HILARY HAHN : ET POUR QUELQUES CONCERTOS DE PLUS, par Claude Toon

Non ! Ne craigniez rien à la vue de cette photo ! Aucun risque de violence avec le violon du luthier Jean-Baptiste Vuillaume (Français) de 1864. Hilary Hahn, c’est l’essence même de la vie à travers du bois et des cordes.

En fait, ce geste l’a renvoie à l’âge de 4 ans – 1 mois, jour où elle reçoit sa première leçon de violon. Elle imite ici, inconsciemment, ses copines de l’époque qui, avec divers jouets, n’en étaient encore qu’à martyriser leurs petits frères….

Elle commence ses études à Baltimore, puis à l’Institut Curtis à Philadelphie avec Jascha Brodsky, dernier élève vivant d’Eugène Ysaÿe. Elle aborde sa période de perfectionnement avec Jaime Laredo.

12 ans : elle donne son premier concert aux USA avec orchestre, elle enchaîne avec les plus grandes phalanges : New York, Cleveland. 15 ans : elle se produit déjà en Europe, Beethoven et Sibelius, avec l’Orchestre symphonique de la Radio bavaroise à Munich et Lorin Maazel à la baguette, lui-même violoniste virtuose (voir la vidéo). 16 ans : elle grave son premier disque, quelques sonates et partitas de Bach (la concurrence est aussi rude que totale, tous les violonistes ayant enregistré ces œuvres). Comme les grands vins, c’est un peu jeune et un peu raide, mais néanmoins un tabac discographique et un Diapason d’or !

Bon OK, quand je consacre une chronique à la jeune, jolie, pittoresque et virtuose violoniste, je me fais charrier, surtout par ma femme (« démon de midi musical », « subjectivité hormonale » et autres fantasmes sur la femme-enfant qui a l’âge d’être ma fille…). Balivernes ! 15 ans plus tard, le parcours de l’artiste montre que, ce qui n’aurait pu être qu’une carrière éphémère de gamine surdouée et médiatisée, n’est qu’une progression constante vers la maturité musicale. Après son enregistrement assez stupéfiant du très difficile 1er concerto de Chostakovitch à 23 ans, on était en droit d’espérer la poursuite de cette trajectoire, et ses deux derniers albums de concertos la confirment.

Tant pis, messieurs, si actuellement le Top des grands solistes de l’archet est très très féminin ! Hilary Hahn aux USA, Julia Fisher (bavaroise de 27 ans ; également pianiste pro, on aura tout vu !), Janine Jansen (néerlandaise de 32 ans), Chloë Hanslip (anglaise de même âge). Ce n’est pas bien de donner l’âge des filles, mais n’empêche que les talents masculins ne sont pas aussi précoces, na !

Après ce panégyrique, parlons des compositeurs, et de ces deux disques.

Les albums de Hilary Hahn associent systématiquement un concerto du grand répertoire et un concerto moins connu, fréquemment du XXème siècle. Cela est vrai tant chez Sony que chez Dgg.

Si je compte bien, avec ses deux albums, sujets de la chronique, nous avons 4 concertos de 4 compositeurs différents dont 2 modernes (c’est bien ça ?). Oui, bon je continue…

4 concertos, 4 compositeurs, 4 visages, et 4 curriculum vitae :

Tchaïkovski : le plus connus des quatre. Le compositeur russe s’est rendu célèbre avec ses ballets : Casse-Noisette, la Belle au Bois Dormant et le Lac de Cygnes (qui rend cinglée Natalie Portman dans Dark Swan). Ajoutons 6 symphonies dont la « Pathétique », son ultime chef d’œuvre, des quatuors et des concertos dont le premier pour piano est archi connu. Enfin, cet unique concerto pour violon est au centre du film « le concert » avec Mélanie Laurent en virtuose qui fait plutôt bien « semblant ». Quelques rares daubes, mais des vraies, entre autres : l’Ouverture de 1812 pour le cinquantenaire de la pâtée infligée à Bonaparte. Pas de chance, le morceau est une bérézina pour casser vos enceintes, il y a même des bruits de canons… de la dentelle !

