PARESSE POUR TOUS de Hadrien Klent (2021) par Luc B.

Voilà un roman qui ressemble fort à un programme politique. Et pour cause…

Le 10 avril 2022, Emilien Long, candidat à la présidentielle, attend dans son bureau les résultats du premier tour. Comment en est-il arrivé là, avec un programme aussi radical : la semaine de travail de 15 heures hebdomadaire ? Flashback presque deux ans plus tôt.

Emilien Long est devenu une vedette médiatique, il a reçu le prix Nobel d’économie, ses travaux portaient sur le temps de travail. Son éditrice attend de lui son prochain ouvrage, forcément savant. Mais l’inspiration ne vient pas, Emilien pense plutôt écrire un p’tit truc simple, mais qui marquera les esprits, une relecture du « Droit à la paresse » de Paul Lafargue, ce député, essayiste, qui avait épousé la fille de Karl Marx. Le bouquin d’Emilien s’appellera tout naturellement « Le droit à la paresse au XXIè siècle », étudiera une société aménagée sur trois heures de travail par jour.

Mais pour le moment, place à la pétanque. Emilien vit dans un cabanon de Sormiou, près de Marseille, et son pote Ange Lecciato l’attend pour tâter du cochonnet.

Surprise : le bouquin est un succès de librairie, on en parle dans les médias, énorme succès d’audience dans « On décode les codes de l’éco » d’un certain Alphonse Burnous sur sa chaine You Tube. On demande même à Elisabeth Crayeville, ministre de l’Économie, de réagir. Qui qualifie le livre de « calembredaines » et son auteur de « ayatollah de la flemme (…) lui qui a bénéficié d’une scolarité excellente et gratuite, en France ». Emilien est dépassé par ce succès, doit se montrer dans les médias, répondre, argumenter. Son entourage y voit une opportunité : et s’il se présentait à la prochaine élection ?

Derrière le pseudonyme d’Hadrien Klent, se cache Raphaël Meltz, essayiste, romancier, auteur de bédé, co-fondateur du journal Le Tigre. Dans ce roman, on va suivre de l’intérieur une campagne électorale atypique. Depuis la constitution de l’équipe, la rédaction du programme, la gestion des médias. Le livre est à la fois divertissant et érudit. Mais pèche un peu par le profil des personnages, un brin caricatural. Comme dans LES 7 MERCENNAIRES, Emilien va recruter des fidèles qui accepteront ce pari fou.

Le youtubeur Alphonse au parler d’jeuns, Souleymane Coly, diplomate et poète flamboyant, responsable des relations extérieures avec son carnet d’adresses long comme le bras. Le copain Rémi, pdg fortuné qui reniera sa fibre capitaliste, Marguerite Dupont la geek adepte des solutions web en open source (passages pertinents) donc au look grunge et dreadlocks.

[ Paul Lafargue ]  Exemple de profil qui interpelle : le copain de Marseille, Ange, pêche le matin, fait la sieste, joue à la pétanque, écoute France Culture et regarde Arte deux heures par jour, sa télé fonctionne sur une dynamo. Too much ? Le journaliste star de France 2 Philippe Martin (Martin, Dupont… y’a de la recherche dans les patronymes !) qui depuis le Covid produit ses duplex dans son jardin du Maine et Loir, le parigo y découvre soudainement les joies du jardinage entre deux chroniques politiques. Ou Nadia Ben Arfa, jeune et rebelle journaliste au Monde à l’intuition aiguisée, chargée des "petits candidats" (là aussi, l'arrière cuisine est intéressant).

En soi, la forme du roman aurait gagné à être davantage travaillée, le style est passe-partout, les ornements fictionnels (l'ex femme, les mômes) ont peu d'intérêt, quelques aspects percutent le réel : les déplacements de campagne à vélo ou en charrette, moins de 10 personnes dans l'équipe de campagne travaillant donc 3 heures au quotidien. 

Mais le fond de l’affaire est très intéressant. Hadrien Klent reproduit certains passages du fictif « Le droit à la paresse au XXIè siècle », on en aurait aimé davantage, voire, le reproduire intégralement. Intéressant aussi de voir comment ce petit candidat utopiste grimpe dans les sondages, comment les médias fabriquent un candidat, comment son discours imprègne les débats, comment l’hurluberlu devra désormais être pris au sérieux par ses adversaires, et comment on cherche à le dézinguer sans argumenter du fond (comme Zucman). En face, c’est Elisabeth Crayeville qui sera candidate de la majorité, le président en place (on aura reconnu Emmanuel Macron, of course) ayant décidé de se désister. Pourquoi ? Le mystère plane…

