NUREMBERG de James Vanderbilt (2026) par Luc B.

Résumer en deux heures une si gigantesque procédure judiciaire relevait du défi. James Vanderbilt, scénariste de gros machins hollywoodiens (ça se voit, on y reviendra) dont c’est la deuxième réalisation, a choisi de raconter l’histoire via un personnage témoin – procédé classique – ici le psychiatre Douglas Kelley, chargé d’évaluer psychologiquement les prévenus.

Si on voit par moment Baldur von Schirach, l’amiral Karl Dönitz ou Rudolf Hess, le film est centré sur Hermann Göring, ministre et président du Reichstag. Une pièce de choix, mais léger accroc à l’Histoire, ils étaient 24 sur le banc des accusés. Et le film prend, évidemment, le seul point de vue américain. Sans cesse le réalisateur semble jongler entre nécessité scénaristique, donc des raccourcis, et respect de l’Histoire.

Le film commence par un beau mouvement à la grue, un plan d’ensemble sur la campagne autrichienne, une route encombrée par l’exode, la caméra descend lentement ras du sol sur une taule brûlée ornée d’une croix gammée, arrosée d'un jet d’urine. Un soldat américain se soulage. Quand résonne le klaxon d’une berline qui vient à contre sens. Branle bas de combat chez les ricains qui mettent en joue. La voiture s’arrête, un homme en sort, droit dans ses bottes : « Je suis le Reichsmarschall Göring, mes valises sont dans le coffre... ».

Aux Etats Unis, on réveille à trois heures du matin le procureur Robert H. Jackson (Michael Shannon) pour lui annoncer la capture de Göring. Jacskon n’aura dès lors qu’une obsession, organiser un procès hors norme, inédit, par une cour internationale. Dont il faudra créer les contours juridiques. James Vanderbilt opte habilement pour un dialogue entre Jackson et son assistance pour nous expliquer les tenants et aboutissements d’une telle décision, et résumer en quelques minutes des tractations de plusieurs mois. Et répondre à cette question : doit-on offrir une tribune médiatique à ces criminels nazis en organisant leur procès, avec le risque qu’ils soient déclarés innocents, ou doit-on les pendre tout de suite.

Arrive donc Douglas Kelley. Une scène d’intro au vernis hollywoodien un peu suspect, avec cette rencontre dans le train qui mène à Nuremberg d’une très belle journaliste (Lydia Peckham, glamour). Sur place, l’officier qui dirige la prison le briefe : évaluer la santé physique et mentale des prévenus nazis pour anticiper d’éventuels suicides. Le tribunal ne souhaite pas se ridiculiser aux yeux du monde.

On est venu voir l’ogre. On ne sera pas déçu. Un travelling avance vers une double porte qui s’ouvre sur un Göring trônant fièrement derrière un bureau. Russell Crowe, énorme dans tous les sens du terme, joue d’abord sa partition en allemand. Mais dès le premier entretien, Kelley a la conviction que Göring comprend et parle l’anglais (ce qui était le cas). Il dira au sergent traducteur Howie Triest : « Dès qu’il se sentira en confiance, il passera à l’anglais ». C’est malin, car commercialement un film en anglais était impératif, car construit sur les confrontations des acteurs Russell Crowe / Rami Maleck. Bien pâlichon le Maleck, oscarisé pour BOHEMIAN RHAPSODY, piètre méchant du dernier JAMES BOND. Ce qui est amusant, c’est que Kelley prévient le procureur Jackson a plusieurs reprises : au procès, Göring va vous manger tout cru. A l’écran, c’est Maleck qui sert d'hors d'oeuvre à Crowe !

Il y a des aspects intéressants dans ce NUREMBERG. Comme la méthode de Kelley, qui perçoit l’intelligence retorse et la vanité de Göring, et cherche à l’amadouer par les sentiments. Une proximité suspecte qu’on lui reprochera. Kelley, non exempt d'égo, imagine tirer de son expérience un bouquin promis à la postérité. Ou encore cette rencontre entre Kelley le procureur Jackson (scène éclairée à la lumière de phares comme dans les films d’espionnage) ce dernier cherchant à en savoir plus sur la tactique de défense de Göring, en consultant les notes du psychiatre, s'en faire un espion. Le médecin lui oppose le droit au secret médical. Belle question morale.

Lors de leurs entretiens en cellule, Göring ne renie rien, justifie tout, contre-argumente : « - Et les 150000 japonais tués simplement en appuyant sur un bouton ? - On visait des usines d’armements, ce sont des victimes collatérales – Elles sont mortes quand même...». Ses yeux pétillent de malice, il perçoit les failles du médecin, le rôle qu’il cherche à prendre dans l’Histoire, qu’il résume par cette réplique définitive : « Je suis le livre, vous n’êtes que la note de bas de page ». Quand Kelley le rabaisse à sa condition de prisonnier, l’autre sourit : « Vous ne m’avez pas arrêté, je me suis rendu, nuance. Je sais parfaitement où je suis car j’ai voulu y être ». Göring filmé comme Hannibal Lecter dans LE SILENCE DES AGNEAUX, le Mal qui fascine. 

