IGOR STRAVINSKY : LE SACRE DU PRINTEMPS par Claude Toon

Les filles sont sacrifiées dés que le Printemps est là...

(merci à Hughues Aufray de m'avoir suggéré ce titre, on ne l'oublie pas, surtout pour "Dés que le Printemps revient"...)

La Direction Générale de Deblocnot’, réunie en session extraordinaire, m’a demandé de raccourcir mes articles. J’obtempère pour qu’en ce jour d’équinoxe, mes lecteurs assidus bénéficient du soleil (s’il y en a !)

Igor Stravinsky (1882-1971) n’est pas un inconnu, ne serait-ce que par l’Oiseau de Feu, conte musical oriental raconté dans les livres-disques pour enfants. Sa longévité lui a permis d’aborder tous les genres à la perfection et surtout les ballets (Petrouchka, Le sacre du Printemps, Pulcinella, Jeux de Cartes...) et de tâter à la fin de sa vie au sérialisme déjà évoqué le 6 mars dans ce blog érudit. Il est le seul grand compositeur à avoir enregistré lui-même et avec talent (c’est rare) l’intégralité de son œuvre. Un coffret de 22 CDs inestimable et toujours disponible.

Et puis le compositeur russe en cette année 1913 va révolutionner la musique en recourant pour "Le Sacre" à la polyrythmie abandonnée depuis le moyen-Âge !? C’est parti.


29 mai 1913 : Théâtre des champs Élysées, un beau scandale, une Sacrée soirée …

De 1909 à 1929, chaque année la compagnie «des Ballets Russes » se produit à Paris, le clou de la saison dans le domaine de la Danse. Pour le boss, Diaghilev, et son premier danseur vedette Nijinski (qui est aussi son amant, pour le people), un seul objectif : du nouveau ! Il fait appel aux plus grands noms pour ses créations : Debussy (premier scandale avec l’érotisant "Prélude à l’Après-midi d’un Faune"), Ravel, Fauré, R. Strauss pour la musique, et Picasso, Derain, Matisse, Roerich pour les décors et les costumes : le Top artistique de l’époque.

Stravinsky, fort des succès de Petrouchka et de l’Oiseau de feu en 1911, mijote une idée depuis deux ans. Il a en tête la composition d’un ballet inspiré de rites païens russes. L’argument : à l’éveil du printemps, rituellement, les anciens organisent une cérémonie pendant laquelle une jeune vierge est sacrifiée au dieu de la fertilité de la terre. Freud où es-tu ? il risque aussi le tout par une composition musicale démente. Entièrement polyrythmique, la partition est un défi, une plongée dans l’inconnu. L’orchestre est titanesque, les cordes réparties en sous-groupes, les bois sont par 5 avec des musiciens qui doivent changer d’instrument en cours de route, une vingtaine de cuivres et une armée de percussionnistes. A l’issue de 30 répétitions nécessaires pour apprivoiser l’apocalypse symphonique (assurées par le grand et jeune Pierre Monteux), c’est la première !

La création :

Le soir du 29 mai, dès les premières minutes, la salle s’agite, deux clans s’affrontent ! Les uns vocifèrent, incapables de suivre la musique et sa rythmique diabolique. Les autres gueulent sur les premiers pour savourer dans le silence cette innovation. Les danseurs n’entendent plus les passages piano. On éteint la lumière plusieurs fois pour tenter de rétablir le calme. Rien n’y fait. Le vacarme perdure et le spectacle dégénère en merdier total. Stravinsky quitte la salle et déprimera 6 semaines réfugié dans une clinique. Il ne connaissait pas encore la réplique d’Audiard « Les cons, ça osent tout, c'est même à ça qu'on les reconnaît ». En 1914, reprise de l’ouvrage, succès incroyable, Stravinsky est porté en triomphe ! Comprenne qui pourra !! Il existe 50 chorégraphies à ce jour !

Le 24 février 1961, lors d’un concert de Johnny, le Palais des Sports ressort ruiné (400 fauteuils flingués). Moralité : même en Classique on se marre bien… surtout un certain 29 mai 1913… et le cas n’est pas isolé.


Le coin du musicologue :

La polyrythmie, c’est simple. Utilisée depuis la nuit des temps en Afrique et en Orient lors des fêtes : un rythme pour frapper dans les mains, un autre sur des tamtams, un troisième pour des psalmodies. Curieusement, depuis 600 ans, la musique savante occidentale s’interdisait l’utilisation de cette technique. Stravinsky jette le pavé dans la mare et inaugure à sa manière le XXème siècle. Le rock progressif et les danses latinos l’utiliseront également.

MUSIQUE ET DISQUES

 

J’ai retenu une sélection de six enregistrements marquants de la discographie pléthorique. On pourrait ajouter Stravinsky par lui-même, son disciple Robert Craft et Michael Tilson-Thomas à Londres, et quelques autres. Mais dans ce choix, on retrouve trois grand chefs qui ont gravé deux fois l’œuvre avec de 13 à 24 années d’écart, la jeunesse et la maturité. Ce n’est jamais sans intérêt de regarder l’évolution de style et de conception de chacun.