Le livre brasse des thèmes comme la décroissance, le productivisme mortifère, les conséquences sur le social, la santé, l’écologie. La paresse d’Emilien Long ce n’est pas rien foutre de son temps, mais au contraire se réapproprier le temps, travailler pour produire des besoins essentiels. Une réponse au fameux « il n’y a pas d’alternative (au libéralisme) » de Margaret Thatcher, ou au  « travailler plus pour gagner plus » de celui qui collectionne les Rolex et les bracelets (électroniques). Inverser les valeurs entre le travail productif et l’activité libre. Genre : - tu as fait quoi aujourd’hui ? – j’ai bouquiné – Ah... donc t’as rien foutu. Ben non, bouquiner ce n'est pas rien foutre, écrire cette chronique non plus ! Un débat qui avait eu lieu avec l’idée de revenu universel de Benoît Hamon en 2017. 

Klent ne répond pas à toutes les interrogations, toutes les situations, mais part d’un constat simple : le temps de travail ne cesse de diminuer depuis la Révolution Industrielle (de 84 à 35 heures), le chiffre stagne depuis 25 ans (ce n’est pas logique) alors que la productivité s’envole partout. Le livre a été écrit avant la folie de l’IA, son propos n’en est que plus pertinent encore. Quand on entend ces couillons de politiques nous expliquer qu’on va dans le mur parce qu’on ne travaille pas assez et pas assez vieux, mais qu’en même temps on dépense des fortunes colossales en data center pour héberger l’IA qui va bouffer du travailleur cru, on croit rêver !

Sont cités en fin d’ouvrage un certain nombre de références pour approfondir le sujet, de Sénèque, à Paul Morand, René Dumont, Gébé, Rabelais, ou Piketty, Marx, Keynes et Raphaël Meltz (donc lui-même !).

Alors, il gagne ou pas le candidat à la paresse ? Suite dans « La Vie est à nous » parue en 2023, pas encore lue.

Editions le Tripode, 363 pages  

 

HAYDN – Concertos pour violoncelle N°1 et 2 (≈ 1760/1783) - Jean-Guihen QUEYRAS (2003) – par Claude Toon

- Claude, ce mouvement survolté, un final sans doute… il me semble l'avoir souvent entendu, peut-être dans les films… Ou à la radio…

- Je ne sais pas trop Sonia… mais ce final, en effet, du premier concerto pour violoncelle de Haydn reflète le tempérament épicurien et aimable du compositeur… Curieusement, on a retrouvé la partition qu'en 1961 !! Pourtant on en connaissait l'existence… D'où l'importance du classement. J'ajoute Sonia que pour le N°2, la partition n'a elle aussi été exhumée qu'en 1951…

- Du coup, il n'existe que des enregistrements datant de l'époque du microsillon, voire de la stéréo pour le premier, c'est dingue…

- Et oui, Rostropovitch et Benjamin Britten ont signé dès 1962 un disque célèbre, mais dans une optique grand orchestre… Autre disque attachant : Jacqueline Dupré et Daniel Barenboïm en 1967…

- J'aime beaucoup, tendre et poétique et virevoltant… Tu as choisi une version moderne avec un jeune violoncelliste…

- Mouais… Jean-Guihen Queyras le canadien se dirige vers la soixantaine quand même, il avait trente cinq ans lors de l'enregistrement réputé que nous allons écouter…  casting encore rare, il est accompagné par un orchestre jouant sur instruments d'époque, le Freiburger Barockorchester dirigé du violon par Petra Müllejans cofondatrice de l'ensemble…

Haydn vers 1760

Sur conseil de Luc et de Pat qui veillent avec sympathie sur mon avancée en âge (75 balais à l'automne), cette été, pas de chronique fleuve sur des opéras de quatre heures ou autres ouvrages contemporains nécessitant un analyse solfégique et cérébrale, ce que j'appelle un guide d'écoute, pour les apprécier plus facilement. Je les remercie de cette intention… Et je vous rassure tout de suite, l'été deviendra le moment privilégié pour l'écoute de courtes "perles" de compositeurs qui ont fait leurs preuves à leur époque et dans le blog… Des perles qui ne justifiaient pas des chroniques fouillées ! Mais pas de nanar musical… Si si, ça existe 😊.

"Mourir, cela n'est rien, Mourir, la belle affaire ! Mais vieillir, oh vieillir…" chantait Brel dans son dernier album en 1977. Il avait bougrement raison ! et Bill Gates d'ajouter : "On ne commence vraiment à vieillir que lorsqu'on arrête d'apprendre". Et voilà comment on découvre ce jour, peut-être pas tous, deux jolis concertos de Haydn vaguement entendus mais pas réellement écoutés en ce qui me concerne.

