L'album maudit part II‏ – par Vincent le Chaméléon

L’autre jour, dans votre Déblocnot’ préféré, je vous avais convié à la redécouverte d’une poignée d’œuvres maudites de la sphère Hard et Metal. Et oui mes Frères ! Même des institutions telles que Motörhead, Megadeth ou encore Metallica auront commis le crime de dévier de leur trajectoire initiale, le temps d’un album. Le temps d’un album maudit. 

Qu’ils soient controversés, incompris, parfois ratés ou tout simplement diamétralement opposés a l’univers musicale dans lequel ces formations avaient alors jusque-là naviguées, je vous invite une nouvelle fois à nous replonger ensemble dans quelques-uns de ces albums que d’autres grands noms du Hard et du Metal auront eux aussi un jour osé réaliser.

Commençons par l’un des plus prestigieux d’entre eux, JUDAS PRIEST.

Moderne un jour…

Certes, le groupe de Rob Halford et de Glen Tipton est un peu à l’image d’une autre éminence du Rock : Queen. Car comme elle, cette autre institution anglaise n’aura que très rarement joué la carte de la redite. Il n’y a cas comparé entre eux des albums tel que Point of Entry, Painkiller  ou, plus récemment, le très conceptuel Nostradamus, pour simplement se rendre compte du fossé qui sépare des albums tels ceux-là. Pourtant, si cette composante aura vraisemblablement contribué a la longévité d’une formation telle que celle-ci, l’album Turbo en aura ébranlé plus d’un à sa sortie. Justement ! C’était il y a tout juste 30 ans.

Ce qui de suite nous avait sauté aux oreilles, c’est le son aseptisé, nettoyé et lustré à l’extrême qui introduisait le morceau d’ouverture. Damned !!! JUDAS PRIEST, le groupe de Heavy Metal par excellence, avait-il cédé aux sirènes commerciales à ce point-là ? Injectant à sa musique une dose de synthés si prononcée que s’en était à se demander si, 2 ans plus tôt, il s’agissait bien du même groupe ayant publié un disque aussi puissant que le furieux Defenders of the Faith ? Où étaient ainsi passées les guitares racées et énervées de la paire Downing et Tipton ? Qu’étaient-elles devenues ? Ce premier et très amer premier constat était en plus rapidement relayé par un son de batterie tellement lisse que s’en était à croire qu’une quelconque machine s’était presque emparée du siège de Dave Holland.

En vérité, de synthés et autres claviers il n’y avait point sur ce disque. Simplement, disque formaté pour séduire en grande partie le marché américain, les membres de JUDAS PRIEST n’eurent momentanément pas d’autres choix que celui de s’adapter un tant soit peu aux nouvelles productions de l’époque. Et ce, jusque dans son aspect physique à grand renfort de tenues bariolées et de coiffures permanentés. Le Hard FM ayant fortement accru sa côte de popularité en ce milieu des années 80, ceci expliqua donc cela.

Ainsi Turbo est-il porté tout du long par des guitares aux sons très synthétiques. Qu’à cela ne tienne, car en quelques 40 minutes, ces nouvelles compositions s’avèreraient parfaitement ciselées et maitrisées, tandis que la complémentarité des guitares de KK Downing et de Glenn Tipton demeure ce qu’elle avait jusque-là toujours été, c’est à dire exemplaire.

Ses mélodies étant ce qu’elles sont, et tout formaté qu’il soit, Turbo est un album tout à fait réussi, dans le registre qui est le sien: Le Hard Heavy FM.

Soulignons aussi qu’en faisant le choix, certainement délibéré, de canaliser son chant comme jamais auparavant, Rob Halford y délivrait aussi une formidable prestation vocale.

Qu’on le veuille ou non, Turbo restera donc un disque important dans la discographie fournie du groupe, même si 3 décennies plus tard, sa modernité d’hier n’est forcément plus tout à fait là même.

