SIBELIUS – Symphonie N°5 (Version 1919) – John BARBIROLLI (1966) – par Claude Toon

- Waouh M'sieur Claude, suis en nage, suis venue en jogging, mais c'est bizarre mon podomètre me carotte de 500 m alors que je fais toujours le même parcours !

- Ah bon ! Heu, vous n'avez pas couru ou marché à reculons pour varier les plaisirs, dans ce cas, bah oui le podomètre décompte… C'est le GPS qui est en cause…

- Ah bah si, un moment j'ai marché à contresens pour admirer le lever de soleil et les lumières sur le parc Montsouris… Quelle intelligence M'sieur Claude…*

- Ça me paraît logique… Bien parlons musique… Au programme une symphonie épique de Sibelius de 1919 qui n'a rien de ringarde quoiqu'en pensaient certains contemporains…

- Ah oui, j'aime bien, les belles et étranges forêts finlandaises, les légendes, etc. Jonh Barbirolli n'est pas un petit nouveau…

- Non en effet, un article à propos de la 6^ème symphonie de Mahler, un autre dédié à Frederik Delius ; un maestro souvent cité dans les discographies alternatives, notamment Sibelius…

* Hihihi, c'est rigolo, ce n'est pas la première fois que j'arrive à faire croire à cette blague… Pat a entendu, il se gondole… Notre assistante me fait vraiment trop confiance. Je suis taquin avec elle… Dans un sens, sa joie de vivre me fait plaisir… (Au fait : rien à voir avec le GPS, mais ça, tout le monde s'en doute ; encore une étourderie de Sonia).

Après les billets sur les symphonies 4, 2 et 7 de Jean Sibelius (pour respecter l'ordre chronologique des publications), écoutons la 5, quatrième œuvre symphonique d'intérêt majeur. Cela dit, les autres, 1, 3 et 6 ne sont pas à dédaigner malgré un attrait moindre de la part des chefs et du public…

Pour Sibelius né en 1865, le début du XXème siècle se révèle une époque tourmentée car il n'était pas encore très reconnu en dehors de sa Finlande natale. Oui tourmentée : l'addiction à l'alcool (un combat qui le poursuivra toute la vie), un douloureux et épuisant cancer de la gorge en 1908 (il va y survivre 50 ans), des périodes de dépression et de manque d'inspiration chez ce créateur d'une exigence maladive envers son travail et dont les ébauches de manuscrits finissent souvent en cendres dans le poêle ! Pour rappel, il arrêtera de composer en 1926 après l'écriture de Tapiola (Clic), l'homme de nature solitaire se murant trente ans dans le silence musical jusqu'à sa mort en 1957.

Aucune hésitation, Sibelius appartient au courant postromantique dans lequel on trouve deux compositeurs célèbres et du même âge : Richard Strauss le bavarois et Gustav Mahler l'autrichien. L'épithète postromantique affublé à Sibelius a très longtemps renvoyé une image ringarde ! (Il faudrait ajouter à cette liste l'anglais Ralph Vaughan Williams.) Pourtant en Allemagne, et même aux USA, le début du XXème siècle coïncide avec une réelle reconnaissance de sa musique ; la deuxième symphonie et son concerto pour violon, compositions d'envergure ne sont pas étrangères à ce succès. Sibelius voyage dans toute l'Europe et rencontre Mahler, Dvorak, Richard Strauss. Tous apprécient sa production malgré une grande disparité de styles : l'extraversion psychanalytique de Mahler, la tradition quasi classique de l'auteur de la symphonie du nouveau monde et la luxuriante orchestration de Strauss, alors que l'orchestre de Sibelius rappelle celui de Brahms cinquante plus tôt.

