BORIS VIAN : ”J’irai Cracher Sur Vos Tombes“ (1946) - par Pat Slade

Je parle rarement de littérature mais, quand j’aborde le sujet, c’est pour parler d’un auteur pour qui j’ai une grande admiration.

Et on tuera tous les affreux

Poète, écrivain, critique musical, critique littéraire, chanteur, journaliste, acteur, musicien de jazz, auteur-compositeur-interprète, traducteur, peintre, ingénieur, scénariste, dramaturge, librettiste, Boris Vian était un VRP de l’art et c’est cette surmultiplication créative qui lui ôtera la vie beaucoup trop jeune. Pour ma part, il reste un génie de la littérature française du XXe siècle. Il faut avoir lu ”L’écume des jours”, ”L’herbe rouge“, “L’arrache-cœur” ou encore certains de ses recueils de poèmes ou de nouvelles comme ”Les fourmis“ ou les ”Cantilènes en gelée“. Qui n’a jamais appris à l’école ”Le déserteur“ ou ”La complainte du progrès“. Son style d’écriture était le plus souvent léger et ne donnait pas dans la morosité, et pourtant avec ”J’irais cracher sur vos tombes”, rédigé à l’âge de 26 ans, il va écrire ce qui sera surement son roman le plus noir. Après bien des années, je l’ai relu et sa force et son côté sombre est toujours aussi fort.

Publié en 1946 sous le pseudonyme de Vernon Sullivan, ”J’irai cracher sur vos tombes“ demeure l’un des romans les plus sulfureux de la littérature française du XXᵉ siècle. Présenté comme la traduction d’un écrivain américain fictif, le livre de Boris Vian s’inscrit dans l’imaginaire du roman noir, tout en le détournant avec une ironie mordante. Son intrigue de vengeance, sa violence sexuelle et son traitement provocateur du racisme ont suscité le scandale dès sa parution. Aujourd’hui encore, l’œuvre dérange, interroge et divise. C’est précisément cette capacité à provoquer le lecteur qui fait sa force, mais induit sa principale limite. Le roman raconte l’histoire de Lee Anderson, un jeune homme noir à la peau suffisamment claire pour être considéré comme blanc. Après le meurtre de son frère, assassiné par des racistes, Lee quitte sa ville natale et s’installe dans une petite communauté du sud des États-Unis. Il y travaille dans une librairie et se rapproche progressivement de deux jeunes femmes blanches, Jean et Lou. Derrière son apparente intégration, le personnage prépare une vengeance méthodique contre ceux qui représentent, à ses yeux, la société responsable de la mort de son frère. Son identité devient ainsi une arme : en passant pour blanc, Lee pénètre un univers social qui lui serait normalement interdit et retourne contre lui ses propres préjugés.

 Cependant, réduire le livre à un simple roman policier ou à une imitation de la littérature américaine serait une erreur. Derrière l’intrigue provocatrice se trouve une réflexion sur le racisme, la vengeance et l’identité. Lee Anderson est un personnage profondément contradictoire. Il est à la fois victime et bourreau, homme humilié et manipulateur, individu révolté et prisonnier de la logique qu’il dénonce. Son désir de justice se transforme en désir de destruction. Il ne cherche pas seulement à punir des coupables précis, il veut atteindre une communauté entière, comme si la violence subie ne pouvait être réparée que par une violence équivalente. Cette ambiguïté rend le personnage difficile à juger. Le lecteur comprend sa colère, mais ne peut approuver ses actes. Vian refuse de proposer une vengeance héroïque ou libératrice.

