HAYDN – Symphonie N°43 "Mercure" (1771) - Adam FISCHER (2001) – par Sonia de Guéménée

- Salut Pat, c'est la semaine de Benjamin et Luc n'a pas eu le temps de préparer sa chronique. Claude vient de m'appeler depuis Vienne (il écume des manuscrits poussiéreux dans les caves de la Philharmonie) et de me demander d'improviser un billet… Là je suis mal… T'as une idée…

- Waouh ma biche, quand on voit l'index classique et le millier d'œuvres déjà commentées, je comprends ton angoisse… faut pas un truc long, une œuvre classique, sympa, pas de philo… Humm voyons… J'pense à une p'tite symphonie de Haydn, sur les 104, Claude n'a pas tout chroniqué, on regarde…

- T'es Sympa, merci…

- Ah voyons ma Sonia, on a déjà : les six parisiennes au complet, les londoniennes sont ambitieuses, les principales du Sturm und Drang sont aussi présentes… Ma parole, à force, on va tirer au sort dans la liste sur Wikipédia…

- Tiens Pat, y en a une, la 43 qui s'appelle "Mercure", elle a sans doute un style cosmique ?

- Pourquoi pas, elle va peut-être faire monter la température, haha…

- Ou refroidir les lecteurs ! hihi… Ok je me lance, tu me donneras ton avis…

Mercure par Hendrick Goltzius (1610)

 

Mince, pas de chance, la jaquette est hideuse, elle me rappelle de mémoire celle de 1963 pour la 9^ème symphonie de Beethoven par Karajan (clic)… Pourtant pour Mercure, il y a du choix. J'irai vérifier l'origine du sous-titre… En attendant, je mets du traditionnel : soit le Dieu* romain qui était un facteur ailé portant les messages avant l'invention des emails, soit la planète (façon Holst). Hehe, je maîtrise les Clic, M'sieur Toon m'a bien coaché. Il est beau ce mec… non, pas le Toon, le Dieu du tableau. Bon je m'égare, pas de digression…

(*) Hermès en grec, même métier, un cumulard. Et puis avec ce que je gagne au blog, vous imaginez pas que je me fringue chez Hermès Luxe quand même…

- Heu Sonia, je lis par-dessus ton épaule… On a dit pas de digression vraiment hors sujet !!!!

- Ok Pat, désolée…

Et bien c'est pas avec les trois lignes sur Wikipédia en français, que je vais avancer… Waouh, en allemand c'est un roman fleuve ! Enfin, hop un petit coup de traduction (Merci Chrome) et je prends des notes… ("Mercure au Chrome"), désolée pour ce calembour nul, je sors… pfff !

Pour la biographie du compositeur autrichien qui a vécu 77 ans (pas mal pour l'époque), je ne ferai pas mieux que Claude dans sa chronique sur un brelan de symphonies londoniennes (3 parmi les douze dernières composées lors du second voyage à Londres) dirigées par le truculent chef british Sir Thomas Beecham (Clic).

Pour la vidéo, j'ai pris la première venue sur YouTube, un disque de Adam Fischer, chef d'orchestre qui a gravé pour le label Nimbus l'intégrale des symphonies de Haydn, une grosse boîte de 33 CD plus récente que celle d'Antal Dorati des années 60-70 que Claude avait retenue pour parler des six symphonies "parisiennes", l'"Ours", la "Reine", etc… de mémoire des symphonies énergisantes. Et puis pour ce coffret d'Adam Fischer, des centaines de commentateurs d'Amazon le trouvent à 95% génial… alors.

Je tord le coup à cette histoire de "Mercure". Jamais le grand Joseph n'a sous-titré sa symphonie avec le nom du dieu-planète. Un seul intérêt, c'est plus pratique quand on la cherche dans une boîte de 33 CD que ce numéro 43 dont, honnêtement, on ne se rappelle jamais… Ce sous-titre aurait été attribué soit lors de l'utilisation de la symphonie pour une comédie ballet mettant en scène Mercure, un spectacle mythologique typique de l'époque et organisé chez le Prince Esterhazy, l'employeur de Haydn de 1766 à 1790. La première trace de cet intitulé date en fait de 1839… Bref, on ne va pas passer la semaine sur cette énigme…