Comme nous échangions avec Sonia, les partitions sont des rescapées du classement pas toujours rigoureux de la production digne d'un stakhanoviste de la composition qu'était Joseph Haydn. On peut supposer qu'hormis les ouvrages édités après la création, ce qui n'était pas encore une activité très courante au XVIII^ème siècle, certaines partitions soient détruites, perdues ou encore sous une pile poussiéreuse de grandes bibliothèques nationales, 3^ème sous-sol, 14^éme rangée, 6^ème étagère, etc… C'est ainsi que pour Haydn, bien que la plupart de ses œuvres furent éditées de son vivant du fait de sa célébrité et des largesses de ses employeurs, jusqu'après la guerre, n'existait qu'un catalogue chronologique type Opus xy. (exemple d'opus : Beethoven + WoO pour les inédits posthumes). Entre 1975 et 1978, le musicologue néerlandais Anthony van Hoboken a établi un catalogue par genre des 750 œuvres de Joseph. Pour Bach, le catalogue BWV utilise le même principe. Inversement le catalogue Deutsch dédié à Schubert reste chronologique.

La classification par genre permet des ajouts de manière aisée au fur et à mesure des découvertes ou, inversement, des retraits d'œuvres dont des études approfondies (Solfège, calligraphie, datation du papier musique, traitement du contrepoint…) prouvent que certaines partitions ont été attribuées par erreur à des grands maitres, ou sont juste le résultat des exercices de leurs élèves.

Jean-Guihen Queyras

 
 

D'après les travaux de Marc Vignal, on a longtemps supposé que Haydn avait composé six concertos pour violoncelle. Le catalogue officiel n'en a retenu que deux dont l'écriture par Haydn est une certitude (source : wikipédia).

1- Concerto no 1 en do majeur, Hob. VIIb/1 (1761–65) Retrouvé en 1961 à Prague.

2- Concerto no 2 en ré majeur, Hob. VIIb/2 (1783) Pour Anton Kraft (exemplaire autographe acquis en 1951).

3- Concerto no 3 en ut, Hob. VIIb/3 (ca. 1780, perdu, et sans doute pas de la main de Haydn).

4- Concerto no 4 en ré, Hob. VIIb/7 (Composition de Constanzi ou de Giovanni Battista de 1750).

5- Concerto no 5 en ut majeur, Hob. VIIb/5 (fausse attribution)

6- Concerto (N°6 ?) en sol mineur, Hob. VIIb/g1 (ca. 1773, attribution douteuse, perdu)

Vous imaginez le travail d'expertise exigé pour rendre à César ? Vois-tu Sonia, seuls les disques proposant les deux premiers de la liste sont à considérer comme authentiquement informés. 

Nikolaus I

Concerto N° 1 en do majeur, Hob. VIIb/1 (≈1761)

Le Concerto no 1 en do majeur, tonalité positive, aurait été composé entre 1761 et 1765 pendant les premières années où Joseph travaille pour la famille princière Esterházy, Paul II pendant un an puis, Nikolaus I pendant trente ans.

Une fidélité envers son "protecteur" qui s'explique par l'attitude de mécène de ce noble féru de musique, gambiste virtuose du "baryton", une viole imposante (voir la photo ci -dessous). Paul II avait signé un contrat pour un larbin compositeur, logé, nourri, en aucun cas propriétaire de ses compositions…

Nikolaus I conscient du génie de son futur maître de Chapelle revoit le contrat et lui offrira des moyens d'exception : orchestre, chœur, possibilité de voyager… Nikolaus I meurt en 1790. Son successeur Nikolaus II n'a aucune passion musicale mais laissera le champ libre à Joseph devenu le compositeur le plus adulé dans toute l'Europe.

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Baryton (viole)

 
 

On suppose que le concerto était dédicacé à Joseph Franz Weigl, ami de Haydn et violoncelliste solo de l'orchestre du prince Esterházy. On doit sa découverte en 1961 dans les réserves du Musée national de Prague au musicologue Oldřich Pulkert.

Son orchestration, modeste, répond à une tradition en vigueur à l'époque : 2 hautbois, 2 cors, des cordes et un continuo (basse continue). Mozart y recourt fréquemment dans ses symphonies et concertos des années 1770.

Le concerto adopte classiquement la forme tripartite. L'héritage du style baroque reste proche, la forme sonate est largement utilisée. Nouveauté pour cette époque du tout début du classicisme, l'exécution dure 25 minutes voire plus. Haydn n'écrit pas une broutille divertissante mais un imposant concerto qui préfigure ceux pour piano de Mozart. Est-il destiné au concert plutôt qu'à des soirées mondaines avec le brouhaha en complément ? La question mérite d'être posée… et je pense que oui.