La question du racisme constitue le cœur le plus sensible de l’œuvre. Dans l’Amérique décrite par le roman, la couleur de peau détermine la place sociale, les relations amoureuses et même le droit à la sécurité. L’identité de Lee révèle le caractère profondément arbitraire des catégories raciales. Parce qu’il paraît blanc, il bénéficie immédiatement de privilèges auxquels il n’aurait pas accès si son apparence révélait ses origines. Cette situation met en évidence l’hypocrisie d’une société qui prétend distinguer naturellement les individus alors qu’elle les hiérarchise selon des conventions sociales. Néanmoins, la représentation de cette violence soulève des réserves importantes. Le style de Vian est volontairement cru, parfois complaisant dans la description des corps et des rapports sexuels. Certaines scènes semblent exploiter le scandale davantage qu’elles ne l’analysent. Le lecteur contemporain peut également être mal à l’aise face à l’usage de stéréotypes et à la place accordée au regard masculin. Il faut donc lire le roman avec distance, en distinguant ce qu’il dénonce de ce qu’il met lui-même en scène.

Le contexte de publication permet de mieux comprendre cette provocation. Dans la France de l’après-guerre, le roman noir américain connaît un immense succès. Boris Vian, musicien, écrivain, ingénieur et figure de la vie artistique parisienne, joue avec les frontières entre littérature populaire et littérature dite sérieuse. En inventant Vernon Sullivan et en présentant son texte comme une traduction, il brouille les pistes et construit une véritable opération de mystification. Le succès est immédiat, mais le scandale l’est également. Le livre est poursuivi pour immoralité et interdit quelques années plus tard.

”J’irai cracher sur vos tombes“ n’est pas seulement un récit, mais aussi un geste provocateur. Vian cherche à choquer les habitudes morales et littéraires de son époque. Il met en évidence le goût du public pour la violence et l’érotisme tout en lui offrant exactement ce qu’il prétend dénoncer. Le livre fonctionne donc comme un miroir ambïgu, il révèle autant les tensions raciales et morales de son sujet que l’attirance des lecteurs pour le scandale. Sur le plan stylistique, l’écriture se distingue par sa simplicité nerveuse. Les phrases sont souvent courtes, les descriptions directes et le vocabulaire volontairement accessible. Cette sobriété donne au récit une efficacité particulière, mais elle peut aussi produire une impression de répétition ou de superficialité. Contrairement aux romans plus poétiques de Boris Vian, celui-ci privilégie l’impact immédiat et la brutalité des situations. Le texte avance comme une chanson de jazz sombre par accélérations, ruptures et reprises, jusqu’à une conclusion explosive.

La principale réussite du livre réside ainsi dans son énergie. Même lorsqu’il choque ou irrite, il ne laisse pas indifférent. Il oblige à réfléchir aux liens entre discrimination, désir et violence. Cependant, cette œuvre ne doit pas être idéalisée. Sa provocation peut parfois sembler datée, son traitement des femmes est problématique et son discours sur le racisme reste prisonnier de sa logique. Le roman ne propose pas une analyse politique, il transforme la colère en fiction de vengeance. Sa valeur ne tient donc pas à une réponse définitive, mais à la tension qu’il maintient entre dénonciation et fascination.

En définitive, ”J’irai cracher sur vos tombes“ est un livre dérangeant, imparfait et puissamment évocateur. Boris Vian y explore les ravages du racisme à travers une intrigue de roman noir qui privilégie le choc et la provocation. Si certaines pages peuvent sembler excessives, elles participent à une œuvre conçue pour mettre le lecteur mal à l’aise. À condition de le replacer dans son contexte et de le lire avec un regard critique, ce roman conserve une réelle force. Il rappelle que la littérature n’a pas toujours pour mission de rassurer : elle peut aussi exposer les blessures, amplifier les contradictions et forcer chacun à affronter ce qu’il préférerait ne pas voir. Il sera adapté à l’écran, le matin du 23 juin 1959, le film inspiré de son roman, est projeté au cinéma ”Le Marbeuf“ près des Champs-Élysées. Boris Vian avait fait face aux producteurs pour empêcher la sortie du film convaincu que l'adaptation n'a pas de style. Il souhaitera faire enlever son nom du générique. Boris Vian ira à la première à contre cœur. Dès le générique de début, quand apparaissent les mots ”D’après le roman de Vernon Sullivan, traduit de l’américain par Boris Vian“, il se lèvera en s'écriant ”Ah, non…“ et il va s'effondrer dans son fauteuil sans connaissance, Il meurt avant d'arriver à l'hôpital Laennec, il avait 39 ans. 

