BARTÓK – Georg SOLTI (2) Musique pour Cordes, Percussions & Célesta… par Claude Toon

- Mais ! Monsieur Claude, n'avez-vous pas déjà parlé de Béla Bartók et de Sir Georg Solti la semaine passée ?

- Si, si ma chère Sonia, mais ce disque est tellement dense et emblématique que j'ai préféré le commenter en deux épisodes…

- Ah je vois, c'était sympa le Concerto pour Orchestre, cette semaine c'est quoi ?

- Une œuvre de forme peu classique : La Musique pour cordes, percussions et célesta, une orchestration unique en son genre.

- Humm, c'est quoi un célesta Monsieur Claude ?

- Je vais y venir ma petite Sonia….

Comme le disait Sonia, il y a une semaine, nous avons profité du centenaire de Georg Solti pour découvrir l'un de ses plus beaux disques consacré à des œuvres essentielles de Béla Bartók, et pour tout dire du XX^ème siècle. Et cette dernière remarque s'applique vraiment pour cette Musique pour cordes, percussions et Célesta qui termine l'album. Après le Concerto pour Orchestre qui le débute, ce CD généreux propose également la Suite de Danses, une œuvre colorée et divertissante dont je dirai quelques mots. Un CD de 1H20, Decca n'est pas chiche…

BARTÓK et Paul SACHER

La biographie de Bartók est détaillée dans l'article précédent (clic). N'y revenons pas, mais attachons-nous à cette période de grandes difficultés morales pour le compositeur. Dès 1933, il honnit le régime Nazi et la complicité du gouvernement du régent Horty qui place la Hongrie dans la dépendance du l'Allemagne nazie, notamment en terme d'antisémitisme et d'opposition à l'art moderne, musical ou pas, considéré comme "art dégénéré".

En 1937, Bartók reçoit une commande de Paul Sacher, l'une des personnalités du monde musical les plus fascinantes du XX^ème Siècle.

Paul Sacher et la musique du XX^ème Siècle

Les compositeurs ne vivent pas que d'amour et d'eau fraîche ou d'aubades à leur bien-aimée ! À l'époque baroque (Bach) et classique (Mozart, Haydn), ils sont salariés d'un protecteur : un noble ou un cardinal. A l'époque romantique, le compositeur commence à se libérer de cette contrainte, et vit de commandes et de l'enseignement qu'il peut donner. Pour certains, c'est la fortune assurée (Wagner), pour d'autres, c'est la misère (Berlioz). Avec la disparition progressive des monarchies, les musiciens vont souvent cumuler les revenus, récoltés grâce aux commandes, à la direction d'orchestre (Mahler), comme concertiste virtuose (Rachmaninov), ou encore comme professeur. Mais il reste des commandes de mécènes fortunés de la bourgeoisie. Le suisse Paul Sacher est synonyme de Mécène !

L'homme voit le jour à Bâle en 1906. Son métier : industriel. Il est riche et son mariage avec l'héritière du groupe Roche va le rendre… immensément riche ! Amoureux de musique, il suit en amateur les cours de Felix Weingartner, écrivain, compositeur, pianiste et chef d'orchestre ! Autodidacte de génie, Paul Sacher fonde son premier orchestre à Zurich, le Collegium Musicum en 1941.

Il va diriger des centaines de concerts, mais surtout commander environ 300 partitions originales à la crème des compositeurs du XX^ème siècle. La liste (raccourcie) défie l'imagination : Bohuslav Martinu, Arthur Honegger (symphonie N°2 et 4), Paul Hindemith, Hans Werner Henze, Richard Strauss, Elliott Carter, Witold Lutosławski, Henri Dutilleux… et Béla Bartók qui va écrire le divertimento pour cordes (en 1939, à Berne avant son départ pour les Etats-Unis), et La Musique pour cordes Percussions et Célesta en 1936. Cette œuvre singulière aurait suffi à elle seule à immortaliser les deux personnages.