1 - Moderato [00:00] : Le concerto débute par une ouverture orchestrale construite sur une thématique entraînante de style galant. Le violoncelle reprend ce thème lors de son entrée et décline un second motif espiègle. Le romantisme est encore loin et même si la période qui s'annonce dite "sturm und Drang"* inspirera des symphonies tourmentées (funèbre, Passionne) écrites à la fin de la décennie 1760, le premier mouvement ne philosophe pas sur le spleen des artistes. La mélodie allègre du soliste et celles chantées par les instruments de l'orchestre s'entrecroisent avec bonhomie, douceur et tendresse. Le Freiburger Barockorchester et sa vingtaine de musiciens tout au plus révèle une sonorité aérée donc adaptée à cette musique aux intentions charmeuses. 
(*) "tempête et passion", mouvement intellectuel privilégiant les tonalités mineures élégiaques.

2 - Adagio [10:23] : Le terme cantabile convient à merveille à la mélodie monothématique qui parcourt la partie orchestrale du mouvement central réservée au groupe des cordes seules. Étrangement le violoncelle se comporte en invité, son écriture dans la tessiture aiguë représentant un défi technique pour le soliste : trilles et arpèges aussi. L'onirisme de l'adagio s'agrémente d'un jeu de nuances subtilement affirmé. [17:29] La cadence demeure secrète, peu accentuée.

3 - Finale - Allegro molto [18:36] : Le terme molto (très allègre) est vraiment bien adapté après l'écoute de l'introduction tempétueuse du finale, une danse un peu folle dans laquelle hautbois et cors sont de retour. Le violoncelle perd son statut de soliste dès la première mesure en se joignant par simplicité à la plaisante chevauchée… [19:35] Changement de style, le soliste se détache du groupe par une tenue sur trois mesures de la note do en crescendo, tenue prolongée par un arpège enthousiaste. Le violoncelle ne cessera plus de caracoler, mêlant virtuosité fulgurante et facétie jusqu'à la coda du final. 

Concerto N° 2 en ré majeur Hob.VIIb/ 2

Vingt années se sont écoulées entre les compositions des deux concertos désormais attribués officiellement à Haydn. Le second, moins virtuose et, de vous à moi, éloquent, prend place dans les programmes des concerts plus rarement que son grand frère. Longtemps on ne savait pas qui avait joué quoi composé par qui ? Le mystère perdurera deux siècles.

Ami proche de Haydn, le violoncelliste et compositeur tchèque Antonín Kraft (1749-1820) fut longtemps considéré comme l'auteur du concerto en 1783. De plus  Kraft était membre de l'orchestre Esterházy du prince Nikolaus I. Or il existe des annonces de programme british de mars 1784 à propos d'un concert donné à Hannover Square et libellées : "Nouveau Concerto pour violoncelle, avec M. Cervetto, composé par Haydn". James Cervetto, grande star de l'instrument outre-manche était le violoncelliste principal de l'Opéra italien de Londres. Il ne pouvait s'agir que d'un second concerto, le précédent datant de 1761 n'étant pas "nouveau" 😊.

Ouf ! la découverte du manuscrit autographe de Haydn en 1951 a mis fin à ce mystère. Ajoutons que l'orchestration est identique à celle du concerto N°1 : 2 hautbois, 2 cors, des cordes et basse continue.

James Cervetto

1- Allegro moderato en ré majeur [00:00] : Haydn respecte très sérieusement la forme sonate dans une introduction de près de six minutes. Le thème A ondule gaiement dans un climat bucolique et Haydn toujours soucieux de bannir la monotonie inclut une première variation dès la 3^ème mesure ! [00:25] La reprise ne sera pas da capo, on s'en doute, mais gagne en vivacité. Un nouveau thème et des motifs variés déclinés du thème se font entendre jusqu'à un glorieux tutti hautbois et cors. Haydn ne lésine pas et nous offre un début digne d'une symphonie !  Petit constat chez Haydn qui ne rallonge rien par la facilité : il n'y a aucune barre de reprise dans la partition (notée en solfège par :

||: ♫♩♫♩ | ♩♩♩♩ :||) … (Exemple opposé chez Mozart : 36ème symphonie - premier mouvement. Jouer ces reprises est ad libitum, (facultatif), Böhm les zappe, Harnoncourt se donne le temps de les reprendre...). 