Kelley comprend le plan de Göring, et alerte la hiérarchie. Le procès sera une tribune à la grandeur du nazisme, les accusés en sortiront grandis et sans doute libres. D'ailleurs, dans l’enceinte du tribunal, le face à face Göring / Jackson tourne au fiasco. Ridiculisé le proc'. 

Grâce à sa maitrise de l'anglais, Göring ergote sur la traduction du terme « solution finale » dans un ordre signé pour Himmler qui parle selon lui « d’émigration » des juifs. Kelley avait vu juste. C’est le procureur anglais David Maxwell Fyfe (Richard E Grant) qui donnera le coup de grâce en misant sur la psychologie, suivant les conseils de Kelley, qui a finalement partagé ses transcriptions d’entretiens.

Pourquoi ce revirement ? James Vanderbilt use d’une ficelle facile, voire un peu limite. La confession du sergent Howie Triest, allemand, juif, qui a fui en Amérique quand sa famille a été déportée à Auschwitz. Avait-on besoin de cette scène larmoyante ? Sur un quai de gare, en plus. Plus gênant, la colère de Kelley suite à la projection au procès des images de la libération des camps, que Vanderbilt nous montre aussi, plein écran. Il a le sentiment d'avoir été trahi par Göring... Heu... Il n’était pas au courant ? Il pensait que les gars étaient jugés pour vol de poules ?

C'est dans ces moments que le réalisateur n’arrive pas à trouver le point d’équilibre, et verse dans la facilité, habitué à scénariser des blockbusters. Comme l'affrontement de Kelley avec le deuxième psy qu'on lui fourre dans les pattes, ou les scènes avec madame Göring, on a heureusement échappé à une love story. Ce sont des sujets casse-gueule. La réalisatrice Agnieszka Holland dans L’OMBRE DE STALINE (2019) hésitait aussi sur la voie à prendre, LE LABYRINTHE DU SILENCE (2014) de Giulio Ricciarelli y parvenait mieux, en mode thriller historique.

Par contre, pertinent épilogue. Quelques années plus tard, Douglas Kelley interviewé à la radio américaine, met en garde sur le retour du fascisme y compris aux USA (suivez mon regard...) défendant sa thèse, comme Hannah Arendt, que les nazis n’étaient pas des monstres mais des hommes normaux. Il sera poliment invité à sortir du studio, oiseau de mauvais augure. Il ne s’en remettra pas, sombrera plus encore dans l’alcool et se suicidera au cyanure. Une capsule comme celle que Göring a croqué la veille de son exécution…

NUREMBERG était un sujet délicat. Malgré des rouages scénaristiques parfois discutables, James Vanderbilt ne s’en sort pas trop mal, le film a le mérite d’être conçu pour le grand public, de facture classique, évidemment très documenté, didactique. Dont on retiendra la prestation de Russell Crowe, et de multiples seconds rôles bien campés.

**************

Sur le même sujet, le film "Jugement à Nuremberg" (1961) de Stanley Kramer, avec une pléiade de stars hollywoodiennes, et le téléfilm "Nuremberg" (2000) de Yves Simonneau avec Alec Baldwin. 

couleur - 2h30 - scope 1:2.39 

DISQUE LEGENDAIRE (8) – E. Mravinsky - la 2ème de Brahms à Vienne avec l'orchestre de Leningrad (1978) – par Claude Toon

- Bien, faisons le point Claude. Il y a déjà eu une chronique analysant la 2^ème symphonie de Brahms conduite par Kurt Sanderling, les quatre symphonies dans une intégrale étiquetée déjà légendaire par Toscanini et un article au début du Deblocnot dédié à part égal à M. Mravinsky et M. Valery Gergiev dans les trois dernières (sur 6) de Tchaïkovski… On ne se répète pas un peu ? Sans vouloir t'offenser…

- Oui et non Sonia, un disque légendaire doit présenter un p'ti truc en plus, un aura d'inattendu et de mystère. Le maestro russe était un personnage peu commun et peu commode, il n'aimait pas les disques et encore moins les studios. Il ne dirigea aucun autre orchestre que celui de Leningrad, partagea avec son ami Chostakovitch une détestation commune du stalinisme…

- Oui un original en fait, mais alors d'où sort ce disque si il n'a jamais été gravé ? Et pourquoi à Vienne ? Qu'apporte-t-il pour Brahms ?

