Le Deblocnot'

BIRTHA "Birtha/ can't stop the madness" (1972/3) par Rockin-JL

2012-02-11T09:43:00.002+01:00

Aïe ! Je sens que je vais encore avoir des ennuis avec nos lecteurs à encenser un disque introuvable vendu à un prix le réservant aux émirs du Koweït ou aux adhérents du Medef ; quant au mien, n'y pensez même pas, il est au chaud dans mon coffre fort, dans un abri antiatomique en Suisse, gardé par des molosses et des vigiles pas tibulaires mais presque.

Pour ne pas me fouler, je reprendrai les mots du spécialiste du rock 70 que le monde entier nous envie, notre ami Bruno qui m'a fait découvrir ce combo féminin dont j'ignorais tout, pourtant je m'intéresse aux girls depuis fort longtemps, c'est ainsi qu'à l'âge de 11 ans.. mais qu'est ce que je raconte moi?, revenons à nos moutons ; selon Bruno donc : « voila un quatuor de filles jouant un Hard-blues carré torride avec quelques ballades à réveiller un mort. Des voix Soul-Blues qui enchantent et des guitares, & orgues, qui déménagent » .
A noter que Birtha dut attendre les premiers succès des pionnières de Fanny (premier groupe de filles signé par une major (Warner en 1969), le groupe de Patti Quatro, la soeur de Suzi et d'Audi Quattro) pour trouver un contrat, les girls rockeuses n'étant encore pas « bankable » à l'époque, toute leur courte carrière elles durent faire face au scepticisme de la critique et des autres musiciens quant à la capacité des filles a jouer du rock, d'ailleurs le slogan choisi pour la promo de leur premier album fut « Birtha has balls » ("Birtha a des couilles")...

Birtha fut donc un des premiers girls band , attention des vrais musiciennes , pas des poupées qui remuent leur joli popotin en playback comme les Spice ou les Pussycat Dolls !
Ces californiennes là n'avaient rien de glamour, suaient sous les bras, carburaient à la bière et au bourbon et jouaient comme si leur vie en dépendait 250 soirs par an, et ont partagé l'affiche avec des pointures comme entre autres Poco, Fleetwwod Mac, Alice Cooper, les Kinks ou BB King.

Les membres étaient Rosemary Butler (bass), Olivia Favela (drums/harmonica), Shele Pinizzotto (une guitariste de poids au sens propre comme figuré) et Sherry Hagler aux claviers, les 4 assurant le lead vocal à tour de rôle , Shele étant la plus charismatique sur ce plan et -comparaison obligée- fait fortement penser à Janis, mais Olivia à la voix moins cassée était également une bonne chanteuse. Je ne sais ce qu'elle sont devenues par la suite, a priori seule Rosemary Butler est resté dans le milieu, devant choriste (pour Ray Charles, les Blackwell sisters, Springsteen, Dylan, Bob Seeger, CSN&Young, Jackson Browne entre autres) puis productrice .
Parmi d'autres groupes rock féminin on peut citer les Runaways (Lita Ford, Joan Jett) ; Fanny donc, les copines de Lemmy, Girlschool ou plus prés de nous les L7 (j'ai bien dit 7 pas 5..) ou les Donnas ; il y eut bien des groupes féminins avant mais ils faisaient plus dans la soul/pop , comme les Marvelettes ou les Suprêmes de Diana Ross.

Leur carrière fut courte, 2 albums en 72-73 et se termina en 1975 après avoir écumé les scènes, mettant le feu partout avec leur rock teigneux et pêchu qui n'a certes rien inventé mais est diablement efficace, entre early rock à la Chuck Berry, croisé avec Motorhead et les Pirates, le tout avec un son typique hard seventeen .
Ce cd reprend leurs deux 33t , et est particulièrement dur à trouver, mais le jeu en vaut la chandelle, alors bonne chance...

LE HAVRE d'Aki Kaurismäki (2012) par Luc B.

2012-02-10T05:30:00.000+01:00

Aki Kaurismäki s’est fait connaître du grand public par son film barje LES LENNIGRAD COWBOYS GO AMERICA, où l’on suivait les aventures d’un groupe de rock finlandais au pays d’Elvis. Kaurismäki possède un univers bien à lui, très graphique, influencé par le film muet dans sa manière de cadrer, de raconter les choses en images, les dialogues étant relégués au second plan. En 2002, il gagne le Grand Prix à Cannes avec son magnifique L’HOMME SANS MÉMOIRE, d’une grande perfection formelle, rappelant l’univers et la manière de Jacques Tati.

Kaurismäki nous offre cette fois LE HAVRE, fort bien accueilli à Cannes mais ressorti bredouille. L’action se situe donc au Havre, et met en scène Marcel Marx, cireur de chaussures itinérant, qui recueille un jeune clandestin, dont la famille a été retrouvée dans un container sur le port. Idrissa, le jeune gabonais, a échappé à la police. Marcel et son réseau d’amis vont tenter de lui faire rejoindre sa mère à Londres.

Le sujet nous plonge dans la réalité des réfugiés, comme ceux de Sangatte, près de Calais, dont il est fait allusion. Le film aurait pu être un drame social, un sujet pour Ken Loach ou les frères Dardennes. Mais cela est sans compter sur l’univers poétique de Kaurismäki, son goût du loufoque, du mélodrame, qui en fait une fable universelle et sensible. Il y a quelque chose d’intemporel dans ce film. En quelle année se déroule-t-il ? On paie en euros, mais le commissaire de police Monet (excellent Jean Pierre Darroussin) semble sortir d’un film de Claude Sautet, engoncé dans son imper, avec sa R16 de fonction. Un plan nous montre un exemplaire du Code Civil daté de 2002, mais une vignette auto aperçue sur un pare-brise affiche 1980. Et le taxi qui ramène le couple Marx à la fin du film est une 403 Peugeot… Et puis tous ces objets désuets qui trainent… Cela nous renvoie dans le passé, et particulièrement, je trouve, vers les films de Marcel Carné, le QUAI DES BRUMES, le Réalisme Poétique français. Il y a beaucoup de similitudes. D’ailleurs le film de Carné se déroule aussi au Havre, et on y voit cette vieille bicoque paumée dans la brume, où viennent boire les marins. La maison de Marcel Marx ressemble à ça, un truc hors du temps, avec le petit portail en bois, la remise. Comme les boutiques, la boulangerie, le bar-tabac, tout semble sortir de l’avant-guerre. Cela renvoie aussi à la maison de Jacques Tati dans MON ONCLE perdu dans les faubourgs.

C’est tout cet univers que Kaurismäki fait revivre, et bien sûr, celui de Charles Chaplin, pour ces mêmes décors, simples, humbles, pour les plans le plus souvent fixes, et pour l’histoire de ce cireur de godasses sans le sou qui recueille un gamin et le soustrait à l’autorité. On songe à THE KID de Chaplin. Vous vous souvenez que Chaplin était vitrier dans THE KID, et envoyait son gamin casser les carreaux des baraques juste avant de passer inopinément ?! Dans LE HAVRE, Marcel Marx cire les pompes devant les magasins de chaussures et se fait virer comme un malpropre ! Il y a la même humanité que chez Chaplin, la même méfiance du flic, mais pas la noirceur et le pessimisme de Carné. Tiens, comme on parle de Tati et de Chaplin… Il y a Pierre Etaix dans le film, qui joue un chirurgien, qui s’occupe de la femme de Marx… Et comment elle se prénomme cette femme ? Arletty. Ca ne s’invente pas !

Les acteurs sont formidables, André Wilms (la papa de LA VIE EST UN LONG FLEUVE TRANQUILE), Jean Pierre Darroussin, Blondin Miguel qui joue le gamin, François Monnié qui joue l’épicier, et puis tous les seconds rôles, les piliers de bars, des vraies trognes… Arletty Marx est jouée par une actrice finlandaise, Kati Outinen, qui a fait tous les films de Kaurismäki. L’interprétation participe au charme du film, des dialogues simples, très récités. Les scènes avec Darroussin sont vraiment formidables, ce flic est étrange, on le devine bon, s’opposant aux brutes de CRS. Il y a une filiation entre ce personnage et celui de Marcel Marx. On croise aussi Jean Pierre Léaud (totalement calciné) qui fait deux apparitions dans un rôle de délateur, et puis… si je dis « Le Havre » et « Rock’n’roll », vous pensez à… Little Bob ! Eh oui, car Marcel Marx a besoin d’argent pour faire passer Idrissa en Angleterre, et on lui suggère d’organiser un concert pour récolter des fonds. Roberto Piazza, alias Little Bob, accepte, à une condition : que sa femme lui présente des excuses, après une dispute pour une sombre histoire de jardinage ! Roberto fait donc une apparition, et on a droit à une chanson avec son groupe ! C’est pas beau la vie ?