Adam Fischer

Adam Fischer est né en 1949. D'origine hongroise il a fait ses études au conservatoire Franz Liszt de Budapest. Il est le frangin d'Iván Fischer beaucoup plus connu sur la scène internationale et écouté dans ce blog dans La "pastorale" de Beethoven et les "danses hongroises" de Brahms. Nota : Adam et Iván sont de fervents opposants au dictateur Viktor Orban. Adam a d'ailleurs démissionné de son poste de l'opéra de Budapest en 2010 ! Cela dit, spécialiste des œuvres de Haydn (une évidence à lire mon texte), Mozart, Wagner et Bartok, il n'est ni au chômage ni en prison mais dirige depuis 2015 comme chef d'orchestre principal l'Orchestre symphonique de Düsseldorf. Il y a été nommé pour jusqu'en 2030.

Sinon Adam Fischer a beaucoup œuvré sur les scènes lyriques européennes…  

Il a créé en 1987 l'Österreichisch-Ungarische Haydn-Philharmonie pour enregistrer cette intégrale Haydn.

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Si j'ai tout compris, cette symphonie sans programme précis date de 1771, soit de la période dite du Sturm und Drang (Orage et Passions) époque où Haydn compose des symphonies aux titres bien connus : "Passionne", "Funèbre", "Adieu", etc. (Index). Elle dure 25 minutes, comprend comme toujours quatre mouvements et sa tonalité est en mi bémol majeur, donc pas dramatique je crois. L'orchestre est réduit : deux hautbois, deux cors et (ça me fait penser à des symphonies de jeunesse de Mozart, ou à la sinfonia concertante pour violon et alto). Claude pourrait confirmer. Un basson peut être ajouté et joue à l'unisson avec la ou les contrebasses et les violoncelles. Un continuo de clavecin est possible. J'ai juste regardé la (Partition) pour confirmer la formation instrumentale. Je suis pas douée en solfège…

Formée à l'école Toon, je rappelle ce qu'est le Sturm und Drang. Il s'agit d'un mouvement intellectuel allemand influencé par les Lumières en France. Écrivains et compositeurs s'interrogent sur la finalité d'une œuvre, est-ce uniquement un divertissement ou doit-elle exprimer des émotions plus intimes, des pensées philosophiques, c'est précurseur du Romantisme… Claude en a souvent parlé dans ses chroniques, justement pour Haydn.

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Aie j'arrive à la partie consacrée à une analyse thématique en guise de guide pour faciliter l'écoute de l'ouvrage. Bigre sans Claude et sans savoir parcourir la partition qui s'affiche dans la vidéo, je suis mal 😓. Je me contente d'essayer de formuler mes impressions…

Salle Haydn au palais Esterhazy

[00:00] 1. Allegro : J'ai lu dans Wikipédia que le groupe thématique comprend les 26 premières mesures en quatre motifs 😟 ! Claude SOS. C'est vrai qu'à bien y regarder, l'intro est un accord musclé noté [f] que l'on retrouve plus loin mais que deux fois, j'y comprends rien.  J'ai appelé Claude au téléphone. ☎ "Mouais Sonia, c'est farceur venant de Haydn, tu penses. Cet accord puissant marque le début des deux première phrases (motifs). La 2^ème à [00:11]. Puis la 3^ème débute à [00:16]. La 4^ème à [00:24] mais sans cet accord, juste après un soupir 𝄽 à l'unisson de l'orchestre, regarde au 2^ème et 3^ème temps de la mesure 14...". 😟. Heureusement, il a ajouté : "Limite toi à parler de tes sentiments, ces phrases constituent le grand bloc thématique A, il n'y a pas de thème B. Haydn l'imaginatif facétieux ne respecte pas la forme sonate usuelle, c'est sans importance… À plus Sonia, bises". ☎ Holà, ô que oui chef, on s'en fiche 😊 !