- Il s'agit d'un live de 1978 à Vienne où le chef aimait se produire car les salles des Philharmonies de Vienne et de Saint-Pétersbourg ont la même architecture et donc acoustique… Et la 2^ème de Brahms était l'une de ses œuvres favorites… Quand on est maniaque…

Evgeny Mravinky En 1957 par Lev Russov
 

Partie 1 : Le Toon découvrit Mravinsky qui détestait le disque !!!

Jeune mélomane, dans les années 70, un copain plus chevronné en "classique" me parla d'un chef russe génial dont les disques étaient très rares. En effet ils consistaient souvent en des reports de concerts au son hasardeux, assurés par la firme Mélodya. Un autre ami me persuada de découvrir les trois dernières symphonies (Fatum – le destin) de Tchaïkovski qu'il capta à Londres  et Vienne, dont une exceptionnellement en studio pour DGG. (Une référence depuis, et une vraie !) Ce que je réussis à faire plus tard en écoutant une réédition en CD. Référence ? Vous connaissez mon aversion pour cette adjectif outrancier car subjectif, mais là oui, je confirme !!!

Avec l'arrivée du CD, la chute du régime soviétique et le décès du maître en 1988, diverses bandes de  radio ont émergé, tant dans le patrimoine des concerts donnés à Leningrad que dans d'autres pays. J'ai souvent cité ce chef dans les discographies alternatives, notamment celles de Chostakovitch malgré la médiocrité du son…

Evgeny Mravinsky n'a jamais été le seul chef hostile au disque de studio qui à son sens aseptise la passion et la spontanéité attendue dans une interprétation en live… La médiocrité du son avant la stéréo des années 55 et parfois après ne motivait guère les musiciens pointilleux, citons Célibidache. Il y a ceux qui penseront l'inverse pour se mettre au service des gens ne pouvant aller au concert : Toscanini, Dorati, Marriner, (et aussi pour le portefeuille 😊) comme Karajan. Le nouveau patron du Berliner, Kirill Petrenko n'aime pas les disques… Des très méchantes langues disent… tant mieux !

Il y a quelques années, la firme DoRéMi spécialisée dans la résurrection de raretés radiophoniques, ce qui permet de ne pas oublier de grands artistes peu gâtés au disque, a publié quatre concerts Brahms dirigés par Mravinsky entre 1949 et 1978 dans les salles des philharmonies de Leningrad et de Vienne. Hélas, un coût abusif et des ingénieurs du son qui n'ont pas maîtrisé une remastérisation soignée, j'avoue une petite déception côté son, mais quelle verve. Je l'avais cité (Clic) dans la chronique Brahms dont parle Sonia.

Nos amis japonais, de chez JVC je crois, on retravaillé la bande de 1978 et distribué le disqye via Melodya disons… chichement… et voici un sujet idéal pour évoquer la légende Mravinsky.

Salle de la Philharmonie de St Petersbourg et Evgeni Mravinsky

 

Partie 2 : Mravinsky : maestro à Leningrad pendant 50 ans non-stop

Je ne pense pas que le livre Guiness des records, des plus rigolos au plus débiles, mentionne la longévité artistique des maestros étant restés le patron unique et inflexible d'un orchestre, sans interruption et, cerise sur le gâteau, en n'ayant jamais dirigé une autre phalange, ni par désir, ni sur invitation… Evgeny Mravinsky a régné pendant un demi-siècle, de 1938 à 1988 sur l'Orchestre philharmonique de Leningrad redevenu en 1991 l'Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg…

Youri Temirkanov lui avait succédé de 1988 à 2022 soit 34 ans, ce qui est long, certes… Cela dit, il n'a pas su, à mon humble avis, prolonger voire améliorer le niveau superlatif que son prédécesseur avait obtenu de l'orchestre, y compris dans les périodes les plus noires du soviétisme, et affichait une misogynie désuète de nos jours… pour être gentil. Le presque inconnu Nikolai Alekseev a repris le flambeau (ne pas confondre avec le courageux militant LGBT Nikolaï Alekseïev). 

De nos jours, côté orchestre symphonique dans l'ancienne capitale tsariste, Valery Gergiev a pris la place de leader avec son excellent Orchestre Marinsky. On n'aborde pas les sujets qui blessent… Valery est et reste un immense artiste… Les polémiques sur ses opinions politiques, ses déclarations de revenus zarbies et son amitié avec Poutine qui le rend indésirable en occident n'ont pas leur place dans le blog… (Ça m'attriste un peu quand même.)

Eugene Ormandy, hongrois exilé aux USA, doit être l'outsider avec 44 ans comme directeur de l'Orchestre de Philadelphie mais comme successeur de Leopold Stokovsky et ayant, pour varier les plaisirs débuté outre Atlantique avec l'Orchestre du Minesota pendant cinq ans.