Certes Paul Sacher avait du fric (à sa mort en 1999, c'est la plus grosse fortune d'Europe), mais il l'a investi sans compter au service de l'innovation artistique à un niveau superlatif. Pour les 70 ans de Sacher, Rostropovitch commanda à son intention 12 morceaux à 12 compositeurs contemporains. Chaque œuvre devait comporter le motif S.A.C.H.E.R. en notation anglo-saxonne (mi/b, la, do, si, mi, ré). Dans la liste des 12, on compte des noms comme Pierre Boulez, Witold Lutosławski, Benjamin Britten.

Georg Solti et l'Orchestre symphonique de Chicago

Revenons rapidement sur la carrière discographique de Georg Solti concernant Bartók. Solti fût l'élève du compositeur à Budapest et devint l'un de ses plus brillants serviteurs au disque. Dès l'avènement du microsillon, il grave en 1952 la musique pour cordes, percussions et célesta et le Mandarin Merveilleux, un disque réédité par le label Archipel. En 1965, il enregistra, avec plus de fougue et de pugnacité qu'à Chicago en 1981 & 1989, le Concerto pour Orchestre et la suite de danses pour Decca avec l'orchestre symphonique de Londres. La qualité des prises de son de cette époque font encore de ce disque une référence.

Le disque commenté depuis deux semaines est donc au moins la troisième mouture dans ce parcours. Il est fort difficile de les départager, voire impossible et même sans intérêt. Ce sont de grands crus, les arômes varient subtilement… Parlons un peu de cet orchestre de légende : le Chicago Symphony Orchestra.

Cet orchestre a été créé en 1891 à l'initiative de Norman Fay, un riche mécène. C'est l'une des plus anciennes phalanges US. Voilà 100 ans que l'orchestre se produit dans la belle salle du Symphony Center complex de Chicago de l'architecte Daniel H. Burnham.

Pour comprendre comment l'orchestre a pu se hisser au sommet parmi les orchestres américains (avec ceux de Cleveland, New York, Boston et quelques autres), il suffit de regarder la liste des directeurs musicaux d'exception qui se sont succédés à son pupitre, quasiment sans discontinuité (les mélomanes et discophiles apprécieront) : Theodore Thomas, Frederick Stock, Artur Rodziński, Rafael Kubelik, Fritz Reiner (de 1950 à 1963), Jean Martinon (de 1963 à 1968) Sir Georg Solti (de 1969 à 1991 !), Daniel Barenboim, Bernard Haitink et depuis 2006 : Riccardo Muti. J'ai assisté à un concert à Paris en 2011. La puissance conjuguée à une sonorité éclatante mais subtile, sans entorse à la clarté, est bluffante. J'ai rarement entendu une telle énergie tellurique en écoutant un orchestre. Comme nous l'avons vu dans la discographie alternative, Pierre Boulez a souvent dirigé cet orchestre hors norme pour enregistrer Bartók.

Musique pour cordes, percussions et célesta

Il n'existe aucune œuvre similaire en termes d'orchestration et de disposition des instruments. Donc ce n'est ni un concerto, ni une symphonie, mais tout simplement "une musique", d'où le titre. Le seul point commun avec la musique du passé est l'organisation en quatre mouvements calquée sur celle des sonates de Bach.

Pour la disposition, je n'ai trouvé que ce schéma (un peu brouillon) proposé par Solti lors de son enregistrement pour Decca. Nous avons au centre le piano puis le célesta qui séparent deux groupes de cordes classiques (1^er et 2^nd violons, altos, violoncelles et contrebasses). Enfin, disposés en arc de cercle et au fond : les percussions : timbales, grosse caisse, cymbale, tam-tam, 2 tambours piccolo, 1 xylophone, sans oublier une harpe.

Je vous épargne le graphe d'analyse de la fugue initiale, sinon vous allez penser que l'on fait de la physique de haut-vol… Bartók était l'un des plus grands explorateurs et théoriciens du son en son temps. Je vous rassure tout de suite, cette science n'a qu'un seul but : créer de la beauté et des émotions nouvelles !!!!