[1:46] L'entrée du violoncelle s'élabore sur l'énoncé du thème A introductif mais émaillé d'initiatives affirmant son indépendance. Il en ressort un prologue durant près de six minutes ! sacré Haydn ! Comment a-t-on pu imaginer qu'une si talentueuse fantaisie soit le fruit d'un confrère concurrent 😊 ? [5:52] le développement suggère une improvisation à partir des thèmes principaux, passage s'achevant avec fougue. [8:50] La conclusion repose sur l'idée d'une reprise du début. Avec son prolongement atteignant le quart d'heure, l'allegro monopolise une large moitié de la durée totale du concerto (25 minutes). [11:57] La cadence joue sur des variations de rythme d'une grande difficulté.

2 - Adagio [14:45] en la majeur : Haydn écrivait rarement des adagios imposant un tempo sans doute trop lent pour ce musicien à la sensibilité passionné et enthousiaste voire farceuse. Le court mouvement lent recourt à la tonalité tendre et lumineuse de la majeur. Trois pages de musique déroulant une cantilène du violoncelle traçant sa voie au sein d'une sérénade staccato des cordes… Le cor se tait mais pas le hautbois. [04:44] Un passage nostalgique naît suite à la transition en do majeur, le jeu des cordes graves étant rythmé par des syncopes. [05:23] L'adagio se termine par une énigmatique et douce "cadence" (noté sur les portées !) jouée par le violoncelle solo soutenu par des cordes…

3- allegro [45:29] : Les cinq minutes du final jouent la carte de l'optimisme revenu. Le jeu du violoncelle se veut virulent. Les bois discrets jusqu'alors se manifestent gaiement. Le 1^er concerto suivait une ligne dite du baroque tardif. Le deuxième par son long allegro initial et l'intimité élégiaque de l'adagio témoigne de l'entrée de  Haydn dans l'univers du classicisme.

- Flûte et flûte ma Sonia… On avait dit billet court et nous voici à dépasser les 2000 mots !!!!

- Pas grave mon Claude, ça fait 1000 mots par concerto, hihi … pour les 3^ème et 8^ème symphonies de Mahler ou Parsifal de Wagner, tu as atteint les 8000…

- Certes, certes !

Petra Müllejans

 
 

Le violoncelliste français Jean-Guihen Queyras est né à Montreal en 1967 et a vécu sa prime jeunesse en Algérie ! Il a étudié au conservatoire de Lyon, à l'Université de musique de Fribourg, et à la Juilliard School. Il a débuté avec Pierre Boulez au sein de l'orchestre inter contemporain et a été membre du Gewandhaus de Leipzig. Comme tous les virtuoses il a participé à des concerts comme soliste de la riche littérature concertante pour son instrument. Évidemment, cette remarque s'applique aux formations de chambre. À ce sujet, il a fondé le Quatuor Arcanto, s'entourant des violonistes Antje Weithaas et Daniel Sepec et de l'altiste Tabea Zimmermann écoutée dans ce blog dans Harold en Italie. Une chronique dédiée au Quatuor Arcanto explore les quatuors de Ravel, Debussy et Dutilleux, un programme magique ! (Index)

Jean-Guihen Queyras se passionne pour tous les genres : du baroque à la modernité, sa discographie en témoigne !

Née en 1959 à Düsseldorf, Petra Müllejans étudie le violon à l'académie de sa ville natale avec la virtuose spécialiste de Bach Helga Thoene. À 21 ans elle rejoint  Rainer Kussmaul à Hochschule für Musik de Fribourg-en-Brisgau avec lequel elle découvre sa passion pour le violon baroque. Dans ce domaine, Nikolaus Harnoncourt la reçoit à Salzbourg pour achever sa formation.

Comme évoqué en intro, elle a cofondé en 1987 le Freiburger Barockorchester avec Gottfried von der Goltz, violoniste baroque et maestro, un ensemble de 26 musiciens. Elle deviendra professeure de violon baroque à Fribourg et à Francfort.

Dotée d'une large ouverture d'esprit, on peut l'entendre dans le répertoire non classique : la musique klezmer (chansons festives yidiches), le tango, la czardas et le jazz !

	Écoute au casque ou avec des enceintes additionnelles plus que conseillée. Le son des PC, sauf exception, est vraiment une injure à la musique…
	INFO : Pour les vidéos ci-dessous, sous réserve d'une écoute directement sur la page web de la chronique… la lecture a lieu en continu sans publicité 😃 Cool.