Sibelius : un grand compositeur finlandais. Pas très connu du grand public, c’est dommage pour un génie, un poète. Il puise son inspiration dans l’évocation des forêts, lacs, brumes et légendes de son pays. C’est très beau et surtout très facile à écouter. Son cycle de 7 symphonies est un modèle du passage du romantisme à l’ère moderne. Son concerto pour violon, dont on va parler, est un sommet de ce répertoire. Des œuvres pour piano, plein de pièces orchestrales dont une certaine Valse Triste qui fait, parait-il, les choux gras des pianos bars. Ah ! les crépuscules nordiques quand ils nous prennent… En 1933, il s’arrête de composer. Écœuré par la mainmise des nazis sur son pays, les ébauches de la huitième symphonie finiront systématiquement au feu. On le considère donc plus comme un postromantique qu’un moderne.

Schoenberg : Il nait à la fin de l’époque romantique et disparaît dans le modernisme absolu en 1951. Sa carrière sera double. Avant la cinquantaine, il compose des œuvres modernes pour l’époque mais emprunte de romantisme voire de classicisme. De cette époque, naissent des perles : Gurrelieder, Pelleas et Mélisande et la Nuit Transfigurée, poème dramatique pour cordes. Il commence à innover avec le « Sprechgesang » ou chant-parlé dans Le Pierrot Lunaire. En 1923, décidément trop engoncé dans les modes de composition hérités du passé, il dynamite la tonalité en usage depuis 300 ans en inventant le sérialisme à partir du dodécaphonisme (voir ci-après). Tout en plongeant dans l’avant-gardisme avec ses amis Berg et Webern (l’École de Vienne), il doit fuir les persécutions nazies vers les USA. De cette période naîtront des œuvres totalement nouvelles pour l’oreille occidentale, notamment l’opéra MoÏse et Aaron et deux concertos : un pour piano et celui pour violon d’une difficulté technique inouïe. Cinquante ans après sa mort, sa musique demande toujours des interprètes hors normes pour être appréciée. Merci Hilary…

Higdon : Jennifer de son prénom, une benjamine, est quasiment inconnue en Europe, même de votre serviteur. Elle consacre l’essentiel de sa carrière à l’enseignement. Au-delà de ce très joli concerto pour Hilary Hahn, j’ai trouvé à son sujet des mentions d’œuvres pour petits ensembles (et même un album Naxos). Est-ce que le chat participe à des compositions « aléatoires » en tricotant des pattes sur le clavier du PC ? Allez savoir.

Le coin du musicologue : Dodécaphonisme et sérialisme.

Jusqu’au début du XXème siècle, la tonalité règne en maître. En occident, la musique tonale repose sur un jeu élémentaire de 7 notes. Presque tout le monde connaît, par la pratique, ou a entendu un malheureux prof de musique à l’école expliquer ceci : do, ré, mi, fa, sol, la, si, do, suivi de « gratte-moi la puce que j’ai dans le dos ! ». Ce sont les touches blanches sur le clavier et, entre deux notes, il y un ton. Les cinq touches noires correspondent aux demi-tons ; ainsi on dispose dans une octave de 12 notes. Le mi et le fa ne sont séparés que d’un demi-ton pour des raisons d’harmonie. Pourquoi ? Je n’en sais absolument rien, mais c’est agréable à l’oreille tout simplement ; quand un instrument est totalement désaccordé, alors là, on sait pourquoi !!!

Bach, encore lui, a figé définitivement ce système dans la durée en composant le Clavier bien Tempéré, c’est à dire en écrivant des couples suite-fugue qui utilisent successivement les 12 tonalités de base dans les gammes majeures et mineures soit 24 tonalités au total. Si on appuie sur une mauvaise touche sur un piano, « ça fait faux » comme dirait Averell Dalton.

Cependant, pour obtenir des sonorités plus étranges, les dissonances, les musiciens ont d’abord altéré les notes par ci par là en saupoudrant des dièses et des bémols dans les portées, puis un peu partout comme Wagner (chromatisme). Les partitions deviennent confuses.

