Richard STRAUSS – Ainsi parla Zarathoustra – Rudolf KEMPE - par Claude Toon

- B'jour M'sieur Claude… Mais ce n'est pas une pochette de disque… On dirait l'un des premiers plans de 2001 Odyssée de l'espace de Kubrick !!

- Très bien vue Sonia, Luc va être content, c'est l'un des films de sa vie. J'ai choisi cette image car on entend l'intro de Ainsi Parla Zarathoustra lors de cette séquence…

- Ah oui, ça me dit quelque chose : Paa Paa Paaaaaaaaaa, un air puissant devenu la signature de la B.O. du film…

- Oui et sans doute un passage un tantinet pompier, mais le poème symphonique, qui dure une bonne demi-heure, réserve bien d'autres bons moments…

- Donc, si j'ai bien suivi, l'occasion de parler de Richard Strauss qui n'a encore jamais eu sa chronique perso il me semble…

- Affirmatif !!!

Non ! Il n'y a aucun lien de parenté entre le bavarois Richard Strauss et la dynastie des Strauss qui régna en maître sur la valse à Vienne à la fin du XIX^ème siècle (voir article Le beau Danube bleu), valses et polkas faisant toujours les riches heures du concert du nouvel an à Vienne.

Il est impossible d'explorer l'univers d'un des compositeurs allemands majeurs en une seule chronique. Comme Brahms, il a été découvert tardivement en France, et son style de composition n'est pas toujours aussi accessible qu'il y paraît. Très particulière, son écriture riche de leitmotiv et de variations, même si d'apparence postromantique est à contre courant des recherches contemporaines de Bartók ou de Schoenberg et l'École de Vienne. Écouter Strauss, c'est partir en croisière sans escale dans un flot musical sans thèmes bien déterminés ni pauses marquées entre des mouvements ne répondant pas toujours à la forme sonate usuelle.

Né en 1864 à Munich (4 ans après Mahler), sa longévité (il meurt en 1949) va lui permettre d'aborder tous les genres et de traverser tous les bouleversements historiques, de la fin de l'empire germanique, à la chute du III^ème Reich, en conservant une grande cohérence dans ses choix musicologiques… Son père, musicien conservateur, lui enseigne la musique d'essence et de forme classique représentée à l'époque par Brahms, par opposition aux aventures tonales d'un Wagner, qu'il déteste.

Richard Strauss sera avant tout un mélodiste et un homme de théâtre et d'orchestre. Sa production éclectique est de qualité inégale. Il est surtout connu pour ses opéras et ses poèmes symphoniques. On y trouve des chefs-d'œuvre : Une vie de Héros, Don Juan, Don quichotte avec violoncelle et alto solo… d'autres un peu trop expansifs mais appréciés par le public : Ainsi parla Zarathoustra et la symphonie Alpestre (qui n'a de symphonie que le nom), et enfin des pseudos symphonies à programme faiblardes et rarement jouées dans nos contrées comme Aus Italian et la Sinfonia domestica dont on peut se passer…

C'est par l'opéra que Richard Strauss entrera dans la postérité. Il est important de souligner que c'est la qualité de ses librettistes et l'ivresse sonore de l'orchestration qui hissent ses opéras à un niveau superlatif. Pour les premiers, se sont deux sujets dramatiques et sanglants : Salomé à partir de la pièce d'Oscar Wilde, puis le terrifiant Elektra d'après une tragédie de l'écrivain Hugo von Hofmannsthal qui écrira aussi le livret d'un 3^ème opéra plus romantique : Le chevalier à la rose. Salomé est un projet de chronique 2014…

Richard Strauss a beaucoup écrit pour la voix féminine, soprano de préférence. Ces lieder renouent avec le génie de ceux de Schubert, et sa dernière composition sera un cycle avec orchestre appelé simplement "4 derniers Lieder", autre sujet à aborder.