STARZ " Violation " (1977), by Bruno

   Dans les recherches des albums "pré-FM", ou fondateurs d'avant l'ère des productions "blockbusters" gonflées au silicone, ou encore des (rares) groupes qui ont réussi leur conversion (ou soumission) au genre, le très sérieux SHQOPLPDPM (1) a exhumé un petit quintet new-yorkais qui avait tout d'un grand. D'un très, très grand. C'est bien simple, dans les années 80, un nombre incroyable de musiciens américains ont avoué avec enthousiasme y avoir puisé une partie de leur inspiration. Et non des moindres. Une influence qui aurait touché autant le glam-rock US que le sleaze-rock, ainsi que le Rock FM. Y compris, par exemple, l'un des cadors de la paroisse, à savoir Jon Bon Jovi et ses acolytes.

    Le groupe en question ? Starz. Un combo issu du New Jersey, qui a pour manager Bill Aucoin, célèbre pour l'excellence de son travail pour Kiss - ainsi que pour celui de Billy Squier (époque Piper comprise). Un quintet qui avait tout pour réussir, sans jamais parvenir à faire de grandes vagues. Plusieurs singles se sont pourtant infiltrés dans le top 100 américain, mais les ventes d'albums, bien que fort honorables, restent assez modestes. Soit des gains jugés insuffisants pour Capitol Records, qui les lâchent. De même que leur manager, qui a déjà bien assez à faire, tout en gagnant confortablement sa vie, avec les quatre enfarinés - et bientôt avec Billy Squier. 

     En cinq années d'existence, Starz n'a pas chômé avec quatre albums d'excellente facture et des concerts où les gars durcissent le ton. Mais visiblement, cela n'a pas suffit.

   En 1977, après un remarquable premier essai bien rock'n'roll, Starz revient à la charge. Toujours avec des pièces au cordeau, toutes guitares dehors, mais cette fois-ci, avec une ouverture vers des sonorités et des cadences plus pop. Ainsi, d'entrée, "Cherry Baby" s'impose comme un petit bijou de heavy-pop proto-Rock-FM - sans claviers. Un de ces trucs addictifs et mnémoniques, d'apparence évidents, accrocheurs dès la première écoute, portés aux cieux par un chant habité et jovial, parfaitement soutenu par des chœurs à l'avenant. Judicieusement sélectionnée pour sortir en single, cette chanson sera le plus grand succès du groupe, et poussera les ventes de l'album. « Sing It, Shout It » en est un autre, un bijou Heavy/power pop. Avec ce pattern brut et primal à la batterie (très proche du style de Bun E. Carlos), cette guitare clean coupante comme un scalpel (jouée en picking) et la seconde en arrière plan, plus sourde, peinant à retenir son humbucker qui ne demande qu'à rugir, tandis que Michael Lee Smith assure une fois encore un chant entraînant imparable. Le coda est à s'y méprendre du pur Cheap Trick – comme finalement, d'autres passages de ce morceau. Bien probable que les quatre de Rockford aient voulu rendre un juste hommage à ce groupe qui semble avoir laissé de profondes traces sur leur musique – d'autant qu'ils leur est arrivé de tourner ensemble.

   Un peu plus costaud, « All Night Long » est ni plus ni moins qu'un détournement de Bad Company, dans une optique nettement plus commerciale – ce qui en fait un peu du Foreigner pré-méga-tubes. Logique.

   « Cool One » ravive la flamme rock'n'roll, quelque part entre Creedence et les Flamin' Groovies. Les paroles ne manquent pas d'humour mais la morale ne nous permet pas de les exposer ici.

   En clôture, la ballade bancale, maladive, « Is That a Street Light or The Moon ?» dénote totalement avec la voix de Smith, qui se fait féminine, et l'émergence progressive d'un orchestre dont quelques instruments cherchent à s'échapper, ou déraillent brièvement. Néanmoins, elle a son charme.