On pourrait tout à fait affirmer que JUDAS PRIEST aura été un précurseur (comme souvent dans sa carrière d’ailleurs) tant les sons synthétiques et les programmations seront devenus une composante importante dans la création musicale de ces 20 dernières années (au moins).

Mais là où tout semble s’être considérablement accéléré (démocratisé ?), c’est bien à l’orée des années 2000. Tenez ! Prenons les 3 exemples qui vont suivre.

Paradise Lost dites-vous ?

S'il est un groupe qui aura fortement déplu à son fan-base à l’époque, c’est de toute évidence les anglais de PARADISE LOST.

Les membres de PARADISE LOST créé dans les années 90, s’étaient d’abord fait connaitre dans un registre très sombre où le chant Death d’un certain Nick Holmes était porté par un Metal ouvertement Gothique. Des albums tels que Icon ou Draconian Times font encore aujourd’hui office d’œuvres fondatrices “majeures” dans la discographie aujourd’hui fournie d’un tel groupe.

C’est pourtant bien en 1999 que PARADISE LOST va créer stupeur et déception chez ses fans les plus fervents. Comment ce groupe a-t-il pu faire le choix aussi risqué de prendre à contre-pied ses fans les plus reconnaissants et les plus dévoués ? Mystère. Toujours est-il que voilà bien un disque complètement “à part” dans tout ce qu’aura produit le groupe à ce jour.

Host est-il à considérer comme un album de Metal ? A son écoute, j’affirme que non (et je suis loin d’être le seul). La raison principale étant qu’il n’y a là aucune trace de guitares au son saturé. Composante essentielle s'il en est au sein d’un style aussi caractéristique que celui-ci. Ajoutons à cela des couches et des couches de programmations et de synthés épaisses comme de la glace et vous aurez un premier aperçu de la teneur d’un disque comme celui-ci.

Le chant de Nick Holmes, s'il demeure sombre, ne rappellera en rien la manière dont il appréhendait le chant quelques années auparavant. N’en jetez plus, les fans crient aussitôt a la trahison et nombreux seront ceux qui parleront, a raison, d’un pur suicide commercial. Et il leur en faudra du temps aux PARADISE LOST avant de retrouver tout leur crédit d’antan.

Certes Host est un album qui tient parfaitement la route dans sa catégorie, à savoir une Pop Dark empruntant largement à Depeche Mode. Celui de l’album Ultra (1996) principalement.

Et puis comme si cela ne suffisait pas, le groupe choisissait également de rompre avec son esthétique. Aaaargh !!!! Z’ont coupés leurs cheveux longs. Pour le Métalleux de base, c’est le coup (la coupe) de trop. Souvenez-vous du tollé qu’avait suscité Metallica, au sortir de Load, pour de semblables raisons. Rien moins qu’un “pousse au crime”.

La même année, c’est au tour des vétérans de SCORPIONS de tenter le pari du renouveau artistique. Il faut dire que les années 90 n’auront pas été de tout repos pour bon nombre de nos anciennes gloires des 70’. SCORPIONS n’échappant pas à de multiples difficultés pour maintenir son bateau à flot. Epreuves qui auraient pu avoir raison de n’importe quelle autre formation. Mais cette fichue bestiole a décidemment la peau très dure…

Aïe too aïe !

Ne tournons pas autour du pot, Eye to Eye ne peut être qualifié, estampillé, labellisé sous l'appellation que celle de "Scorpions".

Est-ce à dire que, parce que l'on n'y retrouve pas (ou si peu) ses marques, Eye to Eye soit automatiquement à ranger dans la catégorie des albums dit "de Mer**" ? Difficile de répondre catégoriquement et avec certitude à une telle question.

Certes, la première chose qui choque, c'est évidemment l'option du son effectué sur la batterie. Sèche comme elle l’est on croirait entendre plus souvent une boite à rythme plutôt qu’une vraie batterie. C'est pourtant bien James Kottak qui cogne ici. Et si les rythmes qu'il insuffle son plus variés que jamais, Dieu ! Que tout cela sonne plat et froid.