Mais de 1900 à 1930, l'heure est à la modernité, celle de l'atonalité, du dodécaphonisme, des gammes tonales et autre polyrythmie, citons : Debussy, Stravinsky, Bartok et bien sûr Schoenberg. Les critiques et musicologues  officiels, en un mot l'intelligentsia autoproclamée classera Sibelius comme représentant d'un passé musical archaïque. Les sources d'inspiration du finlandais étant souvent liées aux sagas moyenâgeuses n'arrangent rien à l'affaire.

On ne découvrira en France Sibelius qu'après sa mort et encore, dans les années 60-70, des troisièmes couteaux comme René Leibowitz ou Antoine Goléa (logique, ils étaient potes) épinglent toujours Sibelius comme "le plus mauvais compositeur du monde". Dans les années 60, les intégrales sur vinyles de Bernstein, Barbirolli ou Maazel changent la donne auprès d'un public jeune, avide de nouveauté ; j'en étais, les 5 LP originaux Decca de Maazel avec rien de moins que la Philharmonie de Vienne me regardent depuis une étagère…

Quant à l'écriture ringarde, ces braves gens auraient dû examiner la partition de notre 5^ème symphonie. J'en reparlerai !

Pour conclure sur ce sujet, Gustav Mahler connaîtra le même rejet, alors que depuis une trentaine d'années, il fait les beaux jours des concerts…

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Akseli Gallen-Kallela (Début du printemps)

Entre 1914 et 1919, la situation politique en Finlande est infernale. Depuis 1809, le pays possède le statut de Grand-Duché autonome mais sous l'œil inquisiteur de la Russie tsariste. Cette semi-liberté donne naissance à une culture nationaliste à la fois par la langue et le patrimoine propre au pays nordique. La révolution bolchévique de 1917 a pour conséquence d'exacerber les tensions entre Gardes rouges pro-soviétiques et Gardes blancs nationalistes, tous prêts à en découdre. La Finlande devient indépendante au soulagement de Sibelius… en attente d'une prochaine guerre… Il avait composé sa 5^ème symphonie en 1914 à la demande de son pays qui souhaitait marquer en 1915 son cinquantième anniversaire en tant que grand compositeur national.

La symphonie est créée en décembre 1915 sous la direction de Robert Kajanus, ami du compositeur. C'est un succès, mais Sibelius l'exigeant, retouche en 1916 sa partition, une version dont on n'a guère de trace. Les années suivantes agitées politiquement dépriment le musicien qui travaille un peu sur deux nouvelles symphonies et diverses pièces, tout en essayant de moins boire… Ces détails historiques ont leur importance pour apprécier cette musique marquée par l'amour des paysages de son pays, une inspiration puisée dans les légendes du Kalevala et une pincée d'accent patriotique notamment dans Finlandia, poème symphonique devenu l'hymne national finnois.

La version définitive est créée en novembre 1919 sous la direction du compositeur. C'est l'édition finale que nous écoutons ce jour et qui est la plus jouée en concert. (Partition).

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John Barbirolli en 1969

Point commun entre Sibelius et John Barbirolli : la bouteille. N'y voyez aucune moquerie ou jugement, le maestro avouait sans détour avoir besoin de ce dopage pour donner le meilleur de son art en scène… Une biographie plus détaillée est à lire dans la chronique consacrée à la 6^ème symphonie de Mahler, autre postromantique à la pensée et au style aux antipodes de ceux de Sibelius que le maestro dirigeait avec génie (Clic).

Parue chez EMI, son intégrale des années 60 avec le Hallé Orchestra est souvent considérée comme La référence. Globalement c'est assez vrai même si pour chaque symphonie on trouvera d'autres réussites. Détail important : la prise de son est d'un réalisme époustouflant ; on entend même (c'est hyper rare) les attaques d'archets sur les cordes à la fin du presto. Un espace sonore aéré et une dynamique soutenue nous font encore regretter l'époque analogique… (Sur du matos audiophile haut de gamme bien entendu.)

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L'orchestration reste fidèle au romantisme, même les rares percussions cristallines de la 4^ème symphonie de 1911 ont disparu !