    Starz dégoupille également quelques bons rocks, vifs, ardus et trépignants, dans la continuité du premier album. Dont « Rock Six Times » qui conte les premiers émois donnés par l’innocente écoute d'un 45 tours, et l'épiphanie qui s'ensuit. Un morceau étendard du heavy-rock US, fusionnant les poids lourds du genre - Nugent, Aerosmith, Blue Öyster Cult et Montrose. Un quasi furieux « Subway Terror », qui préfigure Twisted Sister (celui des trois premiers opus). Ainsi que « S.T.E.A.DY. », qui débute par une plage d'un slow-blues poisseux avant de se laisser emporter par une bourrasque heavy. C'est un morceau plus étrange, plus dans le registre d'un Alice Cooper ou d'un Blue Öyster Cult. « … ils m'ont fendu le visage comme un futal bon marché. Ils m'ont comprimé le cerveau et m'ont mis en transe. Chaque nuit, ils modifient un peu mon sang. Et je fais mon lit sur des gravats et de la boue. Et ça peut vraiment te retourner le cerveau. Ils vont te rendre plus fort et sain d'esprit. Je suis si content qu'ils m'aient remis sur pied... ils m'ont surveillé pendant un an, tu sais... Et si jamais tu revois tes amis et que tu prêtes serment de dénoncer les salauds... Et si jamais tu revois tes amis, je veux être sûr de dénoncer ces pauvres garçons dedans...  » ?? Michael Lee Smith aurait il été un patient de Camp Hero, l'institut militaire de Montauk à Long Island ? 😱😁. La chanson éponyme, puissant heavy-rock un rien échevelé, baigne dans la même mouvance. Smith crie sa soif de liberté, tandis que des voix de l'autorité le réprimandent « (Nous sommes partout. Nous te protégeons de toi-même. Nous te surveillons) -Je veux faire du rock'n'roll (Non, c'est interdit!) Je veux perdre le contrôle (Non, c'est une violation !) Je veux aimer quelqu'un (Non, c'est une violation !) - (Merci de nous avoir élus, nous apprécions votre confiance. Il y a un problème dont nous sommes conscients. Beaucoup de vos enfants le partagent. Mais nous avons développé de nouvelles techniques … basées sur l'électrochoc. Une dose quotidienne de microwatts) ». Une théorie (du complot ?) voudrait qu'à l'origine ce second essai devait être un album concept. Ce qui n'aurait pas été du goût du label, qui aurait renvoyé illico les musiciens revoir leur copie.

     En dépit de quelques titres pouvant paraître un peu en deçà en comparaison des pièces fortes, c'est un album sans faute qui, en cette année 1977, aurait dû s'installer confortablement parmi les classiques du genre, voire du Rock au sens large. Et s'il a rencontré un certain succès – boosté par les singles -, ce n'est pas à la mesure réelle de sa haute teneur qualitative. Peut-être que Starz aurait dû un peu développer des pièces dans le format (power-) pop / rock AOR qui a si bien réussi à leurs singles ? C'est pourtant ce que le groupe a effectué avec le suivant, « Attention Shoppers ! ». Où, contre toute logique, la petite perle « She », n'est pas sortie en single, alors qu'elle en a tous les attributs - avec des paroles éculées, niaises, passe partout - pour squatter les radios. Ou même le bon slow – au léger parfum de « Purple Rain » - « Third Time's The Charm ». Incompréhensible. Avoir mis du miel dans son heavy-rock n'a pas réussi à Starz, qui redescend dans les scores et cœurs. Déconfit, le groupe revient avec « Coliseum Rock » à des sonorités plus en phase avec les deux premiers essais. Toutefois, sur cette dernière livraison, les musiciens paraissent un peu moins impliqués, ou du moins généralement perméables à la « fièvre rock'n'roll » ; celle qui vous fait perdre le contrôle, qui libère l'instinct animal, qui vous détache de la réalité. Sur ce dernier essai, il y a l'ombre du meilleur de Kiss, mais aussi... celle de Boston. Particulièrement évident sur le magistral « Last Night I Wrote a Letter ». Mais là, pas de single, plus de réel espoir de rejoindre les illustres groupes (établis ou en devenir) avec lesquels ils tournent régulièrement. Peut-être qu'il aurait fallu maintenir Jack Douglas à la production – son absence à partir de « Attention Shoppers ! » se fait sentir. Déçu, désillusionné, fatigué, le groupe ne tarde pas à arrêter les frais. Pourtant, il demeure dans les mémoires. Les disques sont régulièrement réédités, divers enregistrements live sont édités (dont certains à la qualité douteuse, proche du pirate) et, des années plus tard, le groupe se reforme pour des concerts où une foule de fidèles – et de nouveaux convertis – l'attend impatiemment.

Side one

1.	"Cherry Baby"		3:47
2.	"Rock Six Times"		3:15
3.	"Sing It, Shout It"		5:10
4.	"Violation"		4:26

Side two

1.	"Subway Terror"	3:45
2.	"All Night Long"	3:26
3.	"Cool One"	3:40
4.	"S. T. E. A. D. Y."	5:25
5.	"Is That a Street Light or the Moon?"	3:06

(1) Service Hautement Qualifié Œuvrant Pour La Préservation Des Perles Musicales. Organisme travaillant hardiment - et bénévolement -, dans le plus grand des secrets, pour le bien de l'humanité.