La musique compte beaucoup dans ce film, à l’image de cette scène où Idrissa, planqué seul chez Marx, met en route un vieux phono, et on entend « Statesboro blues » par Blind Will Mc Tell, bluesman des origines. LE HAVRE c’est une histoire très simple, simplement racontée, sans digression, sans sous-entendus patauds, sans message à revendiquer. Mais c’est un film qui dit beaucoup, avec peu de chose. Il dit la révolte d'un homme qui en a marre de l'autorité, des injustices, qui préfère outrepasser les lois mais rester digne, humain, fidèle à son idéal. Une scène montre les flics débarquer chez Marcel. Pas de coup de matraque, de flingue, de hurlement (on est aux antipodes de POLISSE !) mais juste un geste ferme pour le plaquer sur le mur. Et bien ce geste, presque anodin dans une scène pareil, nous paraît d'une extrême violence, vue la bonté d'âme du personnage. C'est ça aussi le cinéma de Kaurismäki, l'image juste, qui juxtaposée aux autres, fera mouche, sans aucun effet particulier de mise en scène, ou de montage. Le petit suspens est entretenu sur l’avenir d’Idrissa, sur les pérégrinations de Marcel qui visitent les camps de réfugiés à la recherche de la famille du gamin, et autour de l’état de santé d’Arletty. Un film qui s’inscrit dans la veine du Réalisme Poétique, parce qu’ancré dans une réalité sociale, chez les petites gens, les ouvriers, les sans grades, le monde des clandestins, mais dont le traitement n’est pas réaliste, mais réinventé, repeint, voire fantasmé, presque irréel, et donc totalement universel. Un film drôle, tendre, touchant, qui interpelle gentiment mais ne fait pas la morale. Un petit budget distribué de manière indépendante, un peu perdu au milieu des THE ARTIST, SHERLOCK HOLMES et VERITE SI JE MENS n°3, mais qui vaut son pesant le bonheur à la sortie, une bouffée d’optimisme et d’espoir dans le genre humain.

La bande annonce :

Et la prestation du grand Little Bob !

LE HAVRE (2012)

Ecrit, produit et réalisé par Aki Kaurismäki

Couleur - 1h30 - format 1:85

MOZART – REQUIEM : Karl Böhm vs John Eliot Gardiner, par Claude Toon

2012-02-09T06:30:00.000+01:00

Rarement une œuvre musicale n'aura autant été auréolée de légende que ce Requiem de Mozart ! La littérature, le romantisme et le célèbre film Amadeus ont alimenté le mythe. Dans ce très beau film, on y voit un Mozart agonisant, cloué dans un lit et enfiévré, dicter les ébauches de la partition à Antonio Salieri. Il ne faut pas oublié que le parti pris de Milos Forman est de filmer avec les yeux de Salieri qui, dans cette histoire pour le moins romancée, déteste le musicien prodige, jalouse le génie qu'il n'a pas jusqu'à la folie. Tentons d'approfondir notre perception de ce monument musical ultime, en rétablissant la réalité historique, du moins je l'espère…

MOZART ET SON REQUIEM

Désolé pour les amateurs d'ésotérisme et de mystères, mais je vais les décevoir. La genèse du requiem de Mozart fut douloureuse certes, mais comme tout travail d'importance entrepris dans une dernière année de vie. L'œuvre restera inachevée. Mais on ne trouve aucune trace historique d'un quelconque rôle de Salieri, ou d'inconnu encapuchonné de noir, visitant secrètement la nuit Mozart pour servir un étrange commanditaire. Je pense que cette belle légende est née du recours à des intermédiaires anonymes, pour financer et suivre l'élaboration de la partition, extravagances bien en rapport avec le "client", l'excentrique comte Franz de Walsegg. Les mécènes sont capricieux, tout simplement, ce n'est pas un scoop ! Mozart, nous avions parcouru son existence dans la chronique consacrée à son concerto pour clarinette. Je n'y reviens pas, transportons nous en 1791, Mozart a moins d'un an à vivre…

Mozart est mort en décembre 1791, il reçoit la commande de cette messe des morts dans l'année et en commence la composition. Il n'y aura aucune improvisation à la dernière minute sur son lit de mort. Mais la vision quasi fantastique de Milos Forman est séduisante, par l'hommage rendu à la volonté du compositeur de vivre et d'achever cet œuvre. C'est important de le souligner dans le sens où Mozart après un relatif manque d'intérêt envers la musique religieuse (quelques messes brèves anecdotiques et alimentaires), se tournait vers le genre en fin de vie (depuis la messe en Ut de 1782).

À sa mort, ce sublime chant du cygne était fort incomplet, le début était sommairement achevé (Introït), la partie centrale ébauchée et la fin manquait totalement : Sanctus, Benedictus, Agnus Dei, Communion !

Donc qu'écoutons-nous exactement de nos jours ? C'est plutôt compliqué, essayons de résumer. La moitié du paiement ayant été versée, Constance Mozart, dans sa situation critique, ne voulait ou ne pouvait guère la rembourser à Walsegg. Elle demande alors à l'élève de Mozart Joseph Eybler de l'achever mais il abandonne rapidement, on ne sait pas pourquoi, peut-être par manque d'expérience. Constance se tourne alors vers Franz Xaver Süßmayr, autre élève de Mozart, brillant à défaut d'être génial, qui acheve les morceaux esquissés et crée de toute pièce le Sanctus, le Benedictus et l'Agnus Dei. Il compléte ensuite le Lux Æterna final. L'ouvrage est ainsi créé le 14 décembre 1793 en respectant les exigences de Walsegg. Il sera retouché ultérieurement par des musicologues avisés et au fur et à mesure de recherche sur le style mozartien et la découverte de manuscrits. Cela dit, les évolutions resteront à tout jamais mineures et la popularité du Requiem montre que bon an mal an, nous écoutons bien à travers cette musique l'âme de Mozart. Le reste n'est que conjectures savantes…

L'orchestration ne comprend ni flûte ni hautbois. Mozart modifiait souvent la petite harmonie dans ses œuvres symphoniques (4 cors, 2 hautbois et 2 bassons dans la célèbre 25^ème symphonie "Barilla"). Il cherchait ainsi dans son requiem à donner une tonalité sombre à l'accompagnement instrumental qui se doit essentiellement de soutenir le chœur, chœur qui a un rôle prépondérant, usage courant dans les ouvrages religieux de l'époque. Donc, la partition est écrite pour 2 clarinettes, 2 bassons, 2 trompettes, 3 trombones, timbales, cordes et orgue. La partie vocale est assurée par 4 solistes (soprano, alto, ténor et basse) et chœur à quatre voix. Cette organisation déjà établie par Bach (messe en si mineur) Haendel (Le Messie) et Haydn deviendra quasi incontournable chez les romantiques et perdure encore souvent de nos jours.

La discographie est abondante. Comme toujours le choix des disques que je peux conseiller sans inquiétude repose sur l'écoute au fil des ans de dizaines d'enregistrements, et l'avis des critiques et mélomanes. Le disque de Karl Böhm de 1971 reste un modèle de musicalité dans le style classique sur instruments modernes. Les baroqueux ont tenté avec plus ou moins de bonheur de restituer une vision d'époque. On reste très partagé sur une approche minimaliste en tant qu'effectif pour une messe d'une telle ampleur et qui annonce Beethoven, Schubert et le romantisme du XIXème siècle. Je trouve souvent beaucoup de précipitation et peu de spiritualité dans nombre de ces tentatives. John Eliot Gardiner a su miraculeusement réconcilier ancien et moderne en 1986 avec d'excellents chanteurs et des tempos certes allants mais qui ménagent la ferveur de l'œuvre. Je citerai d'autres belles versions en fin de chronique.