Richard Strauss a 70 ans quand Hitler arrive au pouvoir. Ses origines allemandes et sa notoriété semblent le mette à l'abri, et il est nommé président de la Chambre de Musique du Reich. Et pourtant, il n'hésite pas à travailler avec l'écrivain juif Stefan Zweig pour l'opéra la Femme silencieuse. Il refusera à Goebbels d'ôter le nom du librettiste sur l'affiche lors de la première en 1935… Pour certains, Strauss, en acceptant ce poste, espérait sans doute éviter que la musique jouée en Allemagne se limite uniquement à Beethoven, Wagner et Bruckner…

Après la guerre, le vieil homme est déconcerté par la tragédie et l'apocalypse que vient de traverser son pays. Comme je l'avais écrit dans un article à propos de Métamorphoses pour 23 cordes écrit en avril 1945, tentative musicale d'exorciser sa détresse après la folie du bombardement de Dresde et ses 150 000 victimes. Strauss culpabilise et sait que l'histoire culturelle de l'Allemagne a été rayée de la carte par une armée de butors sanguinaires. Un peu tard.

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Rudolf Kempe voit le jour en 1910 à Dresde. Il est donc un contemporain de chefs illustres comme Herbert von Karajan (1908), Antal Dorati (1906), Georg Solti (1912)… Je cite ces grands chefs d'orchestre qui ont marqué l'histoire du disque, et font encore le chiffre des labels comme Dgg ou Decca. Ce qui n'est pas le cas de Rudolf Kempe dont pourtant le talent n'avait rien à envier à ce trio de maestros. Deux explications à ce manque de reconnaissance posthume :

Rudolf Kempe est mort prématurément en 1976 d'une attaque. À 65 ans, il avait l'âge où, contrairement aux instrumentistes virtuoses, un chef d'orchestre de génie atteint grâce à des décennies de travail la maîtrise totale de son art et la notoriété planétaire.

Kempe était un musicien très exigeant quant au choix des gravures qu'il souhaitait réaliser, et la discographie stéréophonique qu'il nous a léguée est donc restreinte, même si lors de confrontation en aveugle, ces enregistrements dament le pion à bien des disques pourtant plus récents. Ainsi dans l'article consacré au Requiem Allemand de Brahms, j'avais cité sa version légendaire réalisée à l'époque monophonique et tenant la dragée haute à celles de Karajan, Klemperer ou Giulini.

Formé dans la grande tradition germanique, Kempe s'effaçait devant la partition avec un style limpide et précis. Sa direction au scalpel, mais sans froideur, est immédiatement reconnaissable. Et ces qualités sont toujours les bienvenues pour la clarté qu'elles apportent au disque où la compression de la dynamique, et le manque de relief, desservent l'acoustique, effacent les petits détails en donnant une sonorité brouillonne aux masses orchestrales. L'artiste était donc bien l'homme de la situation lorsqu'il décide de graver l'intégrale de l'œuvre symphonique de Richard Strauss pour EMI au début des années 70, au crépuscule de sa carrière. L'orchestration de Strauss est imposante, et c'est l'orchestre le plus habile dans les méandres symphoniques imaginés par le compositeur qui fut retenu : l'Orchestre de la Staatskapelle de Dresde. Un ensemble prestigieux fondé en 1548 !!!

Et fidèle à Strauss, Kempe a tout enregistrer (9 CD toujours au catalogue), même les daubes comme Schlagobers-Waltz (Crème fouettée en français, passons). Dans cette anthologie inégalée, il faut applaudir l'ingénieur du son Claus Strüben qui a su se jouer des délires orchestraux de Strauss qui, je le précise, était comme Mahler un excellent chef d'orchestre et pouvait ainsi "se faire plaisir" dans ses propres partitions.

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Ainsi parla Zarathoustra est une libre adaptation musicale du poème éponyme de Friedrich Nietzsche écrit entre 1883 et 1885. Le philosophe allemand voulait écrire un "cinquième évangile" s'inspirant des dogmes monothéistes de l'ancienne religion perse : le Zoroastrisme, religion fondée par le prophète Zoroastre au VII^ème siècle av. J.-C.. On y rencontre des points communs avec les fondements du judaïsme : le monde est issu du néant, l'homme doit coopérer avec le divin en respectant la morale du bien qui s'oppose au mal pour atteindre le salut. Pour Nietzsche, le respect de ces pratiques dans le monde nouveau doit permettre de créer le surhomme. (Que les profs de philo me pardonnent une synthèse sans doute fort simpliste.) À partir de ce long poème philosophique, en 1896, Strauss a construit son œuvre en une introduction et 2 parties comportant chacune des passages enchaînés, 6 pour la première, et 3 pour la seconde :

1 - Introduction (bien connue des cinéphiles)

2 - De ceux des mondes de derrière

3 - De l’aspiration suprême

4 - Des joies et des passions

5 - Le Chant du tombeau

6 - De la science

7 - Le Convalescent

8 - Le Chant de la danse

9 - Chant du somnambule

Le timing indiqué dans le texte est celui de la vidéo proposée en fin d'article.

[0'00"] Qui n'a pas frémit (ne serait-ce qu'au cinéma) en écoutant les premières mesures sombres et titanesques exprimant le chaos primitif. La plupart du temps, ça passe mal sur les matériels de qualité moyenne, et l'on n'entend guère qu'un bruit sourd. En concert ou en HIFI il n'en est rien, et on découvre que Strauss a très habilement inventé un son global, riche d'une obscurité cosmique. Cette ambiance nocturne est obtenue avec un contrebasson jouant sans respiration un sépulcrale la à l'octave inférieur, un trémolo d'une dizaine de contrebasses sur la même note et un roulement de grosse caisse assuré par deux percussionnistes utilisant 4 mailloches. Une discrète pédale de l'orgue peut lier l'ensemble. Nous sommes de plain-pied dans le génie de l'orchestration de Strauss. Ce n'est pas un bruit mais un son immense venu du fond de l'univers, l'attente de la lumière. Sur 9 disques sur 10, c'est très confus. Mais grâce à Rudolf Kempe et Claus Strüben, chaque instrument se détache de la masse. Appel des 4 trompettes à la 5^ème mesure, suivi d'une clameur cinglante des autres cuivres et des cordes. La timbale conclut ce "Big bang" symphonique. Cette fanfare va être répétée 3 fois avant un développement qui se termine par un coup de cymbales et une note tenue à l'orgue. Ce passage archiconnu est hélas en général un peu pompier. Ici la maîtrise de la direction redonne la parole au verbe, à la voix du prophète louant la création et la lumière du premier jour. Rudolf Kempe distribue avec minutie les rôles de chaque groupe instrumental. De grandiloquente, l'interprétation bascule alors vers la majesté, ce qui n'est pas du tout la même chose. Certain y voit un lever de soleil, la lumière révélée aux hommes.

Pour la petite histoire, Elvis Presley faisait jouer cette impressionnante intro en début de ses concerts dans les 70' ! Nietzsche – Strauss - Le King - Kubrick même combat… C'est fou non ?! La beauté du son de la Staatskapelle de Dresde et la dynamique sont époustouflantes. On entend rarement de telles prises de son de nos jours : les aigus éclatants des cuivres, la chaleur soyeuse des cordes, l'air qui circule entre les pupitres de cet orchestre gigantesque…

[7'12] Le passage Des joies et des passions est souvent source d'exercices de virtuosité orchestrale tonitruantes. Ici, Rudolf Kempe nous livre avec brio, mais sans outrance, cette ivresse sonore caractéristique du style straussien. Les mélodies s'entremêlent, festives et voluptueuses, avec un violon solo sensuel et gracile. [11'30"]. Dans Le chant des tombeaux, la musique se fait errance et rêve. Ces entrelacs mystérieux des cordes font penser aux techniques que Strauss emploiera plus de quarante ans plus tard dans metamorphosen. Rudolf Kempe évite de faire mugir les contrebasses, ce qui risquerait de masquer l'entrée ludique de la petite harmonie et des harpes. [14'02"] De la science est une folie orgiaque où, là encore, Kempe évite les effets appuyés. [16'55"] Le début de Le Convalescent laisse l'orgue conclure avec plénitude cette première partie.

La seconde partie commence quelques minutes après le début de Le Convalescent. C'est une étrange et facétieuse course poursuite des cordes qui aboutit à un trait vif de trompette et à un babillage des bois, une jeunesse retrouvée, une course après la vie. Rudolf Kempe, je ne le dis plus, contrôle chaque note de son orchestre vif-argent. Des percussions diverses (Glockenspiel et triangle) viennent enjouer cette convalescence… [20'52] Le thème des trompettes entendu dans l'introduction, leitmotiv de l'ouvrage, se fait entendre discrètement pour annoncer Le Chant de la danse. C'est une valse tendre et fantasque avec violon solo. C'est un passage aux accents viennois (un peu trop). On y ressent une langueur, un plaisir profane, et surtout de jolies variations à partir de divers motifs dispersés dans les parties précédentes. Ce principe de citations propagées dans toute la partition est une signature de l'art de Strauss et pose chez certains mélomanes une difficulté à l'écoute. Dans la plupart des œuvres classiques, les thèmes sont utilisés dans LEUR mouvement porteur (forme sonate). On trouve les premières exceptions chez Beethoven (9^ème symphonie, 4^ème mouvement) et surtout chez Bruckner. [28'40"] De violents sons de cloches introduisent l'ultime Chant du somnambule. La musique se calme pour devenir plus sereine et onirique. Strauss voudrait-il souligner ainsi la paix du salut promis par Zoroastre ? Chacun se fera son opinion… L'orchestre s'envole vers une conclusion secrète et diaphane colorée par les aigus de flûtes et des violons.

L'œuvre présente quelques faiblesses et lourdeurs, mais les tempos enlevés de Rudolf Kempe, et l'absence absolue de pathos germanisant font de ce disque l'une des références incontournables.

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Impossible d'ébaucher une discographie alternative sans parler d'Herbert von Karajan. Il a enregistré plusieurs fois ce poème à Vienne ou à Berlin. (La monophonie dessert trop la complexité de l'orchestration et je fais l''impasse sur les enregistrements trop anciens ; avis personnel.) Un consensus a lieu pour considérer que sa version à Vienne de 1959 est la plus engagée (c'est cette gravure que l'on entend dans 2001 Odyssée de l'espace). J'ai aussi un faible pour la celle réalisée à Berlin en 1973 avec Michel Schwalbé au violon solo. On est grisé par la beauté plastique de la philharmonie de Berlin, même si le son enveloppant masque certains détails (Decca et Dgg – 4,5/6).

En 1954, RCA enregistre les deux premiers vinyles stéréophoniques de l'histoire avec l'orchestre symphonique de Chicago. Fritz Reiner choisit deux poèmes symphoniques de Richard Strauss : Une vie de Héros et Ainsi parla Zarathoustra. Les deux gravures sont désormais réunies sur un CD, et 60 ans plus tard elles n'ont pas pris une ride. C'est fulgurant d'énergie et somptueux. Une légende de l'histoire du disque (RCA – 5/6).

J'avais mentionné dans l'article sur "Les planètes" de Holst centré sur la version de William Steinberg le complément de haute volée que constituait sa vision survoltée de Ainsi parla Zarathoustra, un ouragan. L'Orchestre Symphonique de Boston est au firmament, galvanisé par ce chef qui avait fuit le nazisme et n'a pas eu une carrière en adéquation avec son immense talent. La meilleure prise de son de tout le palmarès.(Dgg – 4,5/6)

Enfin, il faudrait parler de Karl Böhm (Dgg) et même de Strauss par lui-même (disque très rare au son bien approximatif). Une œuvre très bien servie au disque…

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