WEST SIDE STORY de Steven Spielberg (2021) par Luc B.

En entamant cette chronique, je me suis fait cette réflexion… oui, car j’essaie dans la mesure de mes faibles capacités de réfléchir de temps à autres… que Steven Spielberg avait abordé pas mal de genres, SF, drame, aventures, guerre, mais aucun des trois genres historiques américains, que sont le Film Noir, le western, et la comédie musicale. Et bien maintenant, c’est fait.

Pépère, 74 ans aux nougats, s’attaque au remake d’un monument du genre, WEST SIDE STORY, réalisé par Robert Wise en 1961, avec Nathalie Wood et un George Chakiris grimé en portoricain. Un classique que j’ai revu y’a 2 ou 3 ans, c’est quand même un peu longuet (désuet ?) je ne suis pas certain que l’interprétation soit si exceptionnelle (en cela les deux versions sont raccords !) mais la musique et les numéros chorégraphiés sont magnifiques. Fallait tout de même oser en faire une nouvelle version. Pas si nouvelle d'ailleurs, puisque Spielberg n’allait pas modifier le livret, la musique, ni la dramaturgie, sous peine d'être pendu à la grue de sa Dolly par les fans de la première heure. On songe parfois à ce qu'avait fait Gus van Sant en re-filmant PSYCHOSE à l'identique. 

A mon sens, deux grands points divergent, et c’est une très bonne chose. Spielberg a déplacé l’action dans d’autres décors (car en 60 ans New York a changé, impossible de retrouver les mêmes lieux) et il a surtout noirci l’atmosphère.

Le symbole visuel de WEST SIDE STORY sont ces escaliers extérieurs métalliques typiques des immeubles new-yorkais, ils étaient d’ailleurs dessinés sur l’affiche de 1961. Le premier plan du film de Spielberg est un long mouvement de grue, qui commence sur des gravats, on voit ce qui reste de ces (fameux) escaliers, tordus, rouillés, on découvre un paysage de désolation, ruines, les boules de démolition, pelleteuses. C’est un quartier entier qui a été démoli, en vue d’être réhabilité.

Le film se passe à la même époque que l’original, et la photographie, les couleurs, le grain de pellicule (car Spielberg filme en 35mm, pas en numérique) renvoie à cette époque. On a l’impression de voir un film réalisé y’a 60 ans, c'est bluffant, y compris dans le jeu des acteurs, c’est peut être là où le bât blesse. Mais Spielberg situe l’action dans un quartier qui se meurt, se transforme, ça change la donne et participe à cette vision de fin du monde.

Le film est plus noir, sombre. Après le premier numéro (les claquements de doigts, l’affrontement des Jets et des Sharks) le flic qui intervient n’a rien d’une assistance sociale, il gifle les portoricains, il est ouvertement raciste, il dit aux Jets de « réussir dans la vie, habiter de beaux immeubles dont les portoricains seront les portiers ». Il est clairement de parti-pris.

Il y a aussi les combats, qui chez Robert Wise étaient chorégraphiés. Spielberg garde l’idée au sens où les combats sont stylisés, millimétrés dans leurs mouvements (la bagarre aux couteaux) mais il n’en fait pas des numéros de danse. L’idée est de ne pas d’adoucir la violence, l’embellir, mais de la traiter avec réalisme. L’antagonisme entre Jets et Sharks porte moins sur le territoire des gangs, que sur l’origine ethnique, la couleur de peau. Spielberg n'est pas bigleux, il voit son pays se déliter, se radicaliser, et plaide pour le vivre-ensemble.

Tout en respectant l’intrigue, tirée du Roméo et Juliette de Bill Shakespeare, Spielberg crée de nouveaux numéros chorégraphiés, davantage en extérieur. Ainsi, le fameux « America » n’est plus filmé sur le toit de l’immeuble, mais dans les rues (on pense un peu au LALALAND de Damien Chazelle) sur un marché, où les paroles de la chanson sont littéralement illustrées par la figuration. Ces ballets en pleine rue, filmées à renfort d’amples mouvements de caméra sont superbes et euphorisants.