Les accords des premières "phrases" me font penser aux "trois coups" au théâtre. Par contre, j'entends à partir de [00:38] une chevauchée dans une forêt… Le rythme est allant, et par-ci, par-là, la mélodie change de style entre gaieté et élégie… J'aime bien cette fantaisie. Tiens, à [02:08], on retourne au début, sans doute la fameuse reprise du truc sonate. Bref, cette musique me met de bonne humeur… c'est chouette et vivant… J'ai l'impression que l'accord assené au début et répété pourrait servir de rythmique pour un ballet… qui a peut-être eu lieu comme le dit une légende…

[07:16] 2. Adagio : Me voilà cheminant dans une procession, non plutôt une ballade tranquille, main dans la main, avec mon copain Ferdinand, c'est plus mon genre ça. On accélère le pas… On entend bien le cor en arrière-plan. Je ne comprends pas bien les explications ésotériques du professionnel qui a rédigé l'article wiki en teuton. On entend plusieurs fois les cors bomber le torse, excusez moi pour cette trivialité. Il y a beaucoup d'intimisme dans cet adagio…

[16:03] 3. Menuetto & Trio : Une mélodie trépidante est répétée deux fois, je ne sais pas danser le menuet, dommage, ça semble élégant et mondain. [17:38] le trio (en do mineur d'après Wiki) sonne cantabile (chantant, je m'essaie aux mots savants empruntés à mon mentor), avec des hautbois et des cors trop discrets à mon avis… Prise de son ?

[19:18] 4. Finale. Allegro : Très allègre, le final me fait penser à ce qu'on appelle un petit concerto pour orchestre, orchestre de chambre ici. Haydn offre à chaque pupitre son petit solo personnel. Une musique pleine d'énergie…

 

- Ah le conseil d'écoute au casque. Il faut aller bidouiller le code HTML dans les entrailles du blog. On me demande de drôles d'exploits. Mais j'ai un classeur lutin avec les différentes recettes données par Le Toon. Et j'ajoute une photo de la planète Mercure pour la déco et les amateurs d'horoscopes 😊.

	Écoute au casque ou avec des enceintes additionnelles plus que conseillée. Le son des PC, sauf exception, est vraiment une injure à la musique…
	INFO : Pour les vidéos ci-dessous, sous réserve d'une écoute directement sur la page web de la chronique… la lecture a lieu en continu sans publicité 😃 Cool.

- Ah au fait la note. Claude Toon m'a dit de mettre 4/6

BLOOD, SWEAT & TEARS " Blood, Sweat & Tears " (1969), By Blood, Sweat & Bruno

     On l'a déjà dit ? Maintes fois ? Pas grave, on le répète : le succès n'est malheureusement pas nécessairement synonyme de talent. Et à ce titre, on a pu voir des groupes démarrer sous les meilleurs auspices, récolter les louanges de la presse, et le lendemain être voués aux gémonies. Ce fut le cas de Blood, Sweat & Tears. 

     Un groupe fondé suite à une frustration. Mister Al Kooper voulait intégrer une section de cuivres à The Blues Project. S'il n'a aucun mal à convaincre la dernière recrue, Steve Katz, ce n'est pas le cas du patron, Danny Kalb. Ainsi, dans le courant de l'année 1967, Kooper, déçu, claque la porte et part faire un tour sur la côte ouest. Il y rencontre le bassiste Jim Fielder qui lui redonne confiance, persuadé que les compositions de Kooper ont de l'avenir. De retour à New-York, Kooper invite Fielder à les rejoindre, ainsi que Steve Katz, son ancien collègue et guitariste de The Blues Project. Autour de ce noyau sont invités Bobby Colomby, un batteur de jazz, et une section de quatre cuivres. Dans le lot, Fred Lipsius peut aussi s'asseoir pour tâter à l'occasion des touches d'ivoire. Blood, Sweat & Tears enregistre son premier opus, "Child is Father to the Man", majoritairement occupé par les compositions de Kooper (7 / 12 morceaux). Il en résulte un album riche, évoluant dans un climat où s'entremêlent jazz, blues et pop psychédélique. Ce premier album, inégal, est plutôt bien accueilli, et sans faire grand bruit, jouit tout de même d'un succès honorable.

   Cependant, suite à des divergences musicales, Al Kooper, bien qu'il soit l'initiateur du groupe, se fait mettre à l'écart par Katz et Colomby. En fait, plus que des divergences musicales, c'est plutôt la déficience du chant de Kooper qui fait naître un conflit. En effet, Katz, Colomby et Fielder le considèrent limité et frêle, son insuffisance jugent qu'il freine l'essor du groupe. Bien conscient que sans Kooper, il n'y aurait probablement pas eu de BS&T, ils lui proposent de laisser sa place chanteur, mais de rester dans le groupe comme directeur artistique. Ce que Kooper, piqué, refuse catégoriquement.