Difficile également de reconnaitre le jeu de Mathias Jabs. Pourtant, reconnaissons que le guitariste ose proposer de nouvelles choses et que la plus part de ses interventions sont particulièrement inspirées.

De son côté, on peut aussi se demander ce que Rudolph Schenker est venu faire dans cette drôle d'aventure, tant cet album oscille en permanence entre réminiscences Hard Rock et une sorte de Pop hybride vaguement électro par endroits.

Klaus Meine quant à lui s'essayait à de nouveaux registres vocaux au point d’en devenir parfois même assez méconnaissable.

Eye to Eye est donc loin d'être un disque inintéressant, puisqu'il demeure d'abord un disque d'expérimentations. A son sujet, il me fut même rapporté qu’initialement ce disque aurait dû être le premier album solo de son chanteur. Voilà qui expliquerait mieux de tels choix artistiques sur cet album plein à craquer. Avec 14 titres pour plus d’une 1 heure de musique, on frôle même par endroits l’indigestion. Par conséquent, il arrive (quand je l'écoute) qu'il me plaise assez (à cause justement de sa singularité) et puis parfois c'est tout l'inverse, il m'agace au plus haut point.

Etrange album que celui-là dont on ne sait en définitif pas trop quoi en penser.

On pourra s’étonner que j’associe le nom de JOE SATRIANI a celui de tous ces noms liés au Hard et au Metal. C’est oublier un peu vite que sa notoriété et son statut de Guitar Hero, c’est belle et bien au sein de cette famille là que le guitariste l’avait initialement acquis. Tenez, il y a a peine quelques jours encore, JOE était justement invité à venir se produire pour la première fois au célèbre festival du HellFest. Je doute d’ailleurs qu’un seul extrait de Engine of Creation ait fait partie de la set list ce soir-là.

Electro choc

A sa sortie en 2000, nombre de fans s’étaient d’ailleurs empressés d’apparenter le disque a de la Techno. Non mais quelle bouffonnerie !

Que Engines of Creation ait déconcerté et même déplu a beaucoup de monde, je veux bien l’admettre. Surtout envers tous ces mélomanes qui ne jurent et/ou ne prêchent que pour une seule paroisse. La guitare Rock, pour eux, ne pouvant se conjuguer qu’à travers des instruments rythmiques tels que la basse et plus encore la batterie. Sauf que voilà, pour ouvrir ce nouveau millénaire, JOE SATRIANI, aidé d’un certain Eric Caudieux, osa le mariage contre-nature de la guitare Rock à celle de sonorités liées habituellement a celui de l’univers de la musique électronique. Partant de là on abordera ce disque d’une façon totalement nouvelle puisque effectivement Engines of Creation est rempli de programmations rythmiques, allant même jusqu’à jouer sur le registre que celui de la Jungle. C’est dire si ici la pulsation est parfois élevée.

Ce qui rend surtout cet album passionnant, c’est que grâce aux assemblages et montages sans limite que permet la programmation, le guitariste s’autorise beaucoup de choses. Et tout d’abord à aller là où bon lui semble. Quelques morceaux supersoniques par endroits, plus aériens, atmosphériques et limpides à d’autres... Engines of Creation emprunte finalement à plusieurs courants et permet ainsi un vrai voyage sensoriel loin des sentiers rabattus que la guitare instrumentale engendre si souvent à force de prouesses simplement techniques.

Evidemment une telle œuvre n’aura pas réussi a vraiment trouver son public, pour les raisons invoquées plus haut. Les clivages et autres a priori se chargeant généralement de diviser et de sectoriser les univers musicaux entres eux.

Il n’en reste pas moins que ce disque est pour moi l’un des albums les plus audacieux et réussis que le presque sexagénaire guitariste ait réalisé durant sa prolifique carrière.