KARL BÖHM EN 1971

Le chef d'orchestre autrichien assura des décennies de tradition mozartienne à Vienne. Je vous parlerai une autre fois du personnage guère sympathique. L'histoire passe, son immense talent demeure, notamment dans ce Requiem au sommet de la discographie traditionnelle depuis 40 ans. Böhm mourut la veille de son dernier concert… au programme de cet adieu ? Ce Requiem !

Avec ses 63 minutes, on est en droit d'attendre un "de profundis" marmoréen. On ne rencontre qu'une humanité insurpassée.

Dès l'introït, la soi-disant lenteur se fait prière, les cordes sublimes de Vienne s'élancent sans peur vers le jugement, accompagnées par des clarinettes souples aux couleurs de vitrail. Böhm prend l'option de l'espérance qui va dominer sa conception. Les Chœurs chantent avec des modulations en accord parfait avec la déploration de cet introït. Edith Mathis déserte l'opéra pour nous inviter avec une voix d'ange à la méditation, aucune coquetterie sur le mot "Jerusalem".

Certains pourront trouver dans cette version de l'affectation. Je n'y vois qu'un chef habité par la religiosité de la messe de funérailles, soulignant de manière émouvante chaque trait, chaque strophe.

La fugue du Kyrie conserve ce tempo. Böhm n'exige pas furieusement la pitié divine, il a confiance. Ce passage malgré des contrebasses un peu trop présentes est musicalement exemplaire de la maitrise du chef, de la cohérence du phrasé, retenu mais sans pathos. Et puis miracle, on entend l'orgue, éternellement effacé dans les enregistrements "phonographiques".

Dans le Dies Irae, pas de terreur vindicative. Pour Böhm, il s'agit d'évoquer le jugement du défunt, mais pas la sentence. On ne retrouve pas non plus de violence dans le Tuba Mirum. Dans le Rex Tremendae, très lent voire pathétique, le discours accepte l'humilité face au créateur. Le Recordare apporte un moment de sérénité, de réconciliation avec un équilibre du quatuor vocal souverain.

La respiration dans Le Lacrymosa inspire un chagrin sincère, pas d'hystérie. Ce passage, l'un des plus célèbres de l'enregistrement (voir vidéo), lui confère définitivement cette humanité dont je parlais en introduction. On retrouvera cet esprit dans l'Agnus Dei et dans toute la partie ultime du Requiem.

Il a toujours été difficile aux autres chefs de la génération de Böhm d'atteindre et encore moins de surpasser l'émotion profonde que procure cette musique. Böhm confiait au disque et à 75 ans son propre testament musical.

JOHN ELIOT GARDINER EN 1986

Nous avions déjà rencontré ce chef anglais très dynamique dans la chronique consacrée à la symphonie Fantastique de Berlioz.

Gardiner dispose pour cet enregistrement de son orchestre jouant sur instruments anciens, The English Baroque Players, du Monteverdi Choir et de quatre bons chanteurs dont Barbara Bonney et Anne Sofie von Otter.

Dès les premières notes de l'Introït, la diminution de l'effectif produit son effet, en bien. Le jeu de la petite harmonie simplifiée voulue par Mozart se détache de la masse des cordes chatoyantes, se fait méditatif. On retrouve le même rééquilibrage entre le chœur et l'orchestre qui perd son simple rôle d'accompagnement. Même si le tempo est plus rapide (48' au lieu de 63' chez Böhm !), l'œuvre retrouve une couleur merveilleusement limpide. La prière devient intimiste. Böhm nous offrait la grandeur mystique, Gardiner nous replonge dans les chapelles baroques de l'Autriche. Musicalement, c'est très beau, presque allègre dans le sens où l'interprétation se veut résolument certaine du chemin d'une âme vers un monde paradisiaque. Cette conception de Gardiner est confiante et justifie donc pleinement ce fervent raffinement. Il ne faut pas oublier que le franc-maçon Mozart ne devait guère imaginer un enfer de feu, un au-delà de désespérance promis par une Église toute puissante à l'époque.

Barbara Bonney chante, elle aussi avec simplicité et tendresse, une discrétion et un respect vis-à-vis du Sauveur et de l'âme qui prend son envol. Les mélodies s'entrecroisent sans aucune lourdeur. On est loin des expériences minimalistes et désincarnées de la plupart des concurrents baroqueux.

Le trombone naturel dans le Tuba mirum ne fait pas peur. À l'évocation d'un terrifiant jugement dernier, Gardiner préfère annoncer l'arrivée vers la félicité. Les chanteurs sont excellents, techniquement, et par la retenue et la religiosité bienveillante qu'ils suggèrent.

On aurait pu espérer un Rex tremendae un peu plus lent donc moins cavalier vis-à-vis du Très-Haut. Infime détail, mentionné par le chroniqueur pour montrer à quel point la vision de Gardiner approche une forme de perfection dans les principes musicologiques sur lesquels elle repose.

C'est également vrai pour le Lacrymosa. Mais Gardiner apporte un phrasé scandé et des variations de tons qui rendent la prière intime, secrète et volontaire. Toujours ce sentiment de confiance dans la destinée. Une interprétation historique, elle aussi, même si sa conception se situe aux antipodes de celle de Karl Böhm.

DISCOGRAPHIE ALTERNATIVE

Il existe d'autres versions tout à fait recommandables de ce chef d'œuvre :

- Herbert von Karajan a enregistré plusieurs fois le Requiem. On considère que sa version de 1976 avec la Philharmonie de Berlin est la plus aboutie (53'). Moins métaphysique que Böhm, Karajan apporte une lecture au scalpel de la partition mais avec chaleur et ferveur. Par ailleurs le maestro autrichien aligne un quatuor vocal de rêve : Anna Tomowa-Sintow, Agnes Baltsa, Werner Krenn, José van Dam !

- L'interprétation des années 80 sur instruments d'époque de Nikolaus Harnoncourt avec le Concentus Musicus de Vienne se veut concurrente de celle de Gardiner. Je la cite car elle est considérée par beaucoup de mélomanes comme une grande réussite de l'approche baroque. Ce chef exigeant divise toujours. J'avoue que sa vision musicalement parfaite me laisse totalement de marbre. Le chef a récidivé en 2004. C'est haché, criard. En cherchant coûte que coûte l'innovation, Harnoncourt n'a trouvé que l'hédonisme. À proscrire.

- Enfin je citerai Carlo Maria Giulini en 1978 avec le Philharmonia et des chanteurs de la grande époque Christa Ludwig , Helen Donath, Robert Llyod, Robert Tear.

VIDÉOS

À gauche, L'Introït et le Kyrie par Gardiner avec les mêmes interprètes que pour son disque (sauf les solistes) lors d'un "live" à Barcelone en 1991. À droite, un autre Live du Lacrymosa à Vienne sous la baguette de Karl Böhm, totalement sidérale.

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Pour les deux enregistrements.

GARY MOORE - SCARS "Scars" - 2002 - (By Bibi)

2012-02-08T05:49:00.032+01:00

Moore revisite Hendrix à la mode Heavy-Nü-Metal.

En 2002, après son incartade réussie dans une Soul-Pop élégante, puis une techno-rock rutilante, suivie de près par un rapide retour au Blues-rock, Robert Williams Gary Moore, un peu las de sa carrière solo, et aussi à cause de son caractère fantasque, décide encore une fois de changer de direction et de monter un nouveau groupe.

Enfin, nouvelle direction, pas totalement. On garde un pied dans le Blues mais aussi dans le Hard-Rock avec une vision vers des horizons plus modernes.

de G à D, Darrin, Gary et Cass

Pour cela, il demande conseil à son actuel batteur, Darrin Mooney (Primal Scream, Queen Of The Stone Age, Martin Barre), qui joue avec lui depuis l'année précédente. Tout deux sont enthousiasmés par le travail du bassiste de Skunk Anansie, et tombent d'accord pour embaucher Cass Lewis. Le groupe s'arrête donc sur la formule tant éculée, depuis Cream et le Jimi Hendrix Expérience, celui du power-trio (à laquelle Moore avait déjà tâtée dès Skid Row). Déjà quelques années auparavant, Moore s'était, à une certaine échelle, immergé dans un univers faisant logiquement référence à Cream en s'associant avec les icônes Jack Bruce & Ginger Baker, qui réalisèrent ensemble, sous le patronyme B.B.M., un très bon opus.