Puis arrive Schoenberg. En 1923, le compositeur viennois admet tout à fait que le recours à la tonalité offre des possibilités infinies, mais pas assez pour lui. Une première idée lui vient à l’esprit : utiliser les douze sons chromatiques dans un même passage musical. C’est le principe du Dodécaphonisme. Cependant, utiliser tous les tons en vrac sonne de manière tellement insupportable que l’on songe au suicide. Il invente alors deux règles : les douze sons doivent être domestiqués dans une série invariable et harmonique dans les intervalles entre chaque note ; ensuite, chaque son ne peut être utilisé qu’une seule fois dans la série.

Les sonorités obtenues sont diaboliquement étranges et envoutantes, mais harmonieuses et ne heurtent plus nos oreilles. Le sérialisme est né.

Exemple (un dessin vaut mieux...) :

Rigoureusement, en musique tonale, on ne doit jouer que les notes bleues (en mode majeur) ou les rouges (en mineur). Les modes majeurs (favoris de Mozart) sonnent plus gaiement que les mineurs (Bruckner et ses longues symphonies ténébreuses).

En écoutant la série imaginée par le complice Alban Berg pour son concerto pour violon « Á la mémoire d’un Ange », on songe à un battement d’ailes dans un climat onirique, sublime ! Berg a écrit son concerto en mémoire de la fille de son ami, l’architecte Walter Gropius. L’adolescente était morte de la poliomyélite à 18 ans, « un ange ».

Hilary Hahn n’ayant pas encore enregistré ce concerto, voici une vidéo du début interprété par Frank-Peter Zimmerman accompagné par Daniele Gatti. On entend très bien, à travers d’évanescents arpèges de l’orchestre, les énoncés successifs du thème de la série.

Nota final : sur le xylophone du gamin, le sérialisme, c’est mort.


Bon, les concertos et les disques :

Album de 2008 : Concertos de Schoenberg et de Sibelius

Commençons par Sibelius. Dès l’introduction, le violon s’impose avec grâce en opposition avec les trémolos des cordes. Le trait est franc. Le tempo n’est pas rapide pour le premier mouvement, comme on peut le lire parfois sous certaines plumes. La virtuosité est présente, mais il est vrai, presque trop. Je veux dire par là que l’univers habituel de Sibelius se nourrit de Legato, d’une certaine élégie, de ce climat clair-obscur évoqué dans la présentation de l’œuvre du compositeur. Hilary Han joue avec gracilité et féminité mais avec un petit soupçon (très petit) de sécheresse qui nous éloigne de la lumière crépusculaire ressentie chez les grands aînés dans ce concerto. Le jeu est d’une souplesse parfaite, mais la violoniste nous entraîne, par instant, dans sa moite Virginie natale, nous détournant ainsi des froides brumes du nord. Ce choix d’interprétation, peu nostalgique est tout à fait licite dans le sens où il se poursuit dans l’adagio voulu incisif. L’Orchestre, sous la baguette d’Esa-Pekka Salonen, est fouillé et tient tête au fougueux violon de l’artiste.

Le final, très rapide, devient sarcastique et perd de ce fait une grande partie de son climat mélancolique voire sépulcral. C’est somptueux quoique un peu brutal.

En conclusion, une belle interprétation, jeune et ardente, qui a sa place sur ce disque. Certes, il ne faut pas embrayer directement sur le légendaire enregistrement symbiotique de Ferras-Karajan qui, à mon sens, ont signé en 1965 une quintessence aux couleurs étranges de ce chef d’œuvre.

Le concerto de Schoenberg a connu des débuts difficiles. Écrit en en 1934-36 en Californie, le compositeur envoie sa partition au célébrissime Jascha Heifetz(*), virtuose coqueluche des américains. Le violoniste talentueux mais narcissique, craignant pour sa réputation, lui retourne en ironisant « on jouera cela quand les violonistes auront un sixième doigt ». Dégonflé ! Il sera créé en 1940 par Louis Krasner, jeune spécialiste du sérialisme, créateur du concerto de Berg et pourtant non atteint de polydactylie. L’ouvrage réputé difficile est peu enregistré, Hilary Hahn n’en a fait qu’une bouchée et a signé une version de référence, si ce n’est plus.

