ONCE UPON A TIME IN HOLLYWOOD (2019) de Quentin Tarantino, par Luc B.

La sortie d’un Tarantino fait désormais évènement, on s'en pourlèche les babines, on se régale des rumeurs sur telle baston énorme, ou fusillade féroce, à quelle sauce le cinéaste va-t-il cuisiner le genre abordé, guerre, polar, western, kung fu ?... Sauf que là, peau d'zob ! C'est quoi au juste ce film ? Une chronique contemplative et nostalgique sur une époque (fantasmée) qu’il a à peine connue - le cinéaste avait 6 ans à l'époque des faits.

Ce grand raconteur d’histoire nous livre ici un film sans intrigue, ou presque. Ca déroute. On suit pendant près de deux heures (la première partie) un acteur sur le déclin, Rick Dalton, toujours accompagné de sa doublure cascade Cliff Booth, qui lui sert de chauffeur. Drôle de couple. Jamais j'aurais cru dire ça d'un Tarantino, mais ils sont filmés avec une réelle tendresse, voire une pincée de pudeur. Si si. Le personnage de Booth est à mon sens moins développé. Leur relation hiérarchique (la star/l’homme de l’ombre, le maitre/le chauffeur) tourne à la complicité (plateau télé, pizza et bière pour regarder une série qu'ils ont tournée !) puis à l'amitié : dernière réplique de Rick pour Cliff « T'es un vrai ami ». Court, mais ça a le mérite d'avoir été dit ! Car au départ, quand Rick prend conscience que sa carrière est derrière lui, en chiale, et s’épanche sur l'épaule de l’autre, Cliff le repousse d’un « Oh oh oh » offusqué. Pas de ça ici, pas de ça chez nous.

Tarantino les filme dans le Los Angeles de 1969, de tournages en tournages, et s’amuse à récréer des séries TV en noir et blanc (« Chasseur de prime » décalque de « Au nom de la loi » avec Steve McQueen, ou « FBI » décalque du « Dragnet » de Jack Webb) et des séries B. western. A cette occasion, une des plus belles scènes oppose dans un long dialogue Rick Dalton et une jeune actrice de 8 ans (plan fixe mais judicieusement recadré) à qui il confie son désarroi et son angoisse ne n’être plus rien, fini, comme un vieux cowboy au dos brisé ne pouvant plus monter à cheval, s'identifiant au personnage du bouquin qu'il est en train de lire.

ONCE UPON A TIME raconte cet Hollywood qui change, ces acteurs contraints de travailler pour la TV, de s’exiler en Italie tourner des westerns, que Rick Dalton exècre car les héros y sont des tueurs, des cyniques. Cocasse quand on connait l’admiration de Tarantino pour ce cinéma, jusque dans le titre de son film. Dalton finira par y aller jouer pour Sergio Corbucci.

Rick Dalton et Cliff Booth ne se reconnaissent plus dans ce monde peuplé de hippies hirsutes, sales, une honte pour le pays. C’est le premier aspect du film, qui nous donne des scènes dramatiques quand Dalton répète comme un forcené et rate une réplique, prend conscience de son alcoolisme, ou drôles lorsque Cliff Booth (Brad Pitt et son accent texan) défie Bruce Lee en duel sur le tournage du « Frelon Vert ». Tarantino fait apparaitre des personnages réels, Steve McQueen, Mama Cass, Michelle Phillips, Roman Polanski et surtout Sharon Tate. Tarantino la filme à la fois comme un être de chair (joli plan d’elle endormie à demi-nue où elle… ronfle) et une icône, un ange blond à la beauté radieuse (Margot Robbie) qui symbolise à elle seule le cataclysme de cette fin de décennie. [voir l'article consacré à Manson : California Girls ].

Magnifique scène de Sharon Tate entrant dans un cinéma qui projette MATT HELM, avec Dean Martin et elle-même, toute heureuse de se voir à l’écran, riant des réactions du public, ou lorsqu’elle achète le livre TESS D’UBERVILLE pour son mari (Polanski** l'adaptera en 1979).