🎼🎶 🌟

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Elle est partie rejoindre toutes celles qu’elle a aimées, au lieu e faire un banal RIP, je vais faire une bafouille sur un de ses albums

La Parisienne a quittée la Scène

  Quand on cite Marie-Paule Belle, la première chose qui vient à l’esprit c’est sa chanson ”La Parisienne“ qui aura son petit succès en 1976. Elle a été une artiste de l’ombre très discrète dans les médias (Même si elle n’a jamais cachée son homosexualité, elle a vécu une longue et importante histoire d'amour avec une femme, la célèbre romancière Françoise Mallet-Joris). Sa carrière n’a jamais eu d’éclipse, toujours sur les routes ou en studio. Entre 1973 et 2023 ce seront quinze albums et  trois live. Voila pour cette courte nécro. C’est maintenant un secret de polichinelle, mais tout le monde sait que j’aime Barbara et comme Marie-Paule Belle a fait un spectacle ”De Belle à Barbara“ en hommage à la dame en noir et enregistré un album, je me devais ‘écouter cette galette.

”Marie-Paule Belle chante Barbara“ ; un hommage poétique et profond. Marie-Paule Belle offre au public un cadeau précieux et profondément respectueux de l’œuvre d’une des plus grandes figures de la chanson française : Barbara. Ce recueil musical, sobrement intitulé *Marie-Paule Belle chante Barbara*, représente bien plus qu’un simple album de reprises, c’est un hommage vibrant empreint de délicatesse, une passerelle entre deux voix féminines qui, chacune à leur manière, ont marqué l’histoire de la musique francophone.

Barbara, de son vrai nom Monique Serf, était une artiste dont le nom évoque immédiatement la poésie, la sensibilité exacerbée et une capacité singulière à transcrire les émotions les plus intimes avec une intensité rare. Son œuvre, gravée dans la mémoire collective, traverse les décennies en parlant aux âmes que l’on croit secrètes. C’est cette force que Marie-Paule Belle choisit de mettre en lumière, en revisitant avec mesure et respect des titres emblématiques qui ont jalonné le parcours de la dame en noir.

L’interprétation de Marie-Paule Belle, qui possède elle-même une tessiture chaude et expressive, sublime chaque texte sans jamais chercher à imiter l’ombre imposante de Barbara. Son chant se veut humble et sincère, fidèle à l’esprit original, tout en apportant une coloration nouvelle, intacte et personnelle. Au fil des chansons, elle déploie une palette émotionnelle riche, où la douceur côtoie parfois une douleur contenue, mais toujours empreinte de vérité.

Le choix du répertoire reflète la variété et la profondeur de l’univers de Barbara : des ballades nostalgiques aux mélodies plus rythmées, chaque morceau est une histoire à part entière, une confession qui trouve en Marie-Paule Belle une interprète à la hauteur. La poésie, souvent mélancolique et grave chez Barbara, se mue ici en un hommage vivant, une reconnaissance que la musique, plus que toute autre forme d’art, est capable de transcender le temps et les générations.

Ce projet s’inscrit également dans une démarche de transmission culturelle. En 2001, à une époque où les supports musicaux et les modes évoluent rapidement, Marie-Paule Belle rappelle l’importance de garder vivantes les œuvres qui ont forgé notre patrimoine artistique. Elle invite ainsi les auditeurs, qu’ils soient fidèles admirateurs ou nouvelles générations, à redécouvrir la richesse d’une écriture unique, à ressentir la puissance des mots et la beauté des compositions.

Plus encore, *Marie-Paule Belle chante Barbara* est une rencontre entre deux âmes féminines, solitaires et passionnées, qui ont su livrer leurs fragilités et leurs forces à travers la musique. Ce dialogue silencieux, que l’on perçoit dans chaque note et chaque silence, souligne la continuité d’un art engagé, la quête de soi et l’expression d’émotions universelles.

En somme, l’album est une pépite poétique, une déclaration d’amour discrète mais profonde à une artiste incomparable. La voix de Marie-Paule Belle, fluide et respectueuse, fait rayonner la lumière créée par Barbara, offrant un refuge à ceux qui cherchent dans la chanson la consolation, la beauté et la vérité. Cet hommage musical, d’une délicatesse infinie, demeure un précieux lien entre hier et aujourd’hui, un témoignage vibrant de la puissance intemporelle de la chanson française. Vingt et une reprises parmi les plus célèbres ; de ”Drouot“, ”Au Bois De St Amand“, ”Nantes“, ”La Solitude “, ”Madame“, ”Petite Cantate“, ”Le Mal De Vivre“, ”Mourir Pour Mourir“, “Le Mal De Vivre“, ”Göttingen“, “Dis Quand Reviendras-Tu ?“ pour donner quelques exemples. Aucun des morceaux est dénaturé, ils sont même sublimés. ”Marie-Paule Belle chante Barbara“ n’est pas un simple album de reprises c’est un chef-d’œuvre. j‘ai écouté, j’ai adoré !!