Si les œuvres à succès, signées Vernon Sullivan, ont permis à Boris Vian de vivre, elles ont aussi occulté les romans signés de son vrai nom, œuvres plus importantes à ses yeux. D'après lui, seuls ces derniers avaient une véritable valeur littéraire. ”L'Écume des jours“ qui n'a aucun succès du vivant de l'auteur fera de Boris Vian un véritable mythe auprès de la jeunesse après sa mort. Il en est de même pour ”L'Arrache-cœur“. Il dira de son œuvre en général : ”L’histoire est entièrement vraie puisque je l’ai imaginée d’un bout à l’autre“

Une nuit pour le relire, deux jours pour rédiger cette chronique, jamais je n’aurais le génie de Boris Vian.

RIP – Le maestro américano-suédois Herbert BLOMSTEDT ne dirigera pas le jour de ses 100 ans 😢 - Claude Toon

- En juillet, Claude, tu dressais un portrait du chef Herbert Blomstedt à l'occasion de son 99^ème anniversaire, le vieux maître étant toujours en activité. Tu espérais même rédiger un billet pour un hypothétique concert donné pour son centenaire… Le destin en a voulu autrement…

- En effet Sonia, et je précisais que le 15 mai 2026, Blomstedt avait été pris d'un malaise lors d'un concert à San Francisco. Ce diable d'homme dirigeait la gigantesque et complexe 9^ème symphonie de Mahler, étrangement l'ultime partition du symphoniste autrichien, son testament face à sa mort annoncée. Œuvre qu'il achèvera mais n'entendra jamais jouée de son vivant… Le rapprochement est-il anodin ? Les médecins interdiront à Blomstedt de poursuive la série de concerts envisagée… Curieuse coïncidence, Blomstedt la dirigeait déjà le 10 mai avec l'orchestre de Détroit avec un souci du détail incroyable pour un artiste de cet âge…

Herbert Blomstedt en 1953

 

Le 13 juillet de cette année paraissait un billet dédié à la carrière du chef d'orchestre américain d'origine suédoise Herbert Blomstedt qui fêtait ses 99 ans ! Il venait d'écourter en mai une tournée, une de plus, sur ordre des médecins, suite à un malaise en dirigeant à San Francisco la monumentale et émouvante 9^ème symphonie de Mahler.

Il avait failli chuter de son fauteuil roulant pendant le frénétique Rondo Burlesque. Qu'à cela ne tienne, le personnel l'avait installé sur un banc de pianiste, et Blomstedt avait terminé le concert (une œuvre de 1H30), personne n'imaginait que ce serait le dernier. Tous les mélomanes qui aiment ce chef espéraient que le maestro serait le premier chef d'orchestre de l'histoire à diriger pour ses 100 ans, après du repos et l'acceptation d'un soupçon d'un allègement de son agenda déjà chargé pour la saison 2026-2027. Le doyen de la profession encore en activité s'est éteint ce mercredi à son domicile de Göteborg en Suède, son pays. (Il était né à Springfield dans le Massachusetts en 1927, mais retourné avec sa famille en Suède pour ses 2 ans, pays où il suivra sa formation musicale.).

En 2011, un autre hommage était rendu au chef Kurt Sanderling, disparu la veille de ses 99 ans mais, avait lui posé sa baguette en 2002 pour ses 90 ans. Sanderling, disciple de Evgeny Mravinsky avait notamment dirigé l'orchestre symphonique de Berlin, l'alter ego de la Philharmonie de l'ère Karajan, de l'autre côté d'un mur…

La photo ci-contre fut sans doute prise lors du concours Koussevitzky de 1953, où il remporte le premier prix ! Koussevitzky n'était mort que depuis deux ans. Immense chef d'un autre âge, on se perd un peu dans le temps (Clic). Le jeune Herbert débutait sa carrière à l'aube du 33 tours et l'aura terminée à l'époque de Deezer ou Spotify… 2026-1953 = 73 ans sur les podiums… Une information pour le Guiness des records. Je n'ajoute rien, l'article de juillet dressait un portrait que je pense exhaustif. On ne radote pas et je propose des concerts en live, majoritairement captés au XXI^ème siècle montrant l'implication à la fois mystique et bon enfant du maître.