     Avec le départ - ou l'éviction - de deux autres membres - dont le trompettiste Randy Becker -, la structure du groupe se trouve changée. D'autant qu'elle se dote d'un chanteur plus sérieux, bien plus mémorable et imposant que ne l'était Kooper. Le nouveau chanteur ne jouant pas d'instruments (du moins sur scène), Dick Halligan, auparavant uniquement tromboniste, passe aux claviers. D'après le groupe, Halligan serait un musicien dans l'âme, capable d'apprivoiser un nouvel instrument en quelques semaines.

      Pour le chant, Katz, Colomby et Fielder mettent la main sur une perle rare : David Clayton-Thomas. Un Canadien aux larges épaules qui a quitté tôt le foyer familial, survivant alors de chapardages et de menus larcins. Une adolescence difficile pendant laquelle il va faire plusieurs séjours en maison de correction puis derrière les barreaux. Un passé pour lequel il a payé mais qui va revenir entacher sa carrière. Inconnu du grand public - encore aujourd'hui -, ce n'est pourtant pas un perdreau de la veille. À 23 ans, il fait déjà ses premières télévisions (grâce à Paul Anka - un compatriote), et à 24, enregistre un premier album : "David Clayton Thomas and the Shays à Go-Go". Et "David Clayton Thomas Sings It is !" l'année suivante. Des albums plutôt bons où s'entrechoquent rock-garage, pop et blues, et où David Clayton Thomas fait déjà preuve d'un réel talent de chanteur. Particulièrement sur les blues - superbe version de "Stormy Monday". 

     C'est la chanteuse Judy Collins qui en parle à son ami, Bobby Colomby. Bobby qui, après être allé constater par lui-même le talent du phénomène, le presse pour passer une audition avec la troupe. La légende raconte que Clayton Thomas n'a même pas eu le temps de finir une première chanson, il est engagé sur le champ. 

     Cette seconde mouture présente un Blood, Sweat & Tears transformé, plus solide et mature, décomplexé. Pour marquer un nouveau départ, sa première réalisation porte le nom du groupe. Elle affiche une aisance digne de grandes formations au long cours, marquées par l'expérience acquise par des années passées sur les routes et en studio. Au contraire du premier essai, cette fournée de 1969 n'est pas vraiment marquée par les ans ; la production irréprochable y concourt, mais également l'interprétation quasi sans faille. Les semi-improvisations jazzy ont remplacé les égarements psychédéliques puérils. Le subtil agencement et l'enchaînement des compositions incitent à une écoute intégrale. Pratiquement comme s'il s'agissait d'une pièce magistrale, un album concept. Une impression encouragée par l'emprunt des premier et second mouvements des "Trois Gymnopédies" d'Erik Satie, magnifié par la flûte de Halligan - oui, il joue aussi du pipeau -, rebaptisées "Variations on a Theme by Erik Satie", ouvrant et clôturant l'opus. 

   Et puis, bien que les teintes du contenant soient automnales (les sessions ont été réalisées en octobre 1968), le contenu, lui, exhale plutôt des essences printanières. Des parfums de renouveau, éclosant à la fin de l'hiver, se conjuguant avec quiétude, sérénité et optimisme. Même "Sometimes in Winter", avec ses tristes paroles portées par la voix douce et posée de Katz, est épargné de la morosité par l'orchestration. Par la flûte qui virevolte comme une hirondelle, par les cuivres qui vénèreraient l'aube. "Parfois en hiver, je t'aime quand les bons moments ressemblent à des souvenirs de printemps qui ne sont jamais venus. je souhaite que les rues désertes se remplissent de rires, des larmes qui apaisent ma douleur". Ou encore "And When I Die" aux propos proches d'une oraison funèbre, qui est plutôt plein d'entrain, d'enthousiasme, comme un Brass-band de New-Orleans traditionnel (dérapant parfois sur du country-western d'opérette), voire un brin plus euphorique, dirigé par l'harmonica de Katz. "Je n'ai pas peur de mourir, et je m'en fiche un peu si c'est la paix que tu trouves dans la mort... Les problèmes sont nombreux et aussi profonds qu'un puits. Je peux jurer qu'il n'y a pas de paradis, mais je prie pour qu'il n'y ait pas d'enfer... Tant que je vivrai, tout ce que je demande c'est de ne pas être enchaîné... Et tout ce que je demande c'est de mourir naturellement. Me voilà ! Hey ! Hey ! Vois le diable arriver, juste derrière ! ... Je ne veux pas mourir sous l'emprise du démon... Et quand je mourrai, quand je serai mort et enterré, il y aura un enfant qui naîtra dans ce monde pour continuer la tradition" - une chanson de Laura Nyro, une très belle voix oubliée (ses textes, parfois loin des banalités prisées par les radios, souvent aussi jugés trop complexes ou décalés pour l'auditeur lambda, ne faisaient pas l'unanimité).