Avec « Scars », les renvois à Jimi Hendrix sont nombreux, jusqu'à parfois délivrer des plans intégraux en courts extraits. Nullement par manque d'inspiration, mais en hommage sincère à cette autorité, parmi d'autres, de l'Irlandais. Même si les influences sont parfois très évidentes, on est très loin d'un plagiat, ou d'un quelconque revival réchauffé.

Rappelons que Gary n'a jamais caché ses influences ou ses admirations ; parfois formalisées sur disque, comme sa formidable reprise du « Whishing Well » (qu'il a longtemps hésité à chanter), le « Shape of Things » des Yardbirds, le maestrial instrumental de Buchanan, « When the Messiah will come », et l'album intégralement conçu en l'honneur de Peter Green (ce dernier lui avait offert sa fameuse LesPaul flammée), « Blues for Greeny ».

Cette fois-ci donc, c'est le gaucher mythique qui est revendiqué et mis à l'honneur. Gary a même ressorti du placard sa vieille Strato Fiesta Red, celle qu'il utilisait à l'époque de « Corridor of Power », « Victims of the Future » et « Rockin' Every Night », pour enregistrer les lignes les plus Hendrixiennes. Lors de sa tournée précédente, celle de « Back to the Blues », il a semblé à Gary qu'avec son groupe il jouait dans un style ancré dans les années 70. Et comme pour lui ces années là portent le poids de l'héritage d'Hendrix, il décide de s'y plonger et d'enregistrer un album en jouant à la manière de Jimi. Mais avec une approche résolument moderne d'un point de vue acoustique et une attaque sonique redoutable.

Pour cela, une autre raison : son fils. Ce dernier lui a fait écouter System Of A Down, et, la surprise passée, séduit par la puissance et la pêche du groupe (et ses pointes d'humour également), il souhaite alors injecter une dose d'agressivité supplémentaire (comme jamais auparavant) à son disque.

Gary avec sa vieille Fiesta Red

Le son est donc totalement moderne, proche d'un Nü-Metal et on frôle à maintes reprises l'agression sonore. Cela sent la Strato gonflée, overboostée, les cordes mises à rude épreuve, et les amplis à donf, à la limite de la rupture. La guitare hurle, gémit, vocifère, et se sert de la Wah-wah (une Vox Reissue), entre autres effets, tel les héros irlandais de Kaledvwlch (dure-entaille). Pas de quartier, on tranche. La Strato est à la fois dirty, cinglante et puissante. A la fois ciselée et brutale. C'est évident, Gary joue fort. Et Il n'a pas chanté aussi agressif depuis 15 ans, sa voix défaillant parfois sous la tension et la fureur.
Cass Lewis contribue à cette approche grâce à une basse présente et volontaire, n'hésitant pas à se parer de divers effets (spéciaux), allant jusqu'à donner l'impression d'utilisation de samples, notamment sur «Wasn't born in Chicago » (« I wasn't born in Chicago, but I can play the Blues, I wasn't part of no union, But I paid my dues... »). Quelque fois même de synthés. Gary fera taire Cass au sujet de ses secrets (Cass est carrément équipé d'un pedal-board très fourni). D'après Cass, lorsque Gary proposait des plans proches du Blues, il s'arrangeait pour qu'ils finissent par sonner résolument Hard.

La batterie se montre combattive et nerveuse. Sur l'assommant « World of Confusion », il ferait passer Mich Mittchell pour Phil Rudd.

Trois barbares esthètes brutalisant avec méthode et joie les sens des auditeurs.

Les quatre premiers missiles représentent un véritable abordage de flibustiers soniques et belliqueux. C'est énergique, tranchant, compulsif, mordant, et malgré tout, pourvu d'un certain groove. Gary s'est abreuvé à la fontaine de jouvence, et balaye d'un revers de manche de guitare (PAF !), en seulement quatre pièces, tous les soit-disant métallurgistes (grimaçants) de la décennie. Du Hard/Heavy-blues pugnace au son Nü-Metal percutant. Une accalmie avec le slow-blues « Just can't let you go » ; blues néanmoins entre-coupé de salves de mitrailles électriques ! Puis cela repart avec un shuffle typé Stevie Ray Vaughan, enchaîné à un triptyque où s'impose l'aura d'Hendrix. Soit un Heavy-Blues-rock psychédélique, un blues binaire évoquant « Catfish » (très bon titre qui aurait mérité un solo écourté, dont la longueur déséquilibre la bonne tenue du disque), et un ardent Heavy-Funky-blues évoquant plus ou moins Foxy Lady, Machine Gun et Purple Haze en mode « potards sur onze ». Comme le dit Cass Lewis dit, à propos de leur disque : « une musique d'homme ».

Final sur une ballade bluesy entre Peter Green et Stevie Ray Vaughan. Un baume apaisant et réconfortant pour soigner les plaies occasionnées par les jeux brutaux précédents.

Ce disque est un peu oublié, tout comme celui de B.B.M d'ailleurs, entre les albums typés Blues-Rock et ceux Hard-Rock des 80's plus médiatisés. Pourtant « Scars » demeure encore à ce jour un formidable brûlot de Heavy-Blues-Metal-Rock, vindicatif mais qui n'omet pas les plages d'une sensibilité à fleur de peau.

La rencontre de l'ère « Corridors of Power », du Jimi Hendrix Expérience, du « Back to the Blues » précédent, et du Néo-Metal des 90's.

Un indispensable de l'irlandais.

Scars était un groupe à part entière. Chacun apportait sa contribution à l'édifice. Malheureusement, bien que destiné initialement à faire carrière, chaque musiciens avaient ses projets annexes parallèles, qui allaient obliger la mise en sommeil, même temporaire, du trio. Finalement, après 2003, le groupe se séparera et l'expérience ne se renouvellera pas.

Le live « Live At Monster of Rock », sorti sans l'autorisation de Moore, bien qu'enregistré avec Lewis et Mooney (le 21 mai 2003), paraîtra sous le seul nom de Gary Moore. Néanmoins, au recto, libellé en petit caractère, il est mentionné « with Cass Lewis et Darren Mooney ».

Au sujet de cet album, Gary concèdera que ce n'était qu'un concert à part, reflétant une époque révolue et non la tournée en-cours. De plus, il trouvait la prise de son passable, et s'y trouvait finalement plutôt ringard.

Darrin Mooney restera avec Gary jusqu'en 2006 (il joue sur les albums "Power of the Blues" et "Old News Ballad Blues"). Il sera de retour en 2010 ; on le retrouve sur le "Live at Montreux 2010".

En hommage à Gary Moore, décédé l'année dernière, le 6 février 2011, à 58 ans seulement.

"When the Sun Goes Down" – 4:19 (Moore, Lewis, Darrin Mooney)
"Rectify" – 4:21 (Moore, Lewis, Mooney)
"Wasn't Born in Chicago" – 4:35 (Moore)
"Stand Up" – 4:11 (Moore, Lewis, Mooney)
"Just Can't Let You Go" – 7:40 (Moore)
"My Baby (She's So Good to Me)" – 3:26 (Moore)
"World of Confusion" – 4:22 (Moore)
"Ball and Chain" – 12:53 (Moore, Lewis, Mooney)
"World Keep Turnin' Round" – 4:15 (Moore)
"Who Knows (What Tomorrow May Bring)?" – 9:48 (Moore)

Autres articles sur l'irlandais de Belfast (liens) : Dark Days in Paradise (1997), et Gary MOORE 1952-2011 R.I.P.