Blomstedt ne jouait pas tout le répertoire possible à la manière d'un Karajan. Il favorisait des programmes orientés vers Bruckner (entre chrétien investi, on partage la même spiritualité), les grands compositeurs romantiques (voire la caricature), les compositeurs nordiques et quelques postromantiques et modernistes comme l'allemand Hindemith, le russe Stravinsky, le danois Nielsen, le finlandais Sibelius et le suédois Stenhammar. Juste quelques noms de célébrités dans une discographie de 141 albums et 63 compilations (info discogs) … sans doute bien plus… Par contre aucune gravure de musiciens baroques comme Bach ou Haendel n'apparaissent dans la liste.

Blomstedt était également impliqué dans l'essor de la musique contemporaine, notamment, là encore en Scandinavie : Ingvar Lidholm, Sven-Erik Bäck ou Per Nørgård ; les gravures sont rares, plutôt assurées par des confrères…

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Á des vidéos issues de ses enregistrements CD, j'ai préféré des vidéos de concerts. On imagine souvent qu'un chef bat la mesure en faisant fonction de métronome, quelques gestes indiquant les nuances (départ d'un pupitre, plus vite, moins vite, plus fort, moins fort… dixit Karajan). Voilà qui est bien réducteur. Presque centenaire la direction de Blomstedt ne pouvait qu'être économe. On le voit à la fois modeler la mélodie de ses mains sans utiliser de baguette, et les mimiques parfois hilarantes de son visage illuminé de bonheur, donner les indications sur l'expressivité souhaitée de la part de l'orchestre. Même octogénaire, son énergie restait incroyablement vaillante. À du blabla, je vous propose la vidéo ci-contre qui résume mon propos. Place à un anti Reiner, faisant la gueule avec son faciès à la Droppy un mauvais jour. Au contraire, Blomstedt conduit son orchestre avec ses mains, ses déhanchements, une collection d'expressions faciales qui va vous faire marrer. Je n'ai connu aucun maestro qui fasse le "clown" à ce point-là ; en fond sonore la musique âpre de Nielsen prend son envole !!!!

Anton Bruckner

L'affinité entre la spiritualité du compositeur autrichien profondément croyant et celle de Blomstedt est une évidence. Blomstedt de par son éducation appartenait à l'Église adventiste du septième jour. Un mouvement assez rigoriste, prônant végétarisme et abstinence d'alcool, une vie saine qui semble lui avoir réussi 😉. L'approche biblique est fondamentaliste, créationniste, mais tolérante vis-à-vis des autres chrétiens à défaut de l'être avec les institutions comme le Vatican. Bref, Blomstedt, Bruckner, Dieu : une "trinité musicale" si je puis me permettre. Je propose d'écouter une playlist de quatre morceaux :

1 et  2 – Les premières mesures et les dernières de la 4^ème symphonie de Bruckner dite "Romantique". Si vous aimez un Bruckner dégraissé des ors et des encensoirs, voici votre homme. Il s'agit d'un concert donné à Amsterdam avec la Philharmonie de Vienne en 2021. Le solo de cor assuré par Manuel Huber, premier cor, magnifie la quiétude pastorale exigée : brume et soleil mordorés, atmosphère paisible et priante… La quintessence du style Brucknérien. Même remarque pour les dernières mesure (2) : souvent appuyées et grandiloquentes, Blomstedt conclut de façon plus métaphysique… Il laisse la musique s'éteindre et se sublimer dans l'espace sidéral du silence pendant 20 secondes avant que les applaudissements nous ramènent dans la salle !

3 – En complément : la 9^ème symphonie interprétée au Proms de Londres en 2010 par l'orchestre des jeunes Gustav Mahler. Là encore, on appréciera chaque détail d'orchestration, un legato jamais pesant, une foi exprimée de manière radieuse et déterminée, donc une rareté. Et quel final… que dire.