     Outre les cuivres omniprésents et soudés, le jeu explosif de Bobby Colomby et la basse volubile et "Motown" de Fielder, c'est la voix "larger than life" de David Clayton-Thomas qui brille sur cet album. Dès l'enjoué "Smiling Phrases" (piqué à la 1ère galette de Traffic, et débarrassé d'une orchestration un peu pataude au profit d'un swing de jazz-soul fusion), D.C-T insuffle une énergie et un enthousiasme communicatif. Pareillement lorsqu'il booste le "More and More" de Little Milton, D.C-T se faisant alors plus mordant, presque hargneux - un Wilson Pickett plus musclé. Ou lorsqu'il paraît insouciant et bienheureux sur le léger "Spinning Wheel" - terni par un petit concerto de pipeau fatigant. Tandis que bien que servi par des paroles particulièrement niaises, redondantes, il donne une dimension solaire à "You've Made Me so very Happy".

    Et la présente version "God Bless The Child" ne serait-elle pas meilleure que l'originale de l'icône Billie Holiday ? Je pose la question ? Le passé tumultueux, l'adolescence difficile de Clayton-Thomas ont dû lui donner de la matière pour se sentir concerné par le sujet. Ce qui est certain c'est que la troupe s'autorise une belle envolée, un torride break de jazz latin, et que l'harmonica projette de sombres teintes de crépuscule bordeaux et indigo.

     L'album est un franc succès, malgré quelques critiques sévères, peu amènes. Il grimpe en pole position dans les charts états-uniens et canadiens, et fait aussi une belle carrière commerciale en Europe. Et il sera de même avec le suivant. Malheureusement, un mauvais choix de manager entraîne le groupe dans une tournée dans les pays de l'Est sous l'égide de l'Etat (du Département d'Etat des Etats-Unis) qui sera très mal perçue par la presse musicale. En tant que citoyen canadien, les propos ouvertement anti-guerre de Clayton-Thomas avaient irrité quelques instances d'Etat qui ont alors ourdi pour qu'il soit renvoyé chez lui ; et qu'il ne puisse plus continuer à officier aux Etats-Unis (avec sa récente et forte médiatisation, ses avis pouvaient avoir une influence sur une jeunesse en ébullition). Ce qui aurait pu tuer le groupe, qui aurait bien du mal à retrouver un chanteur de son acabit. Par la même occasion, pour salir ce Canadien outrecuidant qui osait critiquer la politique de Nixon, on a ressorti son passé de délinquant. La tournée en Europe de l'Est organisée par le gouvernement fut l'étincelle qui déclencha l'incendie d'un éternel procès sur BS&T. Dorénavant, souvent encouragé par une presse cruelle, BS&T était un conglomérat de traîtres. Qui étaient partis pour jouer pour des Communistes, ou qui étaient des agents de l'Etat, ou encore qui s'étaient compromis avec des chansons jugées commerciales - ou se reposant trop souvent sur des reprises (certes, majoritaires sur le second et troisième opus) -. Bref, un bouc émissaire sur lequel il était de bon ton de déverser ses frustrations. Ainsi, progressivement, en raison de l'acharnement de la presse - et de quelques groupuscules -, BS&T va perdre en notoriété, jusqu'à faire partie d'un passé quasi oublié. Après avoir rapidement touché les sommets, les années vont se révéler de plus en plus difficiles et amères. 

     Il existe un bon documentaire sortie en 2023, "What the Hell Happened to Blood, Sweat & Tears", traitant de cette tournée en Europe de l'Est et de ses conséquences. Des bandes filmées de cette époque qui devaient servir pour un long métrage sur la tournée historique du premier groupe américain jouant derrière le rideau de fer, finalement censurées par le gouvernement américain,  ont pu être exhumées pour le besoin du documentaire. 

