienne en 2021. Le solo de cor assuré par Manuel Huber, premier cor, magnifie la quiétude pastorale exigée : brume et soleil mordorés, atmosphère paisible et priante… La quintessence du style Brucknérien. Même remarque pour les dernières mesure (2) : souvent appuyées et grandiloquentes, Blomstedt conclut de façon plus métaphysique… Il laisse la musique s'éteindre et se sublimer dans l'espace sidéral du silence pendant 20 secondes avant que les applaudissements nous ramènent dans la salle !

3 – En complément : la 9^ème symphonie interprétée au Proms de Londres en 2010 par l'orchestre des jeunes Gustav Mahler. Là encore, on appréciera chaque détail d'orchestration, un legato jamais pesant, une foi exprimée de manière radieuse et déterminée, donc une rareté. Et quel final… que dire.

4 – Moins connue, la messe en Fa mineur trouve de nouveau une interprétation sans austérité sulpicienne… Ce concert est une captation réalisée dans L'église Sainte-Marie de Lübeck, avec L'orchestre symphonique et le chœur de la radio de Hambourg en 1996. Les solistes sont Angela Maria Blasi, Cornelia Kallisch, Herbert Lippert et Franz-Josef Selig Dabei.

Blomstedt sert la main à Bruckner devant ses compositeurs favoris

 

Gustav Mahler l'exception de son répertoire

Blomstedt interprétait avec parcimonie les symphonies de Gustav Mahler, gigantesques et surorchestrées à son goût. On lui prête ce jugement : "trop égocentrique, exhibitionniste et névrosée", waouh ! Névrosée ? Ça se défend…

Il a pourtant gravé une interprétation de la symphonie N°2 "Résurrection" pour Decca en 1990 avec l'orchestre de San Francisco et la 5^ème en live au Japon distribuée de manière confidentielle. La 2^ème, mi-symphonie mi-oratorio pouvait trouver écho dans la spiritualité du chef. Les critiques apprécièrent.

Il est possible que la complexité parfois confuse des symphonies instrumentales, 1, 5 à 7 (final déjanté de la 7^ème) ait rebuté Blomstedt friand de lisibilité en musique.

Par contre, Mahler, condamné par la faculté et réconcilié avec Alma, son épouse, grâce à Freud, démontre dans la 9^ème une science totalement maîtrisée de la construction et de l'expressivité orchestrale.

Un concert mémorable à Détroit a été enregistré en public le 10 mai 2026. Blomstedt voyant ses forces décliner à 98 ans recourt à ce chef-d'œuvre comme un probable testament musical. Le maestro faisait alors un retour historique à la tête du Detroit Symphony Orchestra, phalange qu'il n'avait plus dirigée depuis 1985. Si j'écris "quel sens du détail orchestral", je me répète ?

15 mai 2026, San Francisco orchestra ; en raison d'une extrême fragilité physique, le maestro entre en scène en fauteuil roulant et dirige assis. Au milieu du troisième mouvement aux accents apocalyptiques et sarcastiques (Rondo-Burleske), devenant trop faible, il a dû faire une pause pour être installé sur un banc de piano plus confortable avec l'aide des assistants, avant de mener l'œuvre jusqu'à son terme.

Jean Sibelius le finlandais

On ne présente plus Sibelius, le compositeur finlandais le plus commenté dans le blog dont ses sept symphonies (Index). D'un style qui rompt avec ses œuvres précédentes, la 4^ème symphonie enchaînant des mouvements lents et nostalgiques, marque les doutes du compositeur quant à son espérance de vie (on venait de l'opérer d'un cancer) que sur ses capacités à renouveler son style de composition vers un langage plus moderne… Blomstedt l'interprète ici avec noirceur à Helsinki en avril 2017 à la tête de l'orchestre de la radio finlandaise. Une vision tourmentée sans esbrouffe…

 

Wilhelm Stenhammar

N'est-il pas normal de terminer en compagnie d'un compositeur suédois souvent mentionné dans le blog mais qui n'a pas encore bénéficié de sa chronique personnelle. Parmi ses chefs-d'œuvre post romantiques et empreints de vitalité, Blomstedt a dirigé en concert la Sérénade op.31 pour orchestre avec l'orchestre du Gewandhaus de Leipzig. Le chef a récidivé avec d'autres orchestres pour le disque (BIS).

Découvrant cette œuvre, voici fournie par I.A. la liste des 5 mouvements accompagnés de petits commentaires.

1. Overtura (Allegrissimo) : Une ouverture lumineuse, vive et rythmée.

2. II. Canzonetta (Tempo di valse, un poco tranquillo) : Une valse mélancolique et gracieuse, typiquement nordique.

3. III. Scherzo (Presto) : Un mouvement rapide, plein d'esprit, de vivacité et de contrastes dynamiques.

4. IV. Notturno (Andante sostenuto) : Une section introspective, nocturne, d'une grande beauté poétique et mystérieuse.

5. V. Finale (Tempo moderato) : Un final texturé et noble qui couronne l'œuvre en reprenant l'élan initial.