Evgeny Mravinsky était distant avec les caciques du parti et même indiscipliné dans sa programmation pas toujours conforme aux censures des autorités, notamment celle de Jdanov, le pochtron et pantin de Staline chargé de veiller au respect du dogme du "réalisme soviétique" en art.  (Si je ne l'ai pas raconté cent fois cette histoire 😜) .

On octroya à Evgeny douze prix, médailles et autres babioles dont raffolait le régime : Prix Lénine en 1961 (plus Ordres de Lénine, 1967 et 1973) et même Prix Staline en 1946 tout comme son ami Chostakovitch lauréat en 1941, Dmitri, le compositeur qu'il jouait malgré les interdictions. Impossible de refuser la breloque démagogique supprimée en 1955 après la mort du tyran… 

En 1978, Evgeny Mravinsky est élu membre honoraire de la Société philharmonique de Vienne. Un honneur, qui là, le touche profondément à voir l'émotion affichée lors de la cérémonie par l'homme peu expansif et au faciès sévère (scène filmée pour un documentaire). Il est le seul chef russe à avoir reçu cette distinction pour le moins offerte avec parcimonie, surtout en n'ayant jamais dirigé la philharmonie viennoise (A l'inverse de Leonard Bernstein également récipiendaire). Remontons le temps… 

Conservatoire de Leningrad
 

Dmitri Chostakovitch et Evgeny Lravinsky
 

Großer Musikvereinssaal de Vienne
 
 

Partie 3 : Mravinsky : La biologie, la direction, les tournées…

Dans la chronique consacrée au cycle du "fatum" de Tchaïkovski, la biographie d'Evgeny Mravinsky se résumait à quelques généralités sur sa carrière et son tempérament disons fougueux.

Evgeny voit le jour en mai 1903 dans une famille de petite noblesse assez aisée et musicienne. Nous disposons de peu d'information sur sa prime jeunesse, notamment sur la période qui précède la Révolution de 1917. Il a alors 14 ans et a appris à jouer brillamment du piano avec ses parents… Le chaos révolutionnaire ruine la famille, son père meurt en 1918 de cause a priori inconnue. Il commence des études de biologiste avant de se passionner pour la musique. L'adolescent doit subvenir aux besoins de sa mère, une cantatrice connue. Il trouve un job au Ballet impérial comme pianiste accompagnateur en 1921 puis comme répétiteur de ballet dès 1923. Ce travaille se poursuivra jusqu'en 1931.

En 1924 il est accepté comme élève au Conservatoire de Leningrad* pour suivre une formation de composition (classe de Vladimir Chtcherbatchiov, ancien élève de Liadov, ami de Diaghilev le grand maître des ballets russes, et en délicatesse avec Jdanov pour… formalisme. En un mot, le formalisme s'appliquait à toute influence moderne occidentale (Mahler par exemple), et aux œuvres trop intellectuelles qui n'encensaient pas le socialisme avec enthousiasme 😊. Il étudie la direction d'orchestre (classe d'Alexandre Gaouk qui ressuscita la 1^ère symphonie de Rachmaninov). Nikolaï Malko (1893-1963), directeur en titre de la Philharmonie de Leningrad jusqu'en 1934 lui prodigue des conseils sans imaginer que le jeune homme enfin diplômé à 28 ans lui succédera en 1938 pendant un demi-siècle ! En 1931 il avait pour la première fois dirigé l'Orchestre philharmonique de Léningrad. Cependant, il fait ses premières armes comme assistant puis chef principal du Théâtre académique d'opéra et de ballet de Leningrad (l'actuel Kirov). En 1937, il crée la 5^ème symphonie de son ami Chostakovitch avec la philharmonie de Leningrad. Mravinsky dira que sa vocation prit son tournant définitif avec cette symphonie et la 5^ème de Tchaïkovski.

(*) : Il accèdera gratuitement au Conservatoire. Evgeny bénéficia de l'aide de sa demi-tante Alexandra Kollontai, amie du directeur, Glazounov, et révolutionnaire bolchévique sincère. Bien que Commissaire du peuple au Bien-être social de Lénine, elle fut écartée de tout pouvoir à partir de 1922 et reléguée à des fonctions diplomatiques sans envergures… Elle échappa aux purges à venir. M'enfin, Alexandra Kollontai, femme, ministre, intègre, voulant donner sa vraie place aux femmes russes… et puis quoi encore… elle devint une paria politique 😊.