  

P.S. : Blood, Sweat & Tears, à l'instar d'un Keef Hartley Band, fait partie de ses groupes ayant joué en 1969 au festival de Woodstock, mais qui n'apparaissent pas dans le film sorti en 1970. Une décision de leur manager qui, en voyant les caméras, exigea une rallonge de 5000 dollars, sans laquelle il imposa son veto sur toute exploitation des bandes. Une autre erreur de jugement...

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💢 Chicago 👉 " Chicago Transit Authority " (1969) 👉 " At John F. Kennedy Center for the Performance Arts - Washington, D.C. 9.16.1971 " (2024)

💢 Al KOOPER 👉 " The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper " (1968)

💢 Blodwyn Pig 👉 " Ahead Rings Out " (1969)

Renaud : ”Amoureux de Paname“ (1975) - par Pat Slade

C’est un secret de polichinelle pour personne. Je n’aime pas Renaud ou plutôt je m'en suis lassé. Mais il y a une période de sa vie que j’ai bien aimé, sa genèse.

Vrai poulbot ou faux loubard ?

Je ne suis pas un inconditionnel de Renaud, le personnage ne m’a jamais vraiment emballé, mais comme il faut faire plaisir à tout le monde, je vais faire abstraction de mes goûts et répondre à la (forte !) demande d'un article sur le chanteur. La seule période qui me parle le plus me renvoie à ses débuts et à ses premiers albums à partir de 1975. Mais pour arriver à ce qu’il est devenu, il a quand même pas mal galéré. Une rumeur, au début de ses succès (Moi-même j’y croyais), disait qu’il était issu d’une famille de la petite bourgeoisie et qu’il jouait le gamin de la zone en contradiction avec l’éducation parentale qu’il avait eue. Évidemment les jaloux qui avaient lâché cette info avaient tout faux. Il est né en 1952 (Il aura 74 ans le 11 mai) dans le XIVème arrondissement de Paris (Pour les provinciaux, sur la rive gauche située entre Montparnasse et le parc Montsouris séparé par le périphérique de Montrouge, Malakoff et Gentilly) d’un père professeur d’Allemand et de Hollandais auteur de romans policiers et d’une mère descendante de mineurs du nord et femme au foyer. Pour ce qui est de la scolarité, ce n’est pas vraiment ça ! Dès l’école primaire il ne manifeste pas une forte envie de travailler et  la situation ne s’arrangera pas en entrant en sixième. Il échoue au BEPC en 1965 et doit redoubler sa troisième, mais le lycée ne le garde pas. Il intègre le lycée Montaigne en 1967 mais ce ne sera pas mieux. Hormis le français et le dessin, il fait une aversion à toutes les autres matières. L’indiscipline est sa maitresse et son refus de toute autorité son cheval de bataille. 

En vacance en 1971, il rencontre Patrick Dewaere qui le fera entrer au café de la gare en remplacement de Gérard Lefèvre (dit Gégé). Tout en restant libraire le jour, il joue le soir avec Coluche, Miou-Miou et toute la troupe de Romain Bouteille. Après avoir passé un certain temps avec cette bande de joyeux drilles, il rend sa place au retour de Gégé et pense avoir trouvé sa vocation : comédien. Pour retards successifs, il est licencié. Après un rapide passage dans le sud, il retourne dans la capitale où il effectue plusieurs petits boulots, de plongeur à représentant en  livres pornos. Les années suivantes, il fréquente Montparnasse, chante dans les rues et dans les cours avec son pote Michel Pons à l’accordéon, il chante le Paris populo au travers des chansons de Bruant et du bal musette.

En 1974 alors que Coluche commence à percer en jouant son spectacle au nouveau café de la gare, il décide de jouer dans la cour devant la file d’attente, lui et ses compères (Michel Pons à l’accordéon et Bénédicte Coutler à la guitare) sont remarqués par Paul Lederman, il leur propose de jouer en première partie de son poulain au Caf’conc’. Engagé pour trois mois, le groupe ne durera que trois semaines pour cause d’obligations militaires de l’accordéoniste. Lederman encourage Renaudà continuer seul. A la Pizza du Marais, il va roder ses propres textes et en 1975, Jacqueline Herrenschmidt et François Bernheim lui proposent de faire un album, son premier 33 tours : ”Amoureux de Paname“ sort en mars. Un premier essai qui se vendra difficilement mais remportera un succès d’estime. ”Amoureux de Paname“ Un premier titre qui nous met bien dans le bain, Pour ceux qui ont connu le Paris des années 60, on a la saveur et les odeurs du pavé parisien. ”Société tu m’auras pas“ Le blouson du loubard anarchiste commence à percer sous la casquette du poulbot. ”Petite Fille des sombres rues“ qui aurait du s’appeler”Monsieur Franco“ Même si il est un révolté, c’est aussi un auteur de très beaux textes (Quand on aime le français au lycée… ça paye). ”La java sans joie“ sonne comme les chansons que jouait les chanteurs des rues au début du siècle dernier. ”Gueule d’aminche“ encore un titre nostalgique avec une bonne manière de se servir de la langue verte.

”La Coupole“ La célèbre brasserie au cœur de Montparnasse, tout peut se chanter même un resto de fruit de mer. ”Hexagone“ l'un des tubes de l’album qui va le cataloguer ”Chanteur énervant“ auprès d’une certaine catégorie de personnes. Mois après mois, il va passer en revue les habitudes des français. Étant très critique, la chanson sera, par ailleurs, interdite d'antenne. ”Écoutez-moi les gavroches“ Encore une jolie ballade sur les gamins de Paris. ”Rita“ Une chanson humoristique en un seul couplet d’une durée de 39 secondes. ”Camarade bourgeois“ Une chanson satirique sur la classe bourgeoise vis à vis des mouvements gauchistes intellos issus de mai 68. ”Le gringalet“ une chanson façon Aristide Bruant. ”La menthe a l’eau“ surement pas le meilleur titre, l’orchestration est trop fournie. ”Greta“ une histoire d’amour berlinoise ville séparée par le mur.

Le Renaud avec la casquette de toile blan­che de son grand-père tombant sur les yeux, qui gratte sa guitare et qui chante avec talent quelques goualantes du début du siècle, si ce Renaud était resté dans ce registre de Poulbot révolté tout le long de sa carrière, peut être que j’aurais aimé.

BEST-OF DU QUATUOR DU DEBLONOT

Quatuor de la semaine : Pat, Bruno, Claude, Luc et en régie : Sonia

MARDI : Pat Slade adore le rock français bien burné (sic), musclé, testostéronisé, surtout quand au chant, c'est la voix de la bouclée Vanessa qui en impose. Billet dithyrambique sur l'album de 2025 d'Emerald Moon : "The Sky’s The Limit Tour 2025". Du Rock pur et dur, prévenez vos voisin 😊 !

MERCREDI : Presque trente ans au compteur et pas une ride. "Can't Keep a Good Man Down" de 1997 reste un album inoxydable. Tommy Castro est toujours en activité et a sorti l'année dernière, à 70 balais, son dix-septième album. Dixit Bruno !

JEUDI : Bon sang de bois, le Toon est furax ! Comment la phallocratie du XIX^ème siècle a pu confiner dans l'oubli Louise Farrenc, l'une des plus grandes virtuoses et compositrices françaises… Bref, après deux symphonies écoutées l'an passé, Claude nous invite à découvrir sa personnalité et à écouter son nonette pour cordes et vents, œuvre pleine de peps à jouer dans un carrousel ou un salon chic … En prime un trio piano-violoncelle-clarinette !

VENDREDI : En général, pour rédiger un billet, on se documente papier ou web… On a vu passer Luc avec un chalumeau, une chignole et des pains de C4 💣!?!?! Tout cela pour chroniquer The Mastermind un film de de Kelly Reichardt. Un charpentier au chômage organise le casse du musée local avec deux pieds nickelés. La réalisatrice s’empare du genre polar pour lui tordre le cou, une mise en scène clinique qui refuse tout artifice, et au final un film froid, sans âme. Dommage.

👉 On se revoit mardi avec Pat et Renaud cru 1975, Bruno et son billet mystère, peut-être Sonia acting le Toon, Benjamin étant en congé, et Luc qui nous a concocté un article sur le thriller Aucun autre choix de Park Chan-Wook…

Bonne semaine à tous 😉