2/2/2/2 ; 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, timbales et cordes.

La version de 1915 comportait quatre mouvements dont un scherzo en seconde position. Sibelius fusionnera le premier mouvement avec ce scherzo dans la mouture définitive avec maintes modifications. À noter que ce grand mouvement (presque la moitié de l'ouvrage) n'est pas de forme tripartite stricte avec un scherzo de forme académique pour le conclure. Plutôt une symphonie dans la symphonie avec une liberté de forme assez inouïe que seuls les spécialistes savent déchiffrer facilement…

Akseli Gallen-Kallela : Rapides d'Imatra

1 - Tempo molto moderato – Largamente – Allegro moderato – Presto : Ils me font marrer les détracteurs de Sibelius comme Theodor Adorno, pourtant un musicologue chevronné et moderniste, mais prudent par rapport à l'absolutisme du sérialisme. (Je le cite : "produit de marketing, vulgaire, et réactionnaire", mots suggérant un esprit fascisant chez Sibelius qui ne cachait pas sa passion patriotique pour la culture finnoise !!!). Forme musicale archaïque ? Ah la la, dès qu'un compositeur rejette l'académisme sonate de type ABA'B'CAB… etc. ou le dodécaphonisme viennois, on crie au blasphème…

Oublions ces grincheux et leur théorie philosophique là où il est inutile d'en chercher. Écoutons la belle aurore boréale introductive : deux cors soutiennent par un accord de sixte mineur un premier thème énoncé par les deux autres cors. Dans le voyage au ton tantôt pastoral tantôt pathétique proposé par la symphonie, le compositeur invite à la méditation et à la contemplation des paysages grandioses de sa terre natale. Un choral rayonnant des flûtes et des bois intervient pour prolonger ce tableau coloré (magnifiques sonorités altières des hautbois et des clarinettes). À ce propos, le tableau d'Akseli Gallen-Kallela ci-contre illustre la dualité dans la musique du compositeur. Tout d'abord l'exaltation face à l'éclat doré de ce soleil voilé par la brume et, plus en avant, le bouillonnement des Rapides d'Imatra symbolise la rudesse et l'opiniâtreté des finnois. Les cordes ne font leur entrée que tardivement [1:25] et, étrangement, dans une atmosphère ténébreuse. Une introduction caractéristique du langage sibélien toujours proche de celui du poème symphonique. Sibelius mêle une forme de naturalisme présente dans les premières mesures qu'il fait suivre de motifs allégoriques plus épiques, sans réellement de transition marquée. Cette genèse novatrice d'une thématique complexe en continue et d'une expressivité ambiguë lui attira beaucoup d'animosité, car oui, cette musique n'a pas pour but de simplement distraire par la facilité mais d'émouvoir. Pour l'exigeant Sibelius chaque note doit avoir un rôle suggestif.

Bigre, un paragraphe développé et nous n’avons entendu que jusqu'à [2:09]. Un nouveau groupe thématique s'élance opposant un climax glorieux à des déferlantes de cordes… des vagues venues de la Baltique ? On comprend aisément que commenter chaque épisode dans une telle diversité prolongerait au-delà du raisonnable ce papier. Dans ce qui précède, l'essentiel est dit : l'opposition entre une forme d’expressionnisme et d'évocation des légendes tragiques du cycle du Kalevala, épopée chevaleresque si chère à Sibelius et dont la violence rarement contenue établit un pont avec l'histoire pour le moins troublée de la Finlande en ces années-là. John Barbirolli magnifie ces contrastes si âpres tant par la nature du récit musical que par la grande variété mélodique et surtout par l'orchestration. Exemple : le Largamente à [5:23] avec une mélopée lugubre du basson sera syncopé brutalement à [7:23] par le crescendo frissonnant et enfiévré d'un choral de cuivres apocalyptique. Cette manière de passer d'un climat dramatique à un autre, volubile, est unique dans l'histoire de la musique. (Transition à [8:48].) L'ex scherzo de 1915 (qui ne m'emballe pas) devient à [9:02] l'allegro moderato au rythme bucolique et qui s'enchaîne avec grâce avec l'épisode précédent. Quatre minutes d'une musique fantasque en forme de concerto pour orchestre aux ruptures de tempos et aux scansions obstinées. Équipée pittoresque qui nous conduit à une coda d'une puissance cuivrée témoignant de la double admiration de Sibelius pour la terre sauvage de Finlande et pour son peuple farouche. Deux leitmotivs dans les œuvres de Sibelius, notamment dans Chevauchée nocturne et lever de soleil. (Clic)