Ces choix orchestraux et topologiques ne se limitent pas à exiger des organisateurs de tout déménager sur la scène pendant l'entracte. Ils permettent d'obtenir des sonorités étranges et diaphanes à travers le dialogue et les échos entre chaque groupe d'instruments. Voyons voir cela…

L'œuvre a été créée en janvier 1937 par Paul Sacher. Et puis, ah oui un célesta ?

- Sonia ! J'ai mis une petite image d'un célesta en face des titres. Il 'agit d'un petit piano droit dont les cordes ont été remplacées par des bandes de métal. On peut ainsi jouer beaucoup plus de notes que sur un xylophone et monter plus haut dans l'aigu.

1 - Andante tranquillo : (6'34") les amoureux de 2001 Odyssée de l'Espace (Luc ?) et de la musique spectrale qui accompagne le vaisseau dans l'espace seront en pays connu avec la fugue initiale notée andante. La première voix en forme de thrène surgit d'un néant crépusculaire. Le thème est repris en seconde voix à [0'23"]. 17 séquences vont ainsi se succéder dans cette fugue d'une très grande simplicité à l'écoute, même si son écriture en est fort savante (jusqu'à 6 voix). Lors d'échanges sur FB et de visu, chacun exprime des sentiments intimes les plus variés à l'écoute de ce lent crescendo élégiaque : de la musique "flippante" à la rêverie, en passant par la ballade nocturne dans une forêt. Il semble que le compositeur ait souhaité n'imposer aucun sentiment déterministe à l'écoute de sa musique, même s'il disait à ses musiciens "entendez la mer qui enfle".

Cette musique sonde nos émotions les plus profondes et les plus éthérées. Et si cette musique pure (dans tous les sens du terme) agissait comme les techniques de psychothérapie transactionnelle ? Vous savez la fameuse question "détendez-vous et dites-moi tout ce qui vous passe par la tête…". [3'36], les percussions interviennent, non pour dramatiser, mais pour libérer les sourdes tensions internes présentes depuis l'introduction. [3'39"] Numérologie et harmonie obligent, le roulement de cymbales, point culminant du développement est placé en respectant le nombre d'or. [5'21"] Quelques notes du célesta se font entendre pour illuminer délicatement le début de la coda qui plonge dans la sérénité. Les cordes de Chicago s'étirent, se lovent dans une étoffe de velours soyeux, un tissu un peu froid. Georg Solti guide son orchestre avec un tempo tellement régulier, que l'on a l'impression oppressante de ne jamais pouvoir échapper aux volutes de la fugue. Le chef s'attachait à respecter les partitions à la lettre. L'absence totale de rubato dans cette page en est une excellente confirmation.

2 – Allegro : Des pizzicati, immédiatement prolongés par une joyeuse et sautillante mélodie des cordes appuyée par des coups de timbales résolus, introduisent ce mouvement dont l'alacrité tranche nettement avec la nostalgie de l'andante qui débute l'œuvre. [0'18"] Bartók adopte un climat percussif pour le premier développement. Le discours se fait très concertant : les cordes placées à gauche badinent avec celles placées à droite, le piano illumine ces ébats auquel se mêlent les caisses claires. [2'12"] La musique fait place à un échange volubile entre le piano, le célesta et les percussions, le tout auréolé par les phrases des cordes qui se font plus discrètes. [2'48"] Une séquence staccato, allègre et grisante met en jeux tous les instruments de cet ensemble orchestral atypique. Ludique et magique, ce passage servait de générique à une émission "Télé-Philatélie" présentée par Jacqueline Caurat dans les années 60-80. (Ok, ce n'est pas un souvenir de jeunot, mais cela montre comment Bartók a été rapidement un compositeur reconnu et aimé.) [3'26"] Divers développements, faisant appel, à l'évidence, à des airs de danses et des rythmes folkloriques de Hongrie collectés par le compositeur, vont conduire ce joyeux mouvement jusqu'à sa conclusion dans une ivresse sonore ininterrompue …