Dorati 1959 : Le jeune chef hongrois réfugié (qui enregistrera considérablement – 600 disques) dirige l’Orchestre de Minneapolis. Rien de mieux que les phalanges made in USA sans pathos pour interpréter cette musique volcanique. Dorati, en moins de 30 minutes, le son Mercury aidant, nous jette vivant dans le sacrifice. La version la plus féroce imaginable, le chef nous transporte de la Russie vers l’ile de King Kong en 1933. Les Hard-Rockers pourront aimer !

Dorati 1983 : Antal Dorati signe son dernier disque (il meurt en 1988), toujours un orchestre américain, celui de Détroit. Le trait s’est assagi, l’ambiance se veut lascive, la poésie retrouve ses accents slaves. C’est plus classique, mais tellement articulé, que la richesse de la partition apparait mieux qu’en 1959. Une évocation enchanteresse et âpre de ce conte primitif. Dorati prend son temps pour aboutir à la violence évidente et implacable du Sacrifice.

Karajan 1964 : Attendu au tournant par Stravinsky, qui ne conçoit pas son "Sacre" interprété par un Orchestre teuton aux sonorités onctueuses et au legato romantique, le maestro surprend. Karajan est aux antipodes de l’approche cataclysmique de Dorati à Minneapolis. Il adopte la « sexe attitude ». Les premières notes se font affectueuses, les protagonistes s’éveillent amoureusement. La machinerie bien huilée de Berlin propose un « Cortège du Sage » tropical avec des contrebasses exhalant un érotisme latent. Stravinsky n’adhère pas mais le public oui.

Karajan 1977 : à 70 ans, le chef autrichien est au fait de sa gloire (discutée). La durée reste absolument inchangée (34’ 45’’). Karajan aborde la partition avec un sens de l’analyse plus aigüe. Cette finesse, ce souci du détail, donnent une vision moins hiératique mais en rien statique. Les couleurs de l’orchestration de Stravinsky gagnent en magnificence. La fluidité du discours perd en volupté ce qu’elle gagne en sensualité. Karajan joue la carte de l’interprétation de concert : sauvage et contrôlée. Une conception plus mature qu’en 1964. Stravinsky aurait-il aimé cette seconde mouture ?

Boulez 1969 : Boulez, l’homme de Stravinsky, qui avait gravé le ballet en 1963 pour le cinquantenaire. Le chouchou du maître au crépuscule de sa vie. Boulez, c’est la précision absolue, l’analyse note par note, aucun pathos, pas de rubato. Cette liste suggère l’ennui et la froideur. Et bien non ! L’introduction aux bois propose le phrasé d’un éveil, d’une nature qui renaît du sommeil en s’étirant. L’équilibre souverain entre les pupitres de l’orchestre de Cleveland, encore un ensemble yankee, nous entraine dans une aube lumineuse, les pizzicati de transition avec « Augures printaniers — Danses des adolescentes » distillent le mystère. Nous sommes bien à l’aurée d’une journée de rituel, d’énergie vitale et archaïque, le pas des sages est lourd, il y aura bien sacrifice.

Boulez 1991 : 22 ans plus tard, nouvel enregistrement, toujours à Cleveland. Boulez dirige en orfèvre, ordonne l’équilibre, assume le règne de la musicalité absolue. Audiophiles, à vos lecteurs ! Oui, mais le maître nous rappelle qu’en Russie les printemps peuvent être frisquets… C’est immense ! Or, le soupçon de barbarie attendu paraît cruellement absent. Une prouesse orchestrale sans égale, mais l’ambiance aseptisée semble ni printanière, ni charnelle. Une ultime conception qui a partagé les mélomanes, suivant affinité.

Difficile de conclure. Pour les deux versions Karajan, la première, plus primitive, aura ses adeptes ; la seconde est plus raffinée mais moins farouche. Les deux couplages (Bartók / Prokofiev) sont des must du chef allemand, on pourra hésiter entre une 5ème de Prokofiev de référence ou un concerto de Bartok lumineux. Heu, j’aide là, ou pas ?

Boulez en 1969 comme en 1991 domine totalement la partition, mais parvient-il à la transe de mort de Dorati en 1959 ? Bon, s’il fallait en désigner une : Boulez 1969 facile à trouver. Pour les amateurs de sensations fortes : Dorati 1959 dans un coffret anthologique de 5 CDs tous surprenants, dont une magnifique 5ème de Prokofiev. En mode concert : Boulez 1991 ou Dorati 1983 avec chacune l’Oiseau de Feu intégral.

Vidéo : le ballet dans sa quintessence. Je passe la parole à Maggy Toon, danseuse à ses heures :

Quand la chorégraphie rejoint le génie innovateur du musicien… Cet extrait de la création d’Angelin Preljocaj (commande du chef Daniel Barenboïm), « Action rituelle des ancêtres et Danse sacrale, sacrifice de l’élue », montre des danseurs totalement habités du sujet. Concernant la jeune fille élue, dans le final, vous noterez d’abord des pas très classiques, qui vont petit à petit dégénérer en danse tribale, danse de possédée conduisant l’adolescente épuisée à se donner, enfin, à la terre qu’elle doit nourrir. Magnifique ! Grand bravo à la danseuse, la japonaise Nagisa Shirai, scupturale, termine nue sa dans barbare. (Accord parental souhaitable, son à fond, voire écoute au casque… )

Et pour terminer épuisé, les six interprétations commentées : Dorati I & II, Karajan I & II et enfin Pierre Boulez I & II.