4 – Moins connue, la messe en Fa mineur trouve de nouveau une interprétation sans austérité sulpicienne… Ce concert est une captation réalisée dans L'église Sainte-Marie de Lübeck, avec L'orchestre symphonique et le chœur de la radio de Hambourg en 1996. Les solistes sont Angela Maria Blasi, Cornelia Kallisch, Herbert Lippert et Franz-Josef Selig Dabei.

Blomstedt sert la main à Bruckner devant ses compositeurs favoris

 

Gustav Mahler l'exception de son répertoire

Blomstedt interprétait avec parcimonie les symphonies de Gustav Mahler, gigantesques et surorchestrées à son goût. On lui prête ce jugement : "trop égocentrique, exhibitionniste et névrosée", waouh ! Névrosée ? Ça se défend…

Il a pourtant gravé une interprétation de la symphonie N°2 "Résurrection" pour Decca en 1990 avec l'orchestre de San Francisco et la 5^ème en live au Japon distribuée de manière confidentielle. La 2^ème, mi-symphonie mi-oratorio pouvait trouver écho dans la spiritualité du chef. Les critiques apprécièrent.

Il est possible que la complexité parfois confuse des symphonies instrumentales, 1, 5 à 7 (final déjanté de la 7^ème) ait rebuté Blomstedt friand de lisibilité en musique.

Par contre, Mahler, condamné par la faculté et réconcilié avec Alma, son épouse, grâce à Freud, démontre dans la 9^ème une science totalement maîtrisée de la construction et de l'expressivité orchestrale.

Un concert mémorable à Détroit a été enregistré en public le 10 mai 2026. Blomstedt voyant ses forces décliner à 98 ans recourt à ce chef-d'œuvre comme un probable testament musical. Le maestro faisait alors un retour historique à la tête du Detroit Symphony Orchestra, phalange qu'il n'avait plus dirigée depuis 1985. Si j'écris "quel sens du détail orchestral", je me répète ?

15 mai 2026, San Francisco orchestra ; en raison d'une extrême fragilité physique, le maestro entre en scène en fauteuil roulant et dirige assis. Au milieu du troisième mouvement aux accents apocalyptiques et sarcastiques (Rondo-Burleske), devenant trop faible, il a dû faire une pause pour être installé sur un banc de piano plus confortable avec l'aide des assistants, avant de mener l'œuvre jusqu'à son terme.

Jean Sibelius le finlandais

On ne présente plus Sibelius, le compositeur finlandais le plus commenté dans le blog dont ses sept symphonies (Index). D'un style qui rompt avec ses œuvres précédentes, la 4^ème symphonie enchaînant des mouvements lents et nostalgiques, marque les doutes du compositeur quant à son espérance de vie (on venait de l'opérer d'un cancer) que sur ses capacités à renouveler son style de composition vers un langage plus moderne… Blomstedt l'interprète ici avec noirceur à Helsinki en avril 2017 à la tête de l'orchestre de la radio finlandaise. Une vision tourmentée sans esbrouffe…

 

Wilhelm Stenhammar

N'est-il pas normal de terminer en compagnie d'un compositeur suédois souvent mentionné dans le blog mais qui n'a pas encore bénéficié de sa chronique personnelle. Parmi ses chefs-d'œuvre post romantiques et empreints de vitalité, Blomstedt a dirigé en concert la Sérénade op.31 pour orchestre avec l'orchestre du Gewandhaus de Leipzig. Le chef a récidivé avec d'autres orchestres pour le disque (BIS).

Découvrant cette œuvre, voici fournie par I.A. la liste des 5 mouvements accompagnés de petits commentaires.