Robert Kajanus

2 - Andante mosso, quasi allegretto : [14:08] Le second mouvement n'a pas subi de modification notable entre les versions de 1915 et de 1919. Si l'allegro peut se définir comme une joute thématique entre tragédie nordique et réjouissance pastorale, l'andante sera d'atmosphère champêtre. Grand admirateur  des époques baroque et classique, Sibelius se veut chantre du bien-vivre dans les campagnes finnoises. La lecture de la partition surprend par la sobriété en termes de notes. Nous avons sous les yeux des portées qui évoquent celles de l'école minimaliste : des groupes de notes de durées égales, très peu de legato, un staccato qui ne doit pas paraître saccadé. Les musiciens sont mis à rude épreuve car il y aura pourtant un magnifique flot mélodique  ; mais attention : aucun pathos !!! Cela peut expliquer que les orchestres américains, anglais et finlandais au son plus tranchant nous offrent un Sibelius plus vibrionnant que leurs concurrents germaniques…

Bienvenue dans un univers dansant et bucolique, une musique légère, un divertimento. Quelques mesures sereines aux clarinettes, bassons et cors et des pizzicati des altos et des violoncelles simulent le battement d'ailes des oiseaux. Bien sûr les volatiles gazouillent sur un air joyeux des flûtes. Des oiseaux qui picorent aussi au rythme desdits pizzicati. L'écriture apparaît d'une simplicité a priori désarmante sur le plan du solfège, et pourtant la poésie se voit brillamment agrémentée par des touches de couleur instrumentale… [16:06] les cordes reprennent le thème énoncé aux flûtes lors de l'introduction. Donc, de nouveau, pas de forme sonate mais une suite de variations peignant divers aspects de l'imagerie musicale que se fait le compositeur de son pays et de son folklore. [18:04] Passage élégiaque dans lequel s'imposent les cordes en pizzicati, les bruissements de la forêt, ritournelles clopinantes des flûtes et des bois (on pourrait souligner un goût commun avec Mahler pour ces marches cocasses évoquant les cavalcades de la faune cachée dans les forêts de résineux et de bouleaux). La nature exaltée par Sibelius étant plus fougueuse que celle d'un Beethoven dans la symphonie "pastorale". Petit détail sur le langage orchestral : les cordes ne jouent jamais seules (sauf début du final). Très sollicitée, l'harmonie illumine par mille détails subtils une orchestration que l'absence de percussions aurait pu faire craindre un peu terne. On en est loin. [20:23] Une douce transition notée tranquillo nous entraîne vers la coda. [20:55] Reprenant le tempo et la thématique initiale, la conclusion, passionnée à souhait, joue l'apaisement dans l'univers féérique et forestier : une longue mélodie dominée par les cordes qui donnent dans les dernières mesures la parole aux hautbois, aux flûtes et aux clarinettes qui prennent congé sèchement sur une mesure syncopée, une simple noire. Comme dans l'allegro, et n'anticipons pas le surprenant final, Sibelius abandonne l'éternel et académique point d'orgue parfois criard et pompeux.