L’atmosphère s’assombrit lorsqu’un type frappe à la porte de sa maison. Il cherche le précédent occupant, Terry Melcher, producteur des Beach Boys. Ce petit homme au regard perçant, c’est  Charles Manson. Lui et sa Famille sont installés dans le Spahn Ranch, ancien lieu de tournage reconverti en site touristique avec balades à cheval. Cliff Booth y raccompagne une jeune hippie qu’il a prise en stop (la très craquante Margaret Qualley), il connait l’endroit pour y avoir travaillé. Tarantino y filme une longue séquence inquiétante. Cliff Booth souhaite saluer le proprio, George Spahn, mais ce n'est pas du goût de cette bande de filles aux regards perdus, crispées par l'arrivée de cet intrus en chemise hawaïenne.   

En sautant de février en août 1969, les 8 et 9 août pour être précis, Tarantino cristallise son récit sur la nuit du massacre de Cielo Drive, et mon commentaire s'arrête là, puisque le cinéaste a demandé à ce qu’on n'en dise rien. Épilogue controversé, on se souvient du procès en révisionnisme pour INGLORIOUS BASTERDS, ou DJANGO. J'vous donne juste mon avis : y'en a qui s’étranglent, moi j'applaudis.

ONCE UPON A TIME me rappelle JACKY BROWN (1997), le moins tarantinesque de sa production. Il y a une allusion avec un plan dans le couloir de l’aéroport de Los Angeles, et son carrelage coloré, filmé pour le générique de JACKY. Un film non-violent pendant 2h30 (il se rattrape joliment sur la fin !) assagi, plus mûr, le cinéaste semble privilégier les scènes pour leur simple beauté, premier degré, ces plans de balades en voitures, amples mouvements de caméra à la grue (0% numérique !) nous montrant toujours ce que cachent les décors (plan au drive-in, superbe !), ou juste Cliff Booth torse nu sur un toit pour réparer une antenne, le torse d’airain dans le soleil couchant, la caméra survolant les toits pour redescendre vers la résidence Polanski.

On retrouve tout de même ses gimmick préférés, insertions de commentaires, l’image dit une chose que la voix off contredit (la géniale scène où Rick Dalton évoque son casting pour LA GRANDE EVASION, Tarantino en reprend une scène mais efface Steve McQueen et y incruste DiCaprio !), le cinéaste utilise tous les ressorts du montage et de la mise en abime, les scènes de tournages sont très intelligemment conçues. Et toujours ces plans sur des pieds féminins, son fétichisme récurrent ! Ses acteurs sont tous là, ou presque (Tim Roth est au générique mais coupé au montage), les deux stars mais aussi Kurt Russell qui joue un cascadeur (comme dans BOULEVARD DE LA MORT), Bruce Dern, Michael Madsen, Zoé Bell, et lorqu’Uma Thurman n’est pas libre, c’est sa fille qui fait une apparition. On retrouve une bande son ah-hoc, soul, folk, rock (Vanilla Fudge, Deep Purple Mk 1, Bob Seger, Neil Diamond) et là encore, il la manipule, la malaxe, commence un morceau si on ouvre une porte, l’arrête si on la referme, ou qu’une voiture démarre, qu’un autoradio s’éteint.  

Le film peut décontenancer, on aurait aimé sans doute moins de plans de bagnoles et voir davantage ses acteurs jouer (Pacino a deux scènes…), mais c’est réalisé avec une telle maestria, une telle gourmandise, un tel amour du cinéma, qu’on se laisse emporter dans ce long récit sans récit, mélancolique, jusqu’au chaos final. Visiblement beaucoup de scènes ont été coupées, donc est-ce le montage définitif ? 

Attention, pendant le générique de fin, une petite surprise, donc ne vous barrez pas de la salle !    

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** la polémique : Polanski, sans avoir été officiellement consulté, était au courant du projet, et s'est déclaré à la lecture du synopsis "surpris du traitement". Mais beaucoup s'en offusquent. Tarantino argumente que le meurtre de Sharon Tate est aussi un évènement public, historique, symbolisant la fin des idéaux hippies. Qu'il s'est emparé du personnage pour ce qu'elle représentait de cette époque. Il ne s'agit pas d'un film sur le couple Polanski / Tate. Il faut se souvenir que Polanski était une immense star à Hollywood, adulé par les intellectuels, les critiques, comme avant lui des Godard ou Truffaut. Dans une scène, Rick Dalton, béat, clame son admiration pour le cinéaste polonais, "j'ai comme voisin le réalisateur de Rosemary's baby !!".

couleur et noir et blanc  -  2h45  -  scope 1:2.35