ALLUMER LE CHAT de Barbara Constantine (2007) par Elodie

2012-02-07T06:29:00.000+01:00

Si vous hésitez encore à vous plonger dans L’ART FRANÇAIS DE LA GUERRE, qui malgré (ou à cause de) son prix Goncourt, n’est peut-être pas le livre dans lequel on rêve de se plonger pour se détendre après une journée bien chargée (je vous avoue, je ne l’ai pas lu, et ne prévois absolument pas de le faire), j’ai son contraire à vous proposer. C’est tout petit, farfelu, gouailleur, amusant, touchant, en ça sort vraiment des sentiers battus. C’est le premier roman de Barbara Constantine (la fille d’Eddie Constantine), qui auparavant était déjà à la fois scripte et céramiste, et ça s’appelle ALLUMER LE CHAT.
Pourquoi ce titre étrange ? Tout simplement parce que « allumer le chat » d’un coup de fusil c’est l’envie qui tenaille Raymond, l’un des personnages de ce livre pas comme les autres. Mais une envie jamais concrétisée, même si le chat en question, Bastos, est l’un de ces chats prétentieux qui contemple les gens avec l’air de se foutre de leur gueule en permanence. Raymond est un faux dur, mais un vrai tendre qui se fait mener par le bout du nez par sa femme Mine, et noue une vraie complicité avec son petit-fils Rémi. Mais n’imaginez pas lire là la énième histoire sur l’amour incroyable d’un vieil homme pour son petit-fils.

Dans ALLUMER LE CHAT, il y a plusieurs histoires, et plusieurs héros, aux destins qui pourraient tirer des larmes comme celui de ce gamin alcoolique à 10 ans ou de Marie Rose, abusée par son père et ses frères. Mais comment avoir envie de pleurer quand ces histoires apparemment tragiques alternent avec d’autres carrément loufoques : celle d’un employé de pompes funèbres qui décide de faire des photos artistiques de ses « clients », celle de la rencontre imprévue entre un bel abruti et un cerf, ou celles d’un cordon bleu spécialisé dans les recettes incongrues comme le pâté de rat ? Jeunes ou vieux, hommes ou femmes, animaux ou humains, amoureux ou pas, l’auteur les décrits tous avec une vraie tendresse qui nous les rends attachants, à l’exception d’un ou deux abrutis de première classe qu’elle égratigne avec une ironie jubilatoire.

Le livre est construit autour de nombreux courts chapitres qui mettent tour à tour en vedette les différents personnages, tous plus ou moins liés à Raymond et Mine. On s’y perd un peu parfois, mais cela n’a guère d’importance. L’histoire n’est pas un simple prétexte, mais elle n’est pas non plus l’essentiel du roman. Ce qui compte ici, c’est avant tout la langue, le style très imagé, à la fois rustique et poétique, qui fait sourire et qui colle à l’esprit du roman, à ses personnages farfelus, et à leurs aventures improbables. Les fans du réalisme feraient mieux de passer leur chemin : ici on est en plein délire, un délire bon enfant, avec ses côtés franchouillards qui sentent le terroir, même si l’auteur n’hésite pas à saupoudrer le tout d’un humour souvent grinçant. Mais cela donne un ensemble léger et rafraichissant, qui se lit avec délectation.

Seul bémol : au fil des pages, le ton si particulier peut sembler parfois forcé, et on pourrait s’en lasser. Mais le livre est court, le rythme rapide, et les situations s’enchaînent si facilement qu’on referme le livre avant d’avoir eu vraiment le temps de s’ennuyer de ce style pétaradant. Et le sourire qu’on a en tête a, lui, du mal à s’effacer.

Allumer le chat (2007)

Editions Calmann-Levy (+ edition de poche), 264 pages

R.I.P. Paavo Berglund, Le maestro Finlandais nous a quittés le 26 janvier

2012-02-06T18:00:00.000+01:00

Trèsapprécié dans les années 60 à 90, l'homme avait commencé une retraite discrètedans les années 2000 après avoir enregistré une dernière fois une intégrale dessymphonies de Sibelius avec l'Orchestre de Chambre d'Europe.

Lechef finlandais était né en 1929 à Helsinki. Il étudie le violon sur uninstrument fabriqué par son grand-père ! À 15 ans, il décide de devenirmusicien et, en 1949 il rejointl'orchestre de la radio finlandaise. Pour la petite histoire, Paavo Berglunddirigeait en tenant sa baguette dans la maingauche.

Jean Sibelius, nonagénaire,l'entend lors d'un concert jouer ses œuvres. Il est stupéfait de lacompréhension de ses œuvres par un aussi jeune chef. En fait, pour Berglund,Sibelius sera le compositeur de sa vie. L'enregistrement de Kullervo, fresque symphonique épiqueavec chœur masculin, gravé en 1972 avec l'orchestre de Bournemouth reste à monsens la référence. Le style clair, incisif et volontaire du chef fait merveilledans cette "Heroic Fantasy" orchestrale. De nombreux chefs commeSimon Rattle (actuel directeur de la philharmonie de Berlin et qui enregistrabeaucoup à Bournemouth) reconnaissait en Paavo Berglund une autoritéincontournable dans l'interprétation de Sibelius.

PaavoBerglund dirigea dans sa longue carrière les meilleures phalanges mondiales :Philharmonie de Berlin, Symphonique de Londres,Gewandhaus de Leipzig, Staatskapelle de Dresdeet d'autres orchestres, américains.

Avecla vidéo, un grand moment de musique, les lacs, les brumes et l'aube sur lesforêts de Finlande ou… ce qui vous touchera. La 7^ème et dernièresymphonie de Sibelius avec l'orchestre de la BBC en 2002. Nota pourceux qui ne connaîtraient pas l'ouvrage : volontairement Sibelius interrompt lamusique au milieu d'une ultime mesure. Elle fut Créée en 1924, Sibelius n'éditera plusaucune de ses partitions ébauchées jusqu'à sa mort en 1957. Une légende à venirdans le Deblocnot'.

LOS LONELY BOYS - "Rockpango" - (2011) par "el gringo" Philou

2012-02-06T09:02:00.001+01:00

Texican Rock’n'Roll

Los Lonely Boys est un trio de rock chicano originaire de San Angelo (Texas). Composé des trois frères Garza : Henry (guitare, harmonica, chant), Jojo (basse, chant) et Ringo (batterie, chant), le groupe a écumé, au début de sa carrière, les cantinas et les honky tonks bars de San Antonio à Nashville, en passant par Little Rock et Memphis.

Les frères Garza proviennent d'une longue lignée de musiciens, qui pour lesquels, travailler dans la musique a toujours été un mode de vie. Comme le dur labeur dans les champs de coton, la musique a également apporté à la famille un moyen de survie, pendant de longues années. Le père de la fratrie, Ringo Garza Sr. a été un membre des Falcones dans les années 70 et 80, un groupe qu'il avait lui aussi formé avec ses frères, mais qui n'a pas réussi à sortir des frontières du Texas.

Les trois frères veulent se sortir de la pauvreté et toucher du doigt le rêve du rock'n' roll américain. A la fin des années 90, après la dissolution du groupe les Falcones, les trois jeunes frères accompagnent leur père sur scène et se retrouvent à Nashville. De retour au Texas, les frangins Garza enregistrent leur premier album en 2003 tout simplement intitulé "Los Lonely Boys". Le single "Heaven" propulse le disque au sommet des charts US. Le très attendu 2ème disque "Sacred" sort en 2006, suivit en 2008 de "Forgiven". La même année, ils publient "Christmas Spirit", un disque de Noël, en 2009, sur l'album suivant "1969", le groupe invoque l'esprit de la génération Woodstock en reprenant des chansons qui ont fourni une trame sonore pour des générations entières. Après une tournée acoustique "The Acoustic Brotherhood Tour", suivi de l'album "Keep On Giving: Acoustic Live!" , les frères Garza sont de retour avec leur 4ème œuvre en studio "Rockpango", produit en famille.

Los Lonely Boys sur la scène du Greek Theatre à Los Angles en juillet 2011.

Leur univers musical c'est le "Texican Rock'n'Roll" : un mélange de rock, de blues, de soul, de country et de Tex-Mex. Grâce à ce mélange saupoudré de rythmes latins, mené par la guitare brûlante de Henry Garza, rempli d' harmonies impeccables, Los Lonely Boys arrivent avec ingéniosité et créativité, à tirer le meilleur de leur patrimoine latino.
L'album a été entièrement composé par les Garza Brothers qui ont ajouté des claviers et des cordes (le Tosca String Quartet) pour donner plus de profondeur à leur musique.
L'écriture et la production sont ici, plus ambitieuses que par le passé et le groupe s'éloigne un peu de leur style roots qui définissait Los Lonely Boys jusqu'à présent.
L'amour et la famille sont les thèmes majeurs que l'on retrouve tout au long de l' album et les textes sont plus recherchés qu'auparavant.