La rencontre entre Maria et Tony est magnifique. On entre dans le gymnase qui sert de salle de bal avec un travelling avant très rapide, les portes s'ouvrent sur des dizaines de danseurs, les duos se forment, l'ambiance s'électrise, et au beau milieu de cette frénésie Spielberg cadre Maria, en arrière plan, lumineuse dans sa robe blanche, presque masquée par un tourbillon de danseurs survoltés. Moment de grâce, instant suspendu, les tourtereaux sont visuellement distingués du maelstrom, avant de s’isoler derrière des gradins pour leur premier baiser. Superbe !

La chanson « I feel pretty » n’est plus située à l’arrière d’une boutique mais dans un grand magasin, l’idée est la même mais bigger than life, davantage de mouvements, de rythme. Le combat fatal et létal sera filmé dans un hangar de sel de dégivrage, décor lunaire, avec un superbe plan en plongée vertical lorsque les protagonistes arrivent, leurs ombres étirées au sol qui les précèdent.

Le grand changement vient du personnage de Doc, qui tenait la boutique où travaillait Tony, sorte de no man’s land où chaque bande avait ses habitudes. Doc est devenue Valentina, qui est interprétée par Rita Moreno (90 ans aux miches) qui dans la version de 1961 jouait le personnage d’Anita. Plus qu’un clin d’œil, c’est une perche lancée entre les deux versions, deux époques.

Alors Spielberg évidemment s’en donne à cœur joie, mouvements de caméra, axes des plans, couleurs, rythme (les numéros de danse sont me semble-t-il plus découpés), il fait passer sa caméra dans des trous de souris (Maria sur son lit filmée entre le cercle des barreaux, Tony à travers l’enseigne du magasin, le plan final à travers les marches). Il reprend le matériau original soucieux de ne pas trahir, ni de décevoir les aficionados (la très belle scène de « Tonight » sur les escaliers) tout en injectant son style, et quelques nouveautés. D’une longueur identique (2h35) on pourra tout de même objecter qu’après « Jet song » ça patine un peu, il y a deux longues scènes dialoguées qui auraient méritées d’être raccourcies (c’est pas comme si on découvrait l’histoire !).

D’autant que certains acteurs sont assez faibles dans leurs interprétations, c'est même étonnant qu'aucun ne sorte du lot. Ansel Elgort qui joue Tony, est un peu tête à claques, son jeu apparaît vieillot, maniéré, le balourd Josh Andrès Rivera (Chino) frise l'erreur de casting, les filles s'en sortent mieux, surtout Ariana DeBose (Anita). Sont-ils vraiment mauvais à la base, ou est-ce un choix de direction d'acteurs pour rester dans le ton des années 60 ? Hum... pourquoi Spielberg aurait poussé l'hommage jusque là ?

Le personnage de Anybody’s, le garçon manqué qui voulait intégrer les Jets, était jouait par une actrice, aux cheveux ras. C’est Ezra Menas, acteur transgenre, qui reprend le rôle, fille, garçon, on ne sait pas, Anybody’s se fait traiter de lesbienne par les Jets, ce qui vaut au film d’être interdit dans certains pays rigoristes. Faut les comprendre, une fille aux penchants lesbiens c'est déjà scandaleux, un gars efféminé, ce sont les flammes de l'enfer assurées, mais là... on ne sait même pas à qui on a affaire ! Vous noterez que les portoricains sont interprétés par des portoricains, histoire de ne pas se mettre à dos la communauté (à l'époque, qui jouait E.T ?). 

La dernière séquence est presque apocalyptique, tragique à souhait, immeubles en ruine, avenue déserte, sans vie, nuit, brume, un dernier long travelling ascendant qui monte le long des escaliers métalliques, cadrant l’arrivée des voitures de police à travers deux marches, d’une précision millimétrée.

Question à cent balles : fallait-il refaire WEST SIDE STORY, dont la version de Spielberg est à 85% identique ? D'abord, s’il en avait envie, y fait c’qui veut ! Ensuite, cette version, entre hommage, remake, relecture, est à la fois foisonnante, colorée et virtuose, sombre, amère et politique. Si on aime la comédie musicale en particulier ou le grand cinéma en général, pourquoi bouder son plaisir ?

Et maintenant Steven, on s'attaque à LA PRISONNIÈRE DU DÉSERT (qui était aussi avec Nathalie Wood) et ASSURANCE SUR LA MORT. Hop, au boulot !

 

couleur  -  2h35  -  scope 1:2.35