1. Overtura (Allegrissimo) : Une ouverture lumineuse, vive et rythmée.

2. II. Canzonetta (Tempo di valse, un poco tranquillo) : Une valse mélancolique et gracieuse, typiquement nordique.

3. III. Scherzo (Presto) : Un mouvement rapide, plein d'esprit, de vivacité et de contrastes dynamiques.

4. IV. Notturno (Andante sostenuto) : Une section introspective, nocturne, d'une grande beauté poétique et mystérieuse.

5. V. Finale (Tempo moderato) : Un final texturé et noble qui couronne l'œuvre en reprenant l'élan initial.

UN BEST-OF AVEC TAMBOURS ET TROMPETTES

MARDI : de l’opéra avec « Benvenuto Cellini » qui tient de la gigantesque fresque, disputes d’amoureux, carnavals déchaînés, rivalités politiques qu’Hector Berlioz narre avec une vigueur impressionnante. Le compositeur repousse les limites du genre, grandiose et burlesque, romantisme et farce.

MERCREDI : dans la famille Deep Purple je demande… Warhorse, le groupe monté par l’ex-bassiste Nick Semper, qui ne fera pas long feu avec deux albums au compteur, dont ce « Red Sea » à forte consonance pourpre, certes, mais qui aligne quelques pièces admirables de Heavy-soul-rock.

JEUDI : un nouveau venu à la rubrique classique, le Toon nous présente Gabriel Dupont et son « Oeuvre symphonique », sur une période de 8 ans - le compositeur est décédé prématurément en pleine ascension* – l’ensemble dirigé par le chef Patrick Davin et l'Orchestre philharmonique royale de Liège.

VENDREDI : après le diptyque de Gaulle, Jean Luchaire et Vichy, voici « Moulin » de László Nemes, du moins les derniers jours du résistant aux mains du tortionnaire Barbie. Le face à face d’acteurs tient ses promesses, mais on peut rester dubitatif sur une mise en scène ostentatoire, là où l’austérité aurait prévalu.

* il n'était pas alpiniste, mais tuberculeux...

👉La semaine prochaine, on commence dès lundi avec le Toon qui célébrera la carrière exceptionnelle du chef Herbert Blomstedt décédé quasi centenaire, puis Pat nous lira du Boris Vian, et Benjamin du Maurice Dantec (jamais 203), du blues rock chez Bruno qui recevra Joanne Shaw Taylor pour son dernier né, et Luc fera un voyage scolaire à Naples avec la réalisatrice Marine Atlan. 

MOULIN de László Nemes (2026) par Luc B.

Sentiment mitigé à la sortie de projection, sans doute dû en partie à la facilité du scénario. Je m’explique. Le film raconte l’arrestation de Jean Moulin, à Caluire en juin 1943, puis les tortures interminables qu’il a subies à la Gestapo de Lyon, où régnait l’ignoble Klaus Barbie. 

Ce n'est donc pas un biopic. On n’apprend rien du passé, de la vie ou la carrière de ce fonctionnaire qui a œuvré de préfectures en cabinets et ministères depuis les années 20, avant de rallier la Résistance, être repéré par de Gaulle, et chargé d’unifier les multiples composantes de la Résistance.

Le vrai sujet aurait pu être là : la période 1940-43. Mais cela supposait de rendre à l’écran une période complexe, avec de multiples protagonistes pas forcément connus du public, sans promesse de spectaculaire, et finir sur une arrestation, donc un échec. Le scénariste Olivier Demangel (qui travaille avec Cédric Jimenez) restreint donc le récit aux derniers jours - oserais-je dire plus vendeurs - un huis clos entre la victime et son bourreau, sujet idéal pour Polanski. Sauf que Demangel est contraint d’inventer personnages secondaires, situations et dialogues, puisque nous n’avons aucun verbatim des interrogatoires subis par Jean Moulin. Les rares choses que l'on sait viennent de Barbie lui-même, des années plus tard, pas certain que ce soit très fiable ! Le producteur Alain Goldman (de Jimenez entre autres, bis) a choisi de confier la réalisation à László Nemes.

Ce réalisateur hongrois s’est fait connaître avec LE FILS DE SAUL en 2015, qui avait subjugué et terrifié tout le monde. Puis plus rien, deux films en Hongrie à peine distribués chez nous. Nemes ne retrouve pas ici la puissance formelle de SAUL, plus classique, voire un brin léchée vu le sujet (jurisprudence Spielberg SCHINDLER ?) mais certains moments sont très réussis. Notamment les séquences avec la Comtesse de Forez (jouée par Louise Bourgoin) qui est un personnage… fictif. Je rembobine. 