En 1938, Mravinsky remporte à Moscou le 1^er prix du concours de direction de l'URSS auquel participe un jeune maestro, Kyrill Kondrachine âgé de 24 ans qui fera lui aussi une carrière éblouissante et signera une intégrale Chostakovitch qui fait toujours autorité. Il remplace immédiatement Fritz Stiedry, chef autrichien qui en 1933 avait fui le nazisme pour Leningrad mais qui, en refusant la nationalité soviétique qu'une nouvelle loi imposait aux artistes, émigra aux USA, laissant la place de chef principal à Mravinsky pour… 50 ans. La suite est à lire dans la partie 2.

- Mais Claude, si il ne quittait jamais Leningrad, d'où sort ce concert Brahms ?

- Bonne question Sonia.

Déjà opposé aux captations en studio (la  4^ème symphonie de Tchaïkovski pour DGG de 1960 au Wemblet town Hall, et les autres au Musikverein de Vienne sont une inestimable exception), Mravinsky se radicalise après 1961 et seules des bandes de radio sont éditées par la firme Melodya et difficilement disponibles en occident dans des mauvais pressages.

La relative détente qui suit la Capitulation nazie permet à Mravinsky d'organiser des tournées européennes avec SON Orchestre de Leningrad : en Finlande (1946 où il rencontrera Sibelius octogénaire), en Tchécoslovaquie (1955) puis en RDA et en RFA, en Suisse, en Pologne et surtout en Autriche et au Japon (8 passages à Vienne, 6 à Tokyo). Il respectait une fréquence bisannuelle, mais fatigué, il ne quitta plus Leningrad à partir de 1984. Il mettra fin à sa carrière le 6 mars 1987.

Et pour répondre à la question de Sonia, prenons place dans la Großer Musikvereinssaal le 12 juin 1978. 

Brahms en 1875

 

Partie 4 : Mravinsky, son style et ses symphonies fétiches

Mravinsky le perfectionniste intraitable avec lui-même et avec ses musiciens, jusqu'à les terroriser, avait pour habitude de ne jamais affirmer connaître une œuvre dans les moindres détails. Pour les symphonies qu'il avait déjà dirigées cent fois, il exigeait toujours de nouvelles répétitions pour traduire fidèlement et avec cohérence l'abstraction du discours musical, le fondement de la musique, art éphémère destiné à l'interprétation en concert. Avantages : ses instrumentistes connaissaient de fait les partitions par cœur ! Certes, le patron faisait peur, les membres de l'orchestre angoissaient avant son arrivée mais aimaient aussi s'honorer de la qualité interprétative sur le fond et la forme obtenues d'eux par leur "tyran".

Dans le documentaire télévisé d'il y a bien des années, on voit Mravinsky scruter et annoter la partition de la 2^ème symphonie de Brahms. Les financiers de l'orchestre l'interrogèrent avec crainte et déférence 😟 à ce sujet "Heu maitre, vous la jouez tous les ans depuis des décennies, six répétitions, ce n'est pas un peu excessif ? "Niet !". Cet approfondissement répété trouve sa logique dans la passion du chef pour les symphonies de Brahms ou d'autres compositeurs et, par ailleurs, se justifie en méditant cette confession qu'il fit lors d'une rare interview accordée à la télévision de Leningrad "J'essaie de comprendre l'intention du compositeur en m'immergeant dans "l'atmosphère" de sa musique, ce que j'appelle "l'atmosphérisation". Spéculation qui évolue avec le temps et les modes. Il en était de même pour Tchaïkovski.

On comprend donc qu'étudier finement le solfège et les notations sans relâche lui inspirait des conceptions différentes liées à son état d'esprit du moment… Cela explique son aversion pour le disque qui fige l'âme d'une œuvre dans un instant donné, la lie à un contexte éphémère. Le chef Sergiu Celibidache adhérait aussi à cette théorie.

Mravinsky, assez libre dans le respect des tempos, était d'une intransigeance maladive sur la durée des notes, des indications de nuances, le staccato vs legato. Son style ne se révélait jamais morne du fait d'une exécution d'une précision diabolique, chaque note devant jouer son rôle.

Pendant les répétitions rien ne devait perturber sa concentration tatillonne. Personne, même une notable proche du gouvernement, ne devait pénétrer dans la salle. À l'inverse de Toscanini, hystérique et grossier, il pouvait faire reprendre cent fois un motif à un groupe d'instruments ; imperturbable, calme, sévère, rarement impatient… Certains de ses élèves bravaient l'interdit en se cachant derrière les colonnes de la philharmonie. Ses élèves célèbres furent : Kurt Sanderling, Valery Gergiev, Marris Jansons, Yuri Temirkanov… Tous ont fait de brillantes carrières !!

On raconte que lors des répétitions de la 8^ème symphonie avec l'orchestre mis à l'abri à Novosibirsk en 1943, Mravinsky fit répéter au moins une journée entière un très difficile dialogue des bois (voir les extraits de ce passage du 5^ème mouvement ci-dessous, par un orchestre de novices méritants et celui de Leningrad). 

Contraste sans ambiguïté : ❶ un orchestre de jeunes musiciens, un jeu à peine concertant, timide et confus, mais on ne se décourage pas face à l'impossible… ❷ la Philharmonie de Leningrad contrainte à la perfection après une répétition intensive infernale par le commandeur Mravinsky !!

❶    ❷ 

Kirill Kondrachine en 1959

Mravinsky était un mystique orthodoxe même si peu pratiquant dans cette Russie où le régime organisait une déchristianisation culturelle (le culte de la personnalité voué à Staline participant à cette éviction de la foi en Dieu). Est-ce la raison pour laquelle, il refusa, prétextant une fatigue passagère, de créer la 13^ème symphonie de son ami Chostakovitch, un requiem à la mémoire de la centaine de milliers de juifs massacrés par les SS aidés par des policiers ukrainiens à Babi Yar près de Kiev, "Babi Yar" sous-titre de la symphonie ? Mravinsky aurait-il reçu des menaces ? Dans le bourbier moral qu'est le régime bolchévique, n'excluons rien … Il venait pourtant de créer la 4^ème symphonie très moderniste, la partition dormant prudemment dans un tiroir depuis les années 30…

En 1962 le régime apprécia peu l'audace critique du sujet "Babi Yar" dénonçant indirectement la participation ukrainienne, climat d'antisémitisme généralisé oblige. Dmitri fut très déçu par l'apparent opportunisme voire la lâcheté de son ami et soutien de longue date. Kirill Kondrachine, combatif et futur opposant, accepta de la créer, avec un succès étonnant, le compositeur vieilli avant l'heure est acclamé… L'amertume de Dmitri était d'autant plus grande que, avant la mort de Staline…, compositeurs et écrivains, comme Chostakovitch ou Prokoviev, subissaient les procès, autocritiques et purges qui s'enchaînaient,  les interprètes étant, eux, moins victimes de cette inquisition

Le temps referma les plaies, les deux hommes se réconcilièrent. Mravinsky fut le créateur de huit symphonies de Dmitri, (N° 5, 6, 8, 9, 10, 11, 12, 4 tardivement – la 7^ème connue sa première à Moscou, juste pour une question d'organisation). Il établit en 1982 la référence de la très critiquée 8^ème de 1943 dont il était le dédicataire. Il assurera la première de la 15^ème symphonie à Leningrad dès sa publication et juste après la création à Moscou. Toute cette affaire montre comment la terreur du soviétisme pouvait broyer les hommes, même les plus résilients, et briser des amitiés. Son dernier concert en 1984 programmait l'une des œuvres de son complice pendant trente ans de galère : la 12^ème symphonie, hommage fanfaronnant et sarcastique à Lénine.

 

Beethoven : symphonie N°6 "pastorale"

Concert à Leningrad en 1982

 

Partie 5 : Brahms et sa 2^ème symphonie dite "pastorale"

Dans les années 90, le label Erato a publié une anthologie d'une douzaine des meilleures bandes disponibles techniquement et rendant hommage à Mravinsky dans le répertoire le plus fréquenté et populaire, notons : Tchaikovsky (N° 5 et 6), des extraits des opéras de Wagner, Chostakovitch (N°5, 10 et 12) et Beethoven (N° 5, 6 "pastorale" et 7). On sera surpris par la luminosité bucolique et cantabile du phrasé, ainsi que par la sensualité de la scène au bord du ruisseau. Le commentateur du documentaire disait que dans la statue du commandeur, se cachait un cœur… J'ajoute la vidéo YouTube… de cette symphonie.

Après le succès de son héroïque 1^ère symphonie, Brahms, rassuré sur ses capacités à composer dans le genre, partit se reposer dans les Alpes Autrichiennes. Séduit par la beauté des paysages, il composa cette 2^ème symphonie très poétique, un hymne à la nature, à sa sérénité agreste mais aussi sa grandeur. On la compare à la "pastorale" de Beethoven voire à la symphonie Alpestre de Richard Strauss.

Une analyse détaillée est déjà disponible (Clic). Je ne réitère pas mais souligne quelques détails de l'introduction et de la coda illustrant à merveille mes propos sur la précision du phrasé, la pertinence des nuances, l'équilibre entre les pupitres et en conséquence une interprétation habitée.

Pour mémoire : Brahms confirme son attachement à l'idéologie néoclassique en opposition, relative, au romantisme. L'orchestre comprend : 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes en la, 2 bassons, 4 cors (2 en ut et 2 en mi bémol), 2 trompettes en ut, 3 trombones, 1 tuba, 2 timbales et les cordes. Brahms en opposant deux types de cors accentue les contrastes de timbres dans l'introduction.

Lac de Pörtschach am Wörthersee 

 
 

La symphonie comporte quatre mouvements. Particularité : la longue introduction du 1^er mouvement peut donner lieu à une reprise, ce qui porte sa durée à 20-22 minutes ! Exemple : Carlo-Maria Giulini avec l'Orchestre de Los Angeles en 1981, reprise à [00:06], le maestro ne la fait pas à Philharmonie de Vienne en 1991. Dans les deux versions, le phrasé de l'italien est si somptueux que ça gêne peu… Je ne suis pas amateur de cette option qui convient mieux à la densité thématique des symphonies de Mahler, et encore (début de  la 6^ème symphonie entre autres, reprise optionnelle). Mravinski ne rejoue pas cette intro et boucle le 1^er mouvement en 15 minutes et toute la symphonie en 39 minutes, un Brahms plein d'allant… (Euphémisme.)

Brahms a longtemps été considéré comme un musicien au style énamouré, un compositeur de salon. Voilà une bien stupide habitude liée à une production chambriste qui, vers la fin de sa vie, gagne en intimisme. Parfois l'interprétation de sa musique symphonique pâtit de cet a priori. Brahms réfute le romantisme en tant que source d'inspiration, restant un néoclassique, mais tous ceux qui ont entendu le début martelé par les timbales de la 1^ème symphonie, ou les finals cataclysmiques des 1^ère ou 4^ème symphoniees ou encore de l'allegro du 1^er quatuor savent, et c'était surement le cas de Mravinsky, que nous écoutons dans ces œuvres majeures une musique d'homme comme dirait Fernand Naudin alias Lino Ventura (toujours utile Audiard).

Dans la partie 4, Mravinski témoignait de sa méthode consistant à caractériser "l'état d'esprit d'un compositeur lors de son travail", ce qu'il appelait par le "barbarisme : l'atmosphérisation", une "psychanalyse" de la partition et l'étude du contexte créatif si précieux pour nourrir son interprétation. Un saut vers l'Autriche s'impose…

1871 : Fort du succès de sa 1^ère symphonie dont l'écriture à l'ombre du grand Beethoven l'avait angoissé pendant vingt ans, Brahms se sent optimiste. La symphonie est le passage obligé pour se reconnaître comme un "vrai compositeur accompli." Son séjour estival à Pörtschach am Wörthersee face à des forêts et des lacs doit le stimuler pour imaginer une nouvelle œuvre, ambitieuse, colorée et lumineuse, bucolique, voire chorégraphique à l'image des fêtes villageoises. A priori, les tempos étirés, les enchaînements languissants, le spleen, voici les critères musicaux souvent attribués à Brahms. On lui prête un caractère dolent et mélancolique, alors que le bonhomme s'affichait souvent bon vivant et aimant l'humour. Tous ces préjugés risquent d'entraîner un contresens interprétatif total. Mravinski ne tombe pas dans le piège du Brahms au style éternellement "élégiaque". 

Chapelle sur le lac Pörtschach

J'ai sélectionné le meilleur report parmi plusieurs vidéos YouTube. J'ignore si le Youtubeur, que je remercie, a utilisé un CD DoRéMi ou JVC-Melodya. Le son est très correct (quelques menues instabilités). Je ne suis pas un intégriste du remastering à tout crin. Les filtrages peuvent parfois aseptiser le son et les timbres. Ici, l'espace se révèle étroit, presque monophonique, mais la spatialisation est réaliste pour une prise de son de radio, les bois et les cuivres étant bien étagés en profondeur. Long débat qui a conduit à un engouement pour le vinyle analogique malgré les crics et les cracs 😊.

Écoutons les premières mesures et la furieuse coda conclusive pour se convaincre que Mravinski se sentait habité par un Brahms heureux. À noter que les quatre mouvements montrent des tonalités en mode majeur, de l'élan par moment mais aucun climat dramatique ne semble à l'ordre du jour.

1 - Allegro non troppo  (vivement mais pas trop - 3/4 - ré majeur). Le tempo adopté par Mravinski semble idéal, proche d'allégretto. Aucune emphase, un phrasé chaleureux et très régulier bien que l'homme aimait le rubato. Le "pseudo triolet"* ré-do-ré aux contrebasses d'une rare élégance car legato-staccato (un petit motif p répété toutes les quatre mesures) s'affranchit de la gravité ventrue si souvent entendue. ("Karajan et ses concertos pour contrebasses, ironisait bien méchamment Celibidache, l'ennemi juré de Herbert" 😅). Le premier thème est joué trois fois : 1 : cors en ut et bassons ; 2 – flûtes, clarinettes, bassons ; 3 – cors en mi bémol et bassons. Chaque motif s'achève soutenu par le "pseudo triolet" initial des contrebasses. Les liaisons sont très difficiles car non notées legato. Mravinski les enchaîne tendrement avec une précision d'horloger. L'entrée des violons (dolce) s'élève tel un soleil mordoré perçant une aube brumeuse… La direction du chef est très nuancée mais sans brutalité, les crescendos-decrescendos n'accusent aucune rugosité. On notera pour finir un équilibre subtil dans le jeu imposé aux cordes pour laisser maints solos de la petite et grande harmonie s'épanouir. Dans le développement plus fougueux, les cors imposent sans fard leur couleur éclatante. Que dire de plus, la perfection ? Il existe nombre de belles versions. Rarement vous entendrez la personnalité épicurienne en cet été 1870 de Brahms vous émouvoir à ce point, si vous aimez l'œuvre évidement.