Lascifs, les premiers motifs émergent d’une pâte sonore obscure. Rapidement s’entremêlent gaiement l’orchestre, surtout les bois, et des notes furtives et agrestes du violon. Hilary Hahn habite son violon, pourchasse les diverses masses orchestrales hiératiques, une danse frénétique mais incroyablement légère. La violoniste revisite l’œuvre comme on ne l’espérait plus. La prouesse technique exigée de la violoniste ne semble qu’un jeu d’enfant sous ses mains, les pizzicati et les micros arpèges enchaînés dans le développement virevoltent. Ce monde de sons enchanteurs est tellement inventif et tourbillonnant que mes mots trouvent rapidement leur limite sémantique pour l’évoquer. La cadence donne l’impression que plusieurs violonistes jouent entre copines, ou que la déesse Shiva a appris le violon.

L’andante retrouve cette veine concertante et, une tentative menaçante d’obscurcissement de quelques cordes graves est vite chassée par la hardiesse du violon. Le chassé-croisé instrumental devient enfin, dans l’histoire de ce concerto, une musique accessible par l’absolue clarté obtenue de tous les musiciens, et surtout le choix d’Hilary Hahn de refuser un quelconque égocentrisme instrumental.

Le final très riche dans ses sonorités confirme définitivement que la musique sérielle n’est absolument pas du tapage d’intellectuel, mais exige un talent confirmé. Un feu d’artifice violon – cordes - vents – percussions achève cet enregistrement qui n’est pas près d’être remis en cause.

(*) Lors d’une écoute en famille et en aveugle du concerto de Brahms, Heifetz a terminé largement dernier. Classement : Leonid Kogan (forcément), Hilary Hahn (oh surprise, c’est qui ?), Henryk Szering et Jascha Heifetz. Quand je le dis…

Album de 2010 : Concertos de Higdon et de Tchaïkovsky

Classiquement découpé en trois parties, le concerto de Jennifer Higdon s'ouvre sur quelques notes très aigües rapidement rejointes par des percussions cristallines. Ainsi portraitisée, « Hilary - Alice au pays des merveilles » sautille à travers champs. Cet échange ludique va évoluer vers un élargissement plus grave, celui d'une jeune adulte face au défi de perfection qu'elle se fixe dans une carrière où elle ne s'accorde aucune facilité.

Le second mouvement, plus lent et serein comme il se doit, côtoie assez nettement l'univers pastorale de Barber (celui de l’adagio) et Copland, autres compositeurs américains. Autre facette de l'artiste qui, dès le début de sa carrière, a abordé la musique de son pays aux sonorités et mélodies populaires agréables à écouter, ou qu'elle sait rendre ainsi (Ives). Approche typiquement américaine où le mélomane ne doit pas systématiquement servir de cobaye acoustique comme trop souvent en Europe (simple avis personnel, il y a des exceptions...). Bien entendu, une grande virtuosité est exigée pour donner toute la poésie champêtre voulue, notamment dans les dialogues violon - basson ou hautbois qui lient les développements orchestraux.

Rapide et allègre, le final se présente comme une guillerette poursuite entre un violon virtuose et tous les instruments concertants ; Hilary Hahn espiègle ? Magique.

Je ne pense pas que ce concerto bouleversera le répertoire, la recherche de virtuosité prend souvent le pas sur une imagination musicale que l'on aurait pu trouver chez un John Corigliano par exemple. Mais ce charmant et libre moment de musique semble indissociable du joli sourire d'éternelle adolescente de la musicienne.

Le concerto de Tchaïkovski étant enregistré par tous les violonistes de talent depuis l'invention du phonographe, Hilary Hahn devait trouver sa voix dans ce méandre discographique où culminent des réussites nombreuses. Souvent rapide, Hilary Hahn adopte ici des tempos plus sages. Son interprétation très classique manque, non pas de romantisme, mais du lyrisme échevelé qui signe les grandes versions (ou prétendues comme telles). La surprise agréable nous vient d'un orchestre de Liverpool diablement énergique sous la baguette de Vasily Petrenko.

Pour conclure, deux disques merveilleux et complémentaires. Pour Schoenberg, c’est encore plus simple, c’est la référence, et Dieu sait si j’emploie cette expression galvaudée avec la plus extrême parcimonie.

Les concertos de Schoenberg et de Sibelius sous forme d'une Playlist. Puis les concertos de Higdon et de Tchaïkovski séparément.

Bon écoute…