Henry Garza

L'album débute de fort belle manière avec "American Idle" un rock énervé mid-tempo, endurci par la guitare tranchante et affutée de Henry Garza. L'acoustique "Fly Away" met en valeur les harmonies vocales du groupes dont les aficionados du trio sont très friands."Love in My Veins" est certainement un clin d’œil à Santana, avec son rythme saccadé, son orgue Hammond B3 et son couplet en espagnol. "Road to Nowhere" est une ballade teintée de country qui fonctionne plutôt bien avec les harmonies vocales superbes des frères Garza et des arrangements de cordes à vous fendre le cœur. Le cosmique et délirant "16 Monkeys" semble directement sorti des sixties, rempli de brume psychédélique d'un trip à l'acide, tandis que le morceau suivant "Rockpango" nous fait penser au maitre texan Stevie Ray Vaughan, même tonalité, même attaque de guitare, même inflexion dans la voix...... Alors que l'on se laisse tranquillement glisser sur "Smile", une chanson d'amour folk-rock magnifique, on est rapidement secoué par le funk argenté de "Baby Girl", une chanson que ne renierait certainement pas les Red Hot Chili Peppers.
La ballade "Change The World" fait tomber un peu la pression, dommage, on aurait aimé que le groove continue encore et encore.... heureusement avec "Porn Star", les Lonely Boys s'aventurent du coté de New York, pour rapper et inclure quelques breaks dans le morceau, un peu à la manière des Fun Lovin' Criminals.
L'album s'achève en beauté avec "Believe", un véritable tour de force du groupe, puissant, mélodieux, propulsé par l'arme secrète du trio : la basse de Jojo Garza.

Les boys de San Angelo, sur ce nouvel album, affichent une plus grande assurance, plus de créativité, davantage de sophistication et plus que jamais, continuent à nous offrir de la musique qui nous va tout droit au cœur.

"American Idle" le 1er titre de l'album

666

2012-02-05T06:00:00.002+01:00

C'est Claude Toon qui nous l'a fait remarquer innocemment l'autre jour "hé, vous savez qu'on arrive bientôt au 666 ème article publié ?" .

A ces mots Sonia s'évanouit, Philou se précipita sur elle pratiquer du bouche à bouche et massage cardiaque, quel dévouement... Foxy fonça dans son bureau et se mit à dessiner un pentacle par terre et allumer des bougies autour, elle n'en est toujours pas sortie à ce jour... Pourquoi un tel émoi ? C'est que ce chiffre, que l'on trouve dans l'apocalypse de Jean, chapitre 13, verset 18 n'est autre que "le chiffre de la bête" , l'Antéchrist, le diable ; et depuis des siècles il excite l'imagination et a été abondamment utilisé, notamment comme prétexte à des guerres de religion ou par des sectes et autres charlatans de la peur. Comme nous allons le voir le diable a aussi fait des émules en musique en littérature ou au cinéma...

Petite précision tout de même, ce qui suit n'est pas un traité universitaire, une thèse de 1800 pages (des bouquins sur le sujet y'en a des brouettes entières), mais simplement une petite revue de détails qui ne prétend pas être exhaustive...

N'est ce pas Rockin', le blues c'est pas "la musique du diable" justement ?

Si, si, bien sur, et tout commence avec Tommy Johnson (auteur de "Canned Heat Blues" qui donna son nom à Canned Heat) et la légende du Crossroads, du pacte avec le diable en échange de la virtuosité. Histoire reprise à son compte par Robert Johnson (voir l'interview qu'il m'accorda, cliquer ici). On ne compte d'ailleurs pas le nombre de titres du blues ayant un rapport avec le diable, "Dealing With The Devil" de Sonny Boy Williamson, "Me And The Devil Blues" de Robert Johnson, "Devil Got My Woman" de Skip James, "Devil In Disguise" (pour Elvis 1963), plus récemment Popa Chubby avec "Stealing The Devil's Guitar" pour n'en citer que quelques uns.

Dio -Iron Maiden- Mercyful fate

Ensuite c'est le rock qui va recueillir les suppositions d'allégeance au malin, notamment les deux principaux groupes des sixties, Stones et Beatles. Les Stones avec "Sympathy For The Devil" ou "Their Satanics Majesties Requiest", les Beatles chez qui certains esprits délirants prétendront qu'en passant leurs disques à l'envers on entendait des messages satanistes, ainsi de "Strawberries Fields" où on distinguerait "je vénère Satan". Autre signe la présence sur la pochette de Sergent Pepper de Aleister Crowley le "sorcier" anglais (1875-1947).

DIO "Holy diver"

Mais ce sont les groupes de hard rock, qui vont faire l'objet d'une véritable campagne de la part d’illuminés, tels le PMRC de Tipper Gore, se trouvant accusés de tous les maux de la société, pervertir la jeunesse, provoquer des suicides, et surtout, de soutenir le satanisme. Faut dire que certains ont tout fait pour cultiver cette image sulfureuse et en ont même fait leur fonds de commerce. Au banc des accusés donc des groupes comme AC/DC "Highway To Hell", "Hell's Bells" ... sans oublier leur nom interprété parfois ainsi : (Anti Christ / Death to Christ), Van Halen "Runnin' With The Devil", Alice Cooper "Goes To Hell", les Doors, David Bowie, Dio "Holy Diver", Motley Crue "Shout At The Devil", Mercyful Fate, Black Sabbath (rien que le nom, mais aussi le titre "666" ), Kiss, Slayer, Marylin Manson "Antichrist Superstar", Ozzy Osbourne "Mr Crowley", WASP, Judas Priest, et bien sur Iron Maiden avec "The Number Of The Beast", un des meilleurs titres et album du gang de Bruce Dickinson, les français aussi avec Demon Eyes ou Satan Jokers.

Aphrodite's childs - AC/DC - Black Sabbath

Je n'oublie pas Led Zeppelin, mais c'est un livre qu'il faudrait sur les rapports du diable et du dirigeable, enfin surtout de Jimmy Page, passionné de magie et qui vouait un culte à Aleister Crowley, tellement qu'il racheta sa demeure, le manoir de Boleskine house, qui, selon la légende "zepellinienne", fut un lieu d'orgies et de messes noires. Led Zep fut une des cibles favorites des accusateurs du rock, des runes de l'album IV au titre "Stairway To Heaven", objet de multiples supputations et décryptages farfelus, dont celui de Jean Paul Regimbal, particulièrement intégriste et allumé, et sans doute beaucoup plus dangereux que ce qu'il prétend combattre..

Enfin, une place à part pour un OVNI, l'album des Aphrodite's Childs, le bien nommé "666", qui mettait carrément en musique l'apocalypse de Saint Jean. Un masterpiece complétement barré et un sommet de psychédélisme (1972) avec le jeune Vangelis et un certain Αρτέμιος Βεντούρης Ρούσος... qui se fera ensuite connaitre en France sous le nom de Demis Roussos.

Vincent, Bruno, Elodie, Philou, Foxy, vous avez fini de faire les idiots?! on bosse nous!

Pour en revenir à notre chiffre de la bête, ce qu'il ressort de tout ça, c'est que comme dit le proverbe "qui veut noyer son chien l'accuse d'avoir la rage", en d'autres termes, en cherchant bien on peut toujours accuser qui l'on veut d'être connecté avec le chiffre maudit et je le prouve! Je vais maintenant démontrer devant vous que Christophe Maé n'est autre que la bête de l'apocalypse, envoyée sur terre pour préparer la venue du diable, en abêtissant l'humanité à coups de ritournelles mièvres : Maé est né dans le Vaucluse, 84, 8+4:12, 2+1:3. Il est né le 16.10.1975, 16+10+1975: 2001, 2001/3: 667, on se rapproche! Mais ce n'est pas fini: il a 22 ans quand il passe à "graines de stars", 667+22: 689, il est fait Chevalier Des Arts Et Des Lettres le 23.01.11, 23 +1+11: 35, 689-35: 654, 654 +12 (Vaucluse:84, 8+4) = 666 !!!arghhh! De plus, un des préceptes de la magie noire est de lire les choses à l'envers, le premier album de Christophe s'appelait "mon paradis", et qu'est l'envers du paradis, sinon L'enfer ?! CQFD! re arghhh !

Et Mr Toon il en pense quoi, dans l'histoire des religions et la musique "classique" y'a aussi des diableries ?

M Toon, et bien il conseille déjà d'écouter la musique de la vidéo pour découvrir en flippant le mystère caché depuis la nuit des temps au sein d'un nombre terrifiant : 666… La Bête

XXXX

Olivier Messiaen : Et exspecto resurrectionem mortuorum sur des textes de l'Apocalypse (un chef d'œuvre soit dit en passant) Oui, mais moi, j'ai l'estomac qui gargouille...

Un peu de théologie mathématique, que Diable !!!

C'est bien connu, le démon c'est toujours "la bête" de l'Église d'en face (au sens large). Faisons le tour de la question vieille comme le monde:

1 - Lors des guerres de religions de doctes crétins à la tolérance et à l'ouverture d'esprit limitées (esprit avec un e minuscule) calculèrent que :

LVTHERNVC = 30 + 200 + 100 + 8 + 5 + 80 + 40 + 200 + 3 = 666 en utilisant le nom latin de Luther et une cuisine arithmétique basée sur l'alphabet numéral latin. Le Deblocnot, c'est quand même un blog de lettrés, bordel !

2 - Les protestants, vexés, trouvèrent, sans calculette, et à partir de l'expression "Vicaire de Dieu" qui désigne le très Saint Père (en ces temps-là, tu parles…), AOC inscrite en latin sur sa tiare (gadget qui n'a plus cours) soit "Vicarlus Filii Dei", la combinaison suivante :

VICarIUs fILII DeI = 5 + 1 + 100 + 1 + 5 + 1 + 50 + 1 + 1 + 500 + 1 = 666, stratagème de bonne guerre (de religion toujours)

3 - Nos astrologues, numérologues et autres charlatans (totalement prohibés par la Bible soit dit en passant) avaient un précurseur dans la charade alphanumérique tordue en la très sainte personne (on n'en doute pas) du pape Innocent III (les mains pleines ?). Un homme pieu bien connu pour avoir fait incinérer en toute bonne foi les albigeois. À part ces menues incartades guerrières, le prénommé civilement Lotario, pape de 1198 à 1216, n'avait rien d'autre à foutre que dénicher en ces temps de croisades un antéchrist en la personne du prophète de l'ennemi Sarazin :

MAOMETIS = 40 + 1 + 70 + 40 + 5 + 300 + 10 + 200 = 666 (à noter que le T vaut ici 300 et 100 pour Luther, regardez, c'est le jeu des n erreurs…)

En résumé à force de chercher la petit Bête pour trouver la grosse, on en est arrivé au 11 septembre et autres massacres chroniques !

En fait, l'histoire, la vraie, va vous faire froid dans le dos

Ah Ah, mes très chers amis qui suivez mes chroniques… N'avez-vous point remarqué une nuit de sabbat dans la Fantastique de Berlioz, quelques créatures maléfiques dans le Faust qui inspira la sonate de Liszt, ou encore quelques terreurs infernales dans le Dies Irae du requiem de Fauré... Ouiiii, Je vous vois frissonner. Qui infiltre les maléfices dans ses nobles lignes, d'articles en articles?

Claude Toon ? Oh rien de plus que Clode Toon ou encore Cl6de T66n ! Non Big Bad Pete, ne te poile pas, ce n'est pas fini, CldeTn n'est pas du rabiot alphabétique. On a découvert dans un temple de Petra, au fond à droite derrière le stock d'amphores de résineux de Philou, un vieux manuscrit apocalyptique portant en regard du maudit 666 l'inscription Κλαύδιος ο δαίμονας αρνητικός όρος. Je garderai secret le sens… Mais sachez mes bons amis que :

Cl6de T66n - ( Κλαύδιος ο δαίμονας αρνητικός όρος ) = 666

Foxy notre hexakosioihexekontahexaphobe (definition) est en train de hurler dans son bureau… hi hi hi, tous ces posters de Rock Hudson ont la tête en bas…..Pas bêêête le diablotin Toon, hihihi !!!!

- Heuuu Wolfi... j'ai paumé une corne en me marrant... tu peux regarder sous l'armoire...

Mais on retrouve Rockin qui a vu pour nous quelques films démoniaques, il nous en parle dés qu'il aura fini de claquer des dents....ça va Rockin ?

Oui oui, merci Claude, je viens effectivement de me faire une semaine du cinéma fantastique avec 9 films en rapport avec le sujet du jour (pourquoi 9 ? ben c'est un 6 à l'envers..)

- "L'Exorciste" (1973) de William Friedkin ("french connection"), énorme succès au box office, et qui reste à ce jour un des films les plus terrifiants qui soit. Rappelez vous cette petite fille possédée hurlant des insanités d'une voix rauque sur le prêtre exorciste puis se collant au plafond, et sa tête tournant à 180°.... brrrrrrrr!

- "La malédiction"(1976), un film de Richard Donner ("Superman", "l'arme fatale") avec Gregory Peck en diplomate américain qui découvre que son fils (adoptif) n'est autre que le fils de Satan, avec un triple 6 incrusté sur son cuir chevelu, et se jure de l'éliminer. Ça ne m'a pas vraiment fichu les jetons, mais le film réserve de belles scènes comme l'attaque des chiens de l'enfer dans un cimetière de campagne et celle où le bambin est prit de panique à la vue d'une église.

- "Le Prince de ténèbres" (1987) de John Carpenter qu'on ne présente plus, avec Donald Pleasence, prêtre qui découvre dans une église désaffectée de L.A. un cylindre vert scellé aux propriétés inquiétantes qui s’avère contenir ni plus ni moins que le fils de Satan qui attend de renaitre . Les jeunes scientifiques qui enquêtent sur le phénomène vont bien sur connaitre des fins prématurées et violentes. Un film plutôt flippant à l'ambiance glauque; à noter une pige d'Alice Cooper en clodo zombifié.

- "Le jour de la bête" (1995) de l'espagnol Alex de la Iglesia ("un crime farpait", "action mutante", "mes chers voisins" ), dans lequel un prêtre qui a réussi à déterminer la date d'arrivée de l’Antéchrist sur terre se lance à sa recherche aidé d'un fan de métal et d'un médium bidon de la télé. Une galerie de personnages déjantés et un humour noir jubilatoire en font un grand moment de ciné bis, porté par une bande son bien métallique aussi.

- "Rosemary's baby", un vrai classique signé Polanski (1968) d'après un livre d'Ira Levin avec Mia Farrow et John Casavettes. Rosemary découvre avec angoisse que ses voisins seraient en fait membres d'une secte satanique et que l'enfant qu'elle porte pourrait bien être le fils du diable. N'attendez pas un film d'horreur gore mais un climat oppressant qui va crescendo. La peur suggérée , c'est la pire et bien plus efficace que des seaux d'hémoglobine et des tonnes d'effets spéciaux.

- "la 9ème porte", encore Polanski (1999) avec Johnny Depp qui recherche un manuel d'incantations sataniques pour le compte d'un collectionneur de livres rares traitant du diable, il va vite se rendre compte que ce livre est réellement maléfique, en attendant j'ai décroché assez vite devant les incohérences du scénar, malgré une bonne réalisation..

- "les vierges de Satan", un classique de la Hammer (1968) de Terence Fischer d'après le roman de Dennis Weathley, avec Christopher "Dracula" Lee. Un régal pour cinéphiles amateurs de films de genre des années 50-60's, avec sectes, sabbat, incantations; le combat du bien et du mal et une belle reconstitution de l'Angleterre des années 20; une perle, même si on regrettera les effets spéciaux vraiment "cheap", mais quel charme !

- "Angel heart" (1987), d'Alan Parker ("The Wall", "Midnight express", "Birdy") avec Mickey Rourke et Robert de Niro. Un film noir qui baigne dans l'ambiance vaudou de la Nouvelle Orleans (on trouve Dr John sur la BO) et sans doute le meilleur rôle de Mickey Rourke en détective minable dont l’enquête se transforme en véritable descente aux enfers.

-"La fin des temps", pour finir, voila un bon gros nanar avec l'impayable Schwarzy, en ex flic qui découvre que l'Antéchrist est parmi nous. Le futur gouverneur de Californie va alors une fois de plus sauver le monde. Scénario qui tient sur un ticket de métro et pas à une énormité près, combats débiles; voila un navet absolu !