3 – Adagio : (6'50") Quelques notes au xylophone et à la timbale, une entrée en matière bien secrète et minimaliste pour cet adagio… [0'25"] Les cordes s'élancent comme un ressac en longues phrases ténues. S'agit-il de vagues de désarroi venues du tréfond de l'âme du compositeur ? Non ! Bartók écrit son plus bel adagio, celui où les sonorités nous plongent dans une rêverie illuminée par les couleurs d'un couchant d'hiver. [1'20"] La mélodie s'étire, le Tam-Tam se fait entendre au lointain. [2'07] Des glissandi délicats ponctués de notes au piano nous bercent dans une aube diaphane. [3'00"] Le piano, quelques percussions, le célesta enfin se frôlent, se pourchassent un instant. L'inventivité ludique de cette pièce hallucinée va influencer toute la musique contemporaine à venir. Le mouvement s'achève, ou plutôt s'assoupit dans une grande quiétude. Georg Solti fait preuve d'une sensibilité qui dément sa réputation de chef abrupte, les couleurs obtenues de son orchestre sont sublimes. Je me permets de citer Olivier Messiaen à propos de cette adagio : "On dirait de la soie qui se déchire", et son élève Pierre Boulez : "un halo crissant et moiré".

4 - Allegro molto : Des pizzicati et une mélodie enfiévrée des cordes "lancent" l'allegro final où l'on retrouve rapidement des citations des mouvements précédents. C'est le piano qui a le beau rôle. Ce final nous entraîne dans les danses folles entendues par Bartók ici et là, en Roumanie, en Bulgarie... Je ne détaillerai pas cet allegro énergisant dans lequel tous les instruments participent à une fête villageoise par un beau jour d'été. La mise en place par le chef est exemplaire, mais cela, je crois l'avoir déjà dit…

Plus que le Concerto pour Orchestre plus tardif (1943), cette Musique pour cordes, percussions et célesta synthétise les travaux de Bartók sur les relations entre les tonalités, la maîtrise contrapunctique, la mise en solfège savant des musiques populaires sans en trahir leur quintessence. La lecture qu'en donne Georg Solti étant l'un des modèles au disque, comme celle du Concerto, ce CD devient un support parfait pour découvrir la musique du génial Hongrois.

Les tempos de Solti étant assez vifs, sans précipitation néanmoins, le disque a pu être complété par la joyeuse et rutilante Suite de Danses de 1923. Cette suite a été écrite pour célébrer le cinquantenaire de la réunion de Buda et de Pest. Ernő Dohnányi et Zoltán Kodály furent également sollicités. L'œuvre mêle gaiement dans 5 danses et un final des thèmes populaires du folklore hongrois, roumain et même arabe pour symboliser le souci de fraternité entre les peuples. Solti est très à son aise avec son orchestre virtuose dans cette partition enjouée.

Discographie alternative

Le disque commenté est le même qu'il y a une semaine. La jaquette est celle de la collection "The originals".

Les rééditions des enregistrements Bartók de Solti des années 50 et 60 sont légions dans des couplages différents. Le disque de Fritz Reiner à Chicago reste une référence par son énergie sans compromis et la clarté du discours. Reiner était un ennemi juré du pathos (6/6). Evgeny Mravinsky en 1965 a donné un concert mémorable qui a été gravé par Melodya. Le chef avait horreur du disque de studio (clic). Peu enclin à la métaphysique, le chef russe propose avec SON philharmonique de Leningrad une vision tranchante et extravertie qui bouleverse la discographie traditionnelle de Bartók (6+/6). Bien entendu, Pierre Boulez dans ses réenregistrements des années 90 a signé une version très soignée (5/6). Toujours introuvable (Philips), Ivan Fischer fait preuve de subtilité, presque de tendresse avec son interprétation réalisée avec l'Orchestre du Festival de Budapest, complément sur un CD low cost du Concerto pour Orchestre par Dorati (5/6).

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Écoute… et vidéo

Enregistrement en playlist disponible sur YouTube. Et je n'ai pas pu résister au désir d'intégrer à cet article une vidéo (sans image) du live légendaire de Mravinsky à Leningrad en 1965. Le son est de bonne qualité pour cet enregistrement hors norme… Et on bénéficie de la continuité et des bruits de concert, un moment inestimable…

Georg Solti - Chicago Symphony Orchestra