Jean Moulin est parachuté depuis Londres, missionné pour fédérer les responsables de la Résistance. La séquence est filmée de nuit, on n’y voit que dalle. Ça devient une manie de sous-éclairer un film, y’a plus de chef op’ en France ? Même les scènes en plein jour semblent passées au brou de noix, ou les acteurs placés à contre jour d’une fenêtre pour être bien sûr qu’on ne les reconnaisse pas ! Pour renforcer le mystère, mais quel mystère ?  

Gilles Lellouche chuchote souvent (forcément, il ne va pas hurler dans des troquets infestés d’Allemands), une élocution cotonneuse de surcroît, au début on ne pige pas une phrase sur deux. Bref, ça commençait mal. Pourtant l’acteur m’a plutôt convaincu dans sa capacité à incarner différents Moulin. Le fonctionnaire strict (la réunion à Lyon), le dandy élégant à l’aise en mondanités (la scène du vernissage), puis l’homme inquiet, traqué, franchement paniqué quand il répète comme un mantra dans la cour de la prison « je vais parler, s’ils me torturent, j’vais parler ». 

László Nemes n’en fait pas une figure héroïque, mais un homme qui a peur. Le film échoue par contre à expliquer comment Jean Moulin a su tenir face aux sévices. Car bien qu’avouant finalement sa réelle identité (dénoncé par un autre prisonnier) il n’a pas révélé ce que les allemands tenaient à savoir sur la Résistance et les plans des Alliés.

Si les premières séquences rappellent un peu trop ce qu'on a déjà vu (chez Melville notamment) le film prend corps avec l’arrestation chez le docteur Dugougon à Caluire. Le stress, la méfiance, l'inquiétude, puis la violence qui surgit. László Nemes est plus à l'aise dans les face à face, et réussit le premier entretien entre Moulin et Barbie, affable, courtois, jeu pervers du chat et de la souris. 

Réussies, donc, les séquences avec la comtesse. Ce plan au sortir du vernissage, dans un escalier éclairé d’un lampadaire, ambiance très Film Noir, un plan long qui se termine par un beau mouvement de caméra, zénithal. Puis la longue séquence à la Gestapo où la Comtesse Forez (l’alibi de Moulin, censé être Jean Martel, son décorateur) est interrogée par un Barbie qui lui donne des « votre altesse », la cagole d’abord pour mieux l’agresser ensuite. Crescendo éprouvant jusqu’à cette valse forcée sur « La Barcarolle » d'Hoffmann, tout en plan séquence circulaire. Moins convaincantes, les scènes en cellule avec un co-détenu (parce qu’il en fallait un ?) dont on ne sait s’il est un leurre ou pas.

Le nazi est joué par un acteur allemand (quelle surprise !) : Lars Eidinger, que j’avais découvert dans la géniale série BABYLON BERLIN. Il est excellent, effrayant, réellement sadique dans sa manière de souffler le chaud et le froid, cédant à la violence hystérique. MOULIN est un film dur, même si László Nemes laisse le trop plein d’horreur hors champ, privilégiant le sonore (aboiements, cris, suppliques). Voir la scène où on contraint Moulin, forçant ses paupières à rester ouvertes, à regarder ses compagnons se faire torturer. 

Le souci avec ce MOULIN, est qu’il fait immanquablement songer à L’ARMÉE DES OMBRES de Jean Pierre Melville. Qui avait lui aussi dirigé un poids lourd du cinéma, Lino Ventura. L’acteur s’effaçait derrière son personnage, dans un film au rendu documentaire, froid, austère, car Melville savait, lui, de quoi il parlait. Nemes (et son scénariste) invente sans pour autant trahir, certes, mais montre des gestes de cinéma sans doute trop ostentatoires, impression renforcée par l’utilisation du format scope, les lumières sculptées, les costumes bien coupés. 

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lien vers (clic) LE FILS DE SAUL

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