Sonia m'a dit à l'écoute de l'introduction qu'elle se sentait invitée à danser. Logique, Brahms utilise une cadence à trois temps… 3/4, celui de la valse, une forme qu'il affectionnait, ayant écrit des dizaines de valses pour piano et voix. Le thème B à [02:20] énoncé au cordes seules (repérer les légers pizzicati des basses), n'est-il pas un écho de l'une des valses lyriques les plus célèbres : Wiegenlied opus 49 (Clic), une gracieuse mélodie que Brahms métamorphose dans tout le mouvement.  En ces décennies, n'oublions pas que Vienne vit au rythme de la famille Strauss, du beau Danube bleu que j'avais élu "poème symphonique". Mravinski insuffle une poésie intime vs allègre d'un Brahms qui chante son plaisir de vivre en montagne, loin de la fièvre viennoise. (À voir l'expression avenante du maestro sur la vidéo, on ne le dirait pas, effet d'une extrême concentration… 😊 )

(*) Un vrai triolet comporte trois notes identiques, exemple trois noires sur deux temps. Là il y a trois temps. La mesure ¾ pour le moins inhabituelle dans un grand allegro a sa raison d'être par ce désir d'intégrer la valse comme leitmotiv de l'allegro débutant la symphonie.

4 - Allegro non troppo : (Joyeux et plein d'entrain – 4/4 - Ré majeur de nouveau). Brahms raffolait des finals énergiques et des codas volcaniques, un défi diabolique pour les orchestres. À ce sujet, le musicologue et critique Malcolm MacDonald a défini en 1990 ce final comme "l'aube flamboyante du mouvement le plus athlétique et le plus exubérant que Brahms ait jamais écrit". Vérifions cette affirmation en ce soir de juin à Vienne… [30:10] Mravinky déclenche une tempête orchestrale que l'on pourra qualifier de Presto. (8'45 ! vs 11'05 pour Giulini.) Les cordes deviennent incandescentes dans l'exposé du thème A... 

Dans la coda se succèdent de brefs et fulgurants traits (quasiment des trilles avec un tel tempo) de trompettes, trombones et cors… Tout l'opposé de "Ce n'est pas assez triomphal, pas assez orgueilleux… de la bouillie !!!!" (maestro Stanislas Lefort alias de Funès). Le concours Maestra 2026 imposait aux cheffes candidates le final de la 4^ème de Brahms noté Più allegro (véhément) dans la coda. Ah les filles, très en place, très… tout ce que l'on souhaite… mais bon sang, dans cette page infernale,  secouez-moi cet orchestre de Paris que diable, écoutez justement les anciens Mravinky ou Carlos Kleiber. En 2019, Christoph von Dohnányi, 90 balais, dut cravacher la phalange parisienne dans la 3^ème de Brahms pour lui faire atteindre l'exaltation souhaitée !

Revenons à Vienne, à Mravinky, et à la 2^ème, [37:33] et… là, ça décoiffe, et surtout chaque phrase de cuivres galvanisée émerge d'un orchestre très organisé, poussé aux limites techniques de la clarté symphonique… quasi inégalable (sauf Thielmann à Vienne en DVD et Karajan en 1982… quelques autres surement mais peu).

Un chef-d'œuvre aimé du public, un chef au caractère bien trempé pour ne pas dire despotique qui ne dirigea pendant cinquante ans que SON orchestre qu'il amena "à coups de baguette" au sommet de la virtuosité, un enregistrement de radio quasi pirate, à Vienne parce l'architecture et l'acoustique de la salle exigées par le maestro lui convenaient, une interprétation à la fois habitée, poétique et survoltée… Les critères du disque légendaire sont réunis 😊 Et basta pour la super stéréo !!!!

	Écoute au casque ou avec des enceintes additionnelles plus que conseillée. Le son des PC, sauf exception, est vraiment une injure à la musique…
	INFO : Pour les vidéos ci-dessous, sous réserve d'une écoute directement sur la page web de la chronique… la lecture a lieu en continu sans publicité 😃 Cool.