Oh ! Luc, qu'est ce qui t'arrive, pose ce crucifix ! T'es trop influençable, on n'aurait pas dû te confier tous ces livres à lire:

Ce livre... Satan l'habite !

Vade retro Satanas ! comme disait Diabolo (les moins de 40 piges peuvent pas comprendre...). Z'êtes drôles les gars, vous me balancez toutes ces horreurs à lire pleine de Diable, de Lucifer, de Bezébuth, de Démon, de Abaddôn, de Cerbère, de Leviathan, de Succube et d'Incube, de Belphégor, de Méphisto... j'en passe et des moins sympathiques...

- Au chapitre littéraire, les allusions au Diable sont légions. Le premier qui vient à l'esprit est le mythe de FAUST, du nom de ce personnage qui passe un pacte avec Méphistophélès, et gagne ainsi une seconde vie, ou l'éternité, tournée vers les plaisirs. Le dramaturge Christopher Marlowe (qui n'est pas un cousin de Philip...) et Goethe, en ont retranscris des versions célèbres, elles mêmes adaptées au cinéma (LA BEAUTE DU DIABLE, Gérard Philipe).

- Le mythe de Faust est présent dans de nombreuses oeuvres, comme LE PORTRAIT DE DORIAN GRAY d'Oscar Wilde, l'idée du "pacte avec le Diable" étant une figure récurrente en littérature, même Jules Verne y a recours dans MAITRE ZACHARIUS OU L'HORLOGER, où il est question de stopper le temps.

- Une des oeuvres les plus célèbres dans cet thématique est LA DIVINE COMEDIE, de Dante, une série de poèmes divisée en trois grands chapitres : l'Enfer, le Purgatoire et le Paradis. Une somme colossale, écrite vers 1320, en italien (et non en latin) dans laquelle ont puisé un nombre incalculable de romanciers et scénaristes.

- Pour son premier roman, George Bernanos écrit dans SOUS LE SOLEIL DE SATAN la lutte de l'abbé Donissan contre les tentations du Mal, personnifié par une jeune fille, Mouchette.

- Citons aussi le classique russe de Mikhail Boulgakov, LE MAITRE ET MARGUERITE, édité en... 66 (il en manque un !) un bouquin absolument fabuleux, que Mick Jagger a lu avant d'écrire Sympathy for the Devil. On y suit en Russie, dans les années 30, les malversations d'un prétendu magicien et de sa bande, secondé par un chat parlant, qui s'attaque à l’intelligentsia littéraire. La partie centrale du livre nous renvoie à Jérusalem, avec Ponce Pilate...

- En 1988, l'écrivain Salman Rushdie publie LES VERSETS SATANIQUES, narrant l'histoire de deux rescapés d'un crash, prenant l’apparence de l'Ange Gabriel pour l'un, et de Satan pour l'autre. Salman Rushdie était parti d'un verset du Coran, et on se souvient de l'émotion suscitée dans le monde musulman, et de la fatwa lancée à son égard (et toujours en vigeur) obligeant l'auteur à vivre en clandestinité.
- Citons aussi Baudelaire et ses LITANIES DE SATAN, Mark Twain et son MYSTERIOUS STRANGER (roman inachevé), et bien évidemment une ribambelle de thrillers fantastiques, avec le maître Stephen King dont les sous-entendus diaboliques se retrouvent dans CARRIE, Jay Anson et son AMITYVILLE LA MAISON DU DIABLE, et tous les thrillers à la Grangé et Cie, qui régulièrement nous font le coup de la confrérie démoniaque, sans oublier Graham Masterton et son humour diabolique qui se préoccupe du "petit chez soi" du démon suprême dans LE TRÔNE DE SATAN et LE MIROIR DE SATAN. Par contre, LE DIABLE S'HABILLE EN PRADA, le gros succès de Lauren Weisberger n'a rien a voir avec tout ça ! Terminons avec Jacques Cazotte, écrivain guillotiné en 1792, avec son roman LE DIABLE AMOUREUX, considéré comme un des premiers écrits fantastiques.

BIG DEZ et FLYIN' SAUCERS EN CONCERT (28/01/2012) par Luc B.

2012-02-04T05:30:00.006+01:00

B I G D E Z

C'est la bande de Phil Fernandez, alias "Big Dez" qui a ouvert les hostilités, à 21 heures pétantes, dans la petite salle de l'espace Paul B. à Massy. Groupe soudé, qui tourne depuis 1996, et on sent de suite l'expérience des planches. Cinq albums au compteur (4 + 1 live). C'est pro, et Phil balance pour commencer "Another ride". Cette voix ! J'adore ! Il y aura ensuite "Entertain me" aux motifs plus funky, et le shuffle "Take me to south Carolina" sans doute un de mes morceaux préférés du dernier album LAZY STAR, cliquez ici pour relire l'article de Rokin'Jl dont quasiment l’exhaustivité a été joué ce soir-là. C'est sans doute les limites de l’exercice, puisque que le set a fait une heure pile (booouuuhhh, c'est peu...). Mais c'est l'organisateur de la soirée qui souhaitait une prestation courte, pas le groupe, qui du coup, a dû se sentir frustré !

Disons que Big Dez présentait son dernier né, une sortie promo, dans une salle qu'il connait bien. Bala Pradal assure les claviers, avec ses lunettes fumées et son crâne rasé, il me faisait penser à Roy Bittan... Sauf que Roy Bittan il sourit, ce qui n'est pas le cas de Bala, sacrément concentré, notamment sur sa belle composition "The casher is gone". Pour "Nightmare dreamer", Phil troque sa Strato dorée contre une Les Paul au bois bien rappé. Juste après sur "Bad News" (le seul titre a ne pas faire parti du dernier CD) on a eu droit à un solo de batterie, assez puissant dans le genre... mais ce n'était pas Stéphane Miñana qui officiait derrière les fûts.

Lamine Guerfi, arborant un tee-shirt du Parrain en hommage à ma chronique de la semaine dernière (si si... si je vous le dis...) prend son chorus à la basse sur "The rewind". Mais à chaque titre, c'est tous les musiciens qui sont à la fête, il n'y a pas le chef de meute et les suiveurs, tout le monde participe, Rodolphe Dumont à la seconde guitare prend bien sûr quelques grilles bien senties, ainsi que Marco Schaeller, déchainé à l'harmonica, en costard impeccable. C'est le premier titre du nouveau disque "Lazy Star" qui a cloturé la soirée.

Phil Fernandez était visiblement ravi d'être là, souriant, généreux, devant une salle qui pourtant ne devait pas rassembler plus de cinquante personnes...

Cette proximité joue beaucoup dans ce type de concert, on a toujours l'impression que le groupe ne joue que pour vous !

Alors on aurait préféré que ça dure un peu plus, on aurait aimé quelques reprises bluezy, et surtout, on attendait un retour sur scène avec le groupe suivant, une petite jam sur quelques classiques du répertoire aurait été la bienvenue ! Mais ne boudons pas notre plaisir pour cette belle rasade de blues-rock. Le dernier album est impeccable, et on aura l'occasion de les revoir sur scène une autre fois.

Le temps de se descendre une petite préparation rafraichissante à base de houblon, et d'aller taper la causette deux secondes avec Phil Fernandez, accessible et sympa, et quand vous l'avez juste en face de vous le nom de "Big Dez" prend tout son sens ! (et je redis : merci Monsieur Dez, car je suis reparti avec un cadeau...) place aux FLYIN' SAUCERS GUMBO SPECIAL...

F L Y I N ' S A U C E R S G U M B O S P E C I A L

On reste dans la dominante blues, bien sûr, mais les FLYIN' SAUCERS nous font redescendre vers le sud, vers le Mississippi, vers la Nouvelle Orléans. D'ailleurs, dès le deuxième titre avec "Drivin' down Mississippi" la messe est dite ! Les FLYIN' SAUCERS commenceront leur concert plus doucement, tranquille, le piment n'ayant pas encore provoqué de vapeur. Les mecs carburent à l'Evian, comme le fera remarquer une dame du public : "Z'êtes malade ?". A quoi Fabio Izquierdo répondra : "Oui madame, si nous buