Erkki MELARTIN – Symphonie N°6 (1925) - Leonid GRIN – Par Claude Toon

- Jolie jaquette pour une fois M'sieur Claude…, C'est un petit nouveau Melartin, un français je suppose avec un nom pareil, comme l'âne à Martin, hi hi hi, Humm, pardon…

- Remarque stupide Miss Sonia !!! Erkki Melartin est un compositeur finlandais de la génération de Sibelius, à la charnière entre le romantisme et l'époque moderne.

- Vous parlez souvent de compositeurs scandinaves méconnus semble-t-il ? Langgaard le danois, Atterberg le suédois, Madetoja et Saariaho deux maîtres finlandais…

- Et il y en aura d'autres comme Nielsen, un autre danois… Aujourd'hui, nous écoutons une symphonie de Melartin écrite en fin de carrière en 1924… Des musiques à découvrir sans crainte, loin de là !

- Il y a beaucoup d'enregistrements disponibles de ces symphonies ? Je pressens vaguement la réponse…

- Non, la gravure de Leonid Grin, excellente, est la seule à ma connaissance, toujours cette omniprésence des musiques européennes, mais plus au sud : Autriche, Allemagne, etc.

Erkki Melartin (1875-1937)
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Sonia, malgré ses boutades douteuses, met l'accent sur la volonté de ce blog de découvrir ensemble des musiques considérées trop souvent comme marginales et fruits du travail de compositeurs qui méritent plus qu'une ligne dans un dico en 20 volumes.

Je ne reviens pas sur la liste énoncée dans la petite discussion, tous les créateurs mentionnés se retrouvent dans l'index classique pour ceux qui auraient raté des épisodes dans la redécouverte de la musique scandinave, autre que celle de Jean Sibelius et Edward Grieg, qui semblent être les seuls à bénéficier de l'intérêt des organisateurs de concerts et des labels discographiques. Et une fois de plus, petit voyage en Finlande, pays qui ne se contente pas de fabriquer des portables, mais a donné et continue d'offrir à la musique un nombre de compositeurs de premier plan ; surprenant pour ce petit pays frisquet.

Si je puis me permettre une échelle de classification (au sens scolaire) des compositeurs français contemporains de Erkki Melartin, je proposerais sur la première marche du podium des noms comme : Debussy, Ravel, Fauré et sur la seconde marche : Roussel, Magnard, Dukas, etc. Les talents de Erkki Melartin, Atterberg, Madetoja méritent largement de partager cette seconde marche. Marginal Melartin ? vous avez ma réponse à travers ce petit classement.

Erkki Melartin est né en 1875 et nous a quittés en 1937. C'est donc l'exact contemporain de Maurice Ravel. Sa formation musicale suit la route de Jean Sibelius (le "grand" compositeur finlandais) : le conservatoire d'Helsinki puis celui de Vienne. Il va mener de front des carrières de professeur, de compositeur et de chef d'orchestre. À ce titre il fera découvrir Mahler aux scandinaves à une époque où le maître autrichien reste confidentiel. Melartin est également un esthète dans tous les arts plastiques. Je deviens jaloux à force de côtoyer ces compositeurs surdoués, car en plus de tâter de tous ces domaines artistiques, Melartin maîtrisait plusieurs langues…

Il va composer pas moins de 360 ouvrages dont 6 symphonies achevées. Le label scandinave Ondine a eu l'excellente idée de les enregistrer avec un orchestre finlandais. J'ai été surpris par la maturité des pages de ce cycle. Hormis l'art lyrique délaissé par le compositeur, la musique pour piano et ensembles de chambre est également passionnantes… Son concerto pour violon de 1913 a été exhumé en 1997 et gravé chez Ondine. Melartin a-t-il terminé sa traversée du désert ?

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Leonid Grin

The Tampere Philarmonic Orchestra est l'orchestre d'une ville importante de la Finlande près de la région centrale connue pour ses forêts et ses centaines de lac. Créé en 1930 par Elias Kiianmies, l'orchestre ne comprenait alors que 34 musiciens. La métropole finnoise de Tampere qui compte aujourd'hui 220 000 habitants a, au fil du temps, étendu l'orchestre à un effectif d'une centaine de musiciens et a construit une belle salle moderne : le Tampere Hall qui accueille à la fois les concerts et un conservatoire pour les jeunes étudiants se destinant au métier de musicien. L'orchestre est également mis à contribution pour le répertoire lyrique et des spectacles de ballet.

Une cinquantaine de disques ont été réalisés, principalement pour le label Ondine. À noter la collaboration de cette phalange très active avec le groupe de heavy metal symphonique Celesty pour leur album "vendetta".

Même si cet orchestre ne peut rivaliser avec les philharmonies de Vienne et de Chicago, sa sonorité est riche, son phrasé lisible et équilibré, ses solistes disciplinés. Le chef américain d'origine russe Leonid Grin qui l'a dirigé de 1990 à 1994 n'est pas étranger à cette élévation du niveau qualitatif de la formation.

Leonid Grin a vu le jour en Ukraine. Quand ? Mystère ! Début des années 50 puisqu'il donne son premier récital de piano à 7 ans et son premier concert comme chef à 11 avant, de commencer sa carrière en 1977 en dirigeant les meilleurs orchestres d'URSS : Philharmonie de Leningrad, Orchestre de la radio de Moscou…

En 1981, il "passe" à l'ouest où Leonard Bernstein aide le jeune chef dissident à démarrer une carrière internationale aux USA et en Europe. Il fait un triomphe en remplaçant au pied levé Franz Welser-Möst pour des concerts à la tête de la Philharmonie de Los Angeles. Parallèlement à sa carrière de maestro, il exerce une fonction de pédagogue notamment en collaboration avec Neeme Järvi.

Sa gravure la plus marquante est celle des six symphonies de Melartin, encensée par la critique. Une première mondiale est toujours un défi faute de référence dans un répertoire rare. En plus du travail musical, l'artiste doit restituer le climat des œuvres dans leur contexte historique, éplucher la correspondance des compositeurs à propos de leur travail, etc.

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Akseli Gallen : Kallela (1899)

La 6^ème symphonie de Melartin constitue la dernière contribution achevée du compositeur dans ce genre. Même si on classe Merlartin parmi les postromantiques comme Richard Strauss ou Respighi l'italien, cette œuvre est typique des recherches harmoniques et formelles du XX^ème siècle !

On lit beaucoup de chose en boucle sous la plume des musicologues officiels qui raffolent partir à la recherche des influences. "Melartin tourne le dos à son compatriote Sibelius" ; pas certain à mon sens. Il se "réfère à Wagner" ; ben oui, le chromatisme est très présent, comme… chez tous les compositeurs de son temps. On pense à Mahler ; oui il le dirigeait, mais entre le monde fantasmagorique et tragique de Gustav et l’expressionnisme du finlandais (Roussel ?), il y a un très large fossé à l'écoute…

Et si nous écoutions du Melartin, tout simplement ! C'est plus simple non ? C'est bizarre cette chasse, vaguement argumentée, au "à la manière de" voire au "plagiat" ou à la "parodie".

Melartin composa sa 6^ème symphonie en 1924 et sa création eut lieu en 1925 pour fêter son 50^ème anniversaire. Elle comprend très classiquement quatre mouvements. Melartin conserve dans toutes ses symphonies la forme usuelle quadripartite purement orchestrale. Exception la symphonie N° 4 qui fait appel à 3 chanteurs dans son andante. L'orchestration luxuriante rappelle celle de symphonies de Mahler mais sans les effectifs surpuissants de ce dernier. Elle se rapproche aussi de celle d'un Richard Strauss dans ses grands poèmes symphoniques.

Donc, nous avons :

3 flûtes + piccolo, 2 hautbois + cor anglais, 2 clarinettes + clarinette basse, 2 bassons + contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones + tuba, harpe, célesta, xylophone, triangle, tambourin, castagnettes, cloches tubulaires, grosse caisse, caisse claire, cymbales, timbales et cordes.

Akseli Gallen-Kallela (1905)

Contrairement à ses 4^ème et 5^ème symphonies, Erkki Melartin n'a pas souhaité sous-titrer son ultime production symphonique. ("Symphonie de l'été" & "symphonie brève" pour les 4 & 5.) Il a rejeté le sous-titre de "symphonies des quatre éléments", même si l'inspiration trouve ses racines dans ce concept : la terre, l'eau, l'air et le feu. Cette quadrilogie nous renvoie aux légendes et à la culture nordique très attachées aux forces primordiales. Melartin ne cherche pas écrire une œuvre à programme ou descriptive mais à mettre en musique les symboles représentés par ces puissances, symboles au sens quasi mythologiques.

1 - Andante – Allegro moderato : Dès les premières mesures, la musique surgit des ténèbres, d'un chaos minéral initial. "La terre était vide et informe" ? Une longue phrase aux violoncelles et contrebasses s'élève du néant, une reptation soutenue par le contrebasson et un roulement de grosse caisse notés pppp ! * [1:28] Passé l'exposé de cet univers sans vie, Melartin élance une forme de marche sépulcrale dans laquelle bassons, trombones et tubas évoquent les rocs et les pics d'un monde sauvage. Les violons interviennent tardivement dans ce déchainement primitif et barbare. La symphonie ne possède a priori pas de tonalité prédéfinie et encore moins de forme sonate affirmée. Postromantique ? Plutôt moderniste ! De la noirceur introductive, l'andante va évoluer vers la lumière. Le discours devient plus brillant mais reste violent, rugueux. Les pupitres s'entrechoquent comme des plaques tectoniques en conflit. Il n'y a aucune place pour un legato enchanteur.  Leonid Grin adopte une battue implacable dans cette atmosphère farouche et créationniste. Un coup de chapeau aux cuivres de l'orchestre de Tampere et aux ingénieurs du son de Ondine. Flippant mais impressionnant de grandeur.

Nota : pour les premières mesures, Ondine et le chef ont respecté la notation pppp prévue par le compositeur. Sur un PC même complété par des HP additionnels, on n'entend presque rien de l'intro. Prévoir une écoute au casque. Sur le CD lu en mode audiophile, on plonge dans une obscurité diaphane et glaçante !

(*) Richard Strauss utilisait un dispositif instrumental identique dans l'ouverture de Ainsi parla Zarathoustra en 1896, un motif mystérieux immortalisé par Kubrick dans 2001, odyssée de l'espace.

2 – Andante : [13:48] Après l'atmosphère granitique du premier mouvement, la lumière mordorée de l'andante nous entraîne vers la poésie expressionniste d'un Debussy ou d'un Ravel ! Attention : pour ne pas tenir moi-même des propos que je contestais plus haut au sujet des spéculations des musicologues quant aux influences de style adoptées par le compositeur, je ne parle pas de forme ou de solfège mais de climat émotionnel expressionniste très en vogue en ce début du XX^ème siècle. J'ai d'ailleurs choisi d'illustrer ce billet par des tableaux du peintre symboliste finlandais Akseli Gallen-Kallela.

Melartin, comme ses homologues français ne décrit pas la nature, mais évoque et partage ses perceptions face aux lacs (l'eau) et aux bourrasques dans les forêts de bouleaux et de résineux. Les premières mesures mettent en jeu une mélodie translucide des hautbois, bassons, clarinettes, harpe et cordes graves. Notée pp, cet ondoiement restitue les milles feux des vaguelettes. Flûtes et trombones interviennent dans un second sujet plus allant faisant songer aux traits du soleil, un soleil déifié et majestueux des légendes vikings. Le jeu des couleurs orchestrales se révèle dans une dentelle de timbres. La texture est d'une légèreté furtive bien que tout l'orchestre soit mis à contribution. Les portées assez chargées sur la partition en témoignent… Leonid Grin laisse son orchestre se mouvoir tout en souplesse et en élégance. Dommage que la prise de son de la harpe soit un peu trop discrète…

Akseli Gallen-Kallela (Crépuscule sur le Lac Ruovesi)
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3 – Allegro : [19:18] (l'air). "Petit vent fripon sous ton jupon" chantait en substance Brassens ? L'introduction mutine, concertante au sens chambriste du terme, va prolonger le discours vaporeux de l'andante. Flûte puis clarinette puis hautbois entonnent une comptine musicale soutenue par la harpe, des notes de xylophone, des accords de harpe et quelques cordes en pizzicati. Sans jeu de mot : une mélodie aérienne. Intention folklorique dans cette page dansante ? Non, plutôt jeux facétieux de courants d'air entre les ramures, bruissements de feuilles et chants d'oiseaux. Melartin joue la carte du divertissement oriental en introduisant un thème pentatonique rythmique et cocasse (comme Mahler dans son Chant de la Terre sur des poèmes chinois). Le mouvement est bref. Scherzo ? Très vaguement. Le thème "oriental" réapparait à mainte reprises dans ce mouvement fantasmagorique. Direction très aérée (toujours sans figure de style) de Leonid Grin.

4 - Finale (Allegro con fuoco – Allegro moderato) : la symphonie adopte une symétrie au niveau des durées des mouvements. L'andante et l'allegro centraux durent six petites minutes. Le mouvement introductif environ 13 minutes. Le final, pour équilibrer la structure se développe longuement mais sans redites inutiles : 10 minutes.

Le feu ? Et oui, les premières mesures sont tout feu, tout flamme. Grondement et roulement de grosse caisse et des timbales, rugissement des trombones, cluster de la petite harmonie. Un premier thème puissant et solennel s'élance en écho au flamboiement d'un aveuglant couché de soleil.

D'autres idées vont surgir dans ce final plutôt musclé mais jamais empreint de pathos. Melartin établit une belle alternance de passages combatifs et de méditation avec de nombreux solos instrumentaux. Et là, si, je retrouve un peu l'énergie de certaines conclusions symphoniques de Sibelius dans l'évolution du discours (2^ème et 5^ème symphonies entre autres). On retrouve l'invention mélodique sans cesse renouvelée qui caractérise cette œuvre depuis son début. Les percussions jouent un rôle essentiel : triangle, cymbales, cloches. Certains passages élégiaques peuvent rappeler que Melartin aimait, comme tous les finlandais, la saga du Kalevala et l'épopée tragique du héros national Lemminkäinen. Des textes et poèmes qui forment une culture quasi nationale en Finlande. La frénésie des développements ne me paraît pas étrangère aux tumultes de ces récits proches de l'héroic fantasy. Le final évolue vers une apothéose mais sans emphase. Leonod Grin sait retenir ses troupes pour laisser place aux couleurs guillerettes du piccolo, du célesta et de la harpe dans la coda, instruments légers confrontés à des chorales de cuivres. (Partition)

J'ai écouté en boucle plusieurs fois chaque mouvement pour cet article. Une réalité s'impose : l'histoire de la musique et du disque est passée pendant près d'un siècle à côté d'une œuvre de grande envergure, une fresque poétique, chamarrée et bien construite, moderne et imaginative, et de plus accessible à un large public. Pourquoi ? Les majors du CD, comme trop souvent depuis le début du siècle, n'investissent plus dans l'innovation. On grave toujours et sans fin Beethoven, Mahler, Bach, etc. Des gravures à l'utilité parfois discutable face à la pléthore d'enregistrements marquants au catalogue. Zéro risque, des artistes très bons et médiatiques qui font le buzz, le business prioritaire en un mot.

Je plaide pour que les générations de chefs de notre temps : Gustavo Dudamel, Paavo Järvi, Esa Pekka Salonen et d'autres ne se laissent pas séduire par le chant des sirènes des hits classiques, mais abordent ces pages avec leurs orchestres de compétition… Serai-je entendu ? La crise du disque me laisse hélas un peu dubitatif. Philharmonie de Los Angeles-Dudamel : une affiche qui pourrait me contredire…