Le Dieu Ukko du tonnerre

3 - Allegro molto – Misterioso – Un pochettino largamente – Largamente assai : [23:13] La musique de Sibelius donne souvent la part belle aux chevauchées des héros de la mythologie locale (Kullervo, Lemminkäinen). L'introduction en est un exemple parfait avec ses trémolos héroïques et serrés des cordes seules (cette fois-ci) et des timbales. Dans son ouvrage consacré à Sibelius, le compositeur Éric Tanguy confie que ce passage "aurait été inspiré à Sibelius par un vol de cygnes au couchant". Belle métaphore même si nos cygnes semblent très pressés😊. Un thème ? Oui, ou plutôt un fredonnement qui serpente dans le flot musical avec d'infimes variations de hauteur, symbolisant l'empressement chaotique des volatiles… [24:30] Un second thème intervient introduit par l'harmonie. Pas n'importe quel thème, une procession, une marche inébranlable. La symphonie N°1 de 1899 baignait dans une atmosphère romantique traditionnelle. Mais la 2^ème (Clic) de 1902 innovait par son final, une marche implacable, un majestueux crescendo de 15 minutes montrait cet intérêt de Sibelius, tout comme Mahler, pour ces conclusions vaillantes. [25:27] Un infléchissement de l'orchestration apporte une grandeur crépusculaire au flot musicale. [26:18] Reprise de la mélodie survoltée initiale chantée par les hautbois et les clarinettes.

Pour le final, Sibelius a vu grand. [27.10] reprise encore et encore du thème trépidant originel. [28:11] Un développement largamente se construit à partir du second thème processionnaire, laissant imaginer une coda crépusculaire, à tort. [30:08] Le suspens surgit via un retour du second motif martial entonné avec une force minérale contenue. Une progression orchestrale vers une éloquente coda mugissante et glorieuse qui conduit dans un rugissement de cuivres et de timbales à la plus étonnante conclusion de l'histoire de la symphonie : 7 accords isolés fff en tutti sur la noire, déflagrations suivies de temps de silence absolu. Les deux derniers sont plus rapprochés par un artifice arythmique. Pour vous la faire simple : 7 coups de marteau de titan (Ukko, le Thor finlandais). Grandeur et optimisme après une 4^ème symphonie mystique et désenchantée (Clic). Faut-il entendre dans ce déferlement fanfaronnade ou exaltation célébrant un travail de longue haleine ? Chacun décidera…

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Si à titre personnel et pour de nombreux critiques, l'interprétation hardie de Barbirolli confirme l'importance de l'œuvre comme l'une des symphonies majeures du XX^ème siècle, n'en déplaise à certains, la discographie n'en est pas moins riche.

Quelques suggestions :

L'intégrale réalisée par Lorin Maazel à Vienne dans les années soixante reste une alternative, ne serait-ce que pour la beauté confondante de la Philharmonie de la capitale autrichienne (Decca – 5/6). Herbert von Karajan adoptait un style à son image, legato, mais qui plaisait à Sibelius. Seules les quatre dernières ont donné lieu à une gravure chez DG à cause d'une affaire fumeuse de contrat avec EMI. Beaux enregistrements analogiques des années 60. Je préfère quand même la rigueur ascétique et sauvage de Barbirolli. (DG – 5/6).

Un disque intéressant complète cette sélection. Osmo Vänskä a enregistré sur un même CD avec l'orchestre de Lahti les deux versions connues de 1915 et de 1919. Certains critiques ont crié au génie, classant cette interprétation au même niveau de bravoure que celle de Bernstein à New-York dans les années 60 (hélas indisponible, une intégrale avec laquelle j'ai découvert le cycle des symphonies fin des années 60). Mouais ! L'orchestre manque quand même de la précision exigée par le langage, j'avoue : je m'ennuie. Par contre, l'écoute de la première mouture montre la maturation de l'œuvre dont la coda démente n'existait pas. Une curiosité (BIS – 4/6). Je propose cette interprétation de la version de 1915 (la première gravure à mon sens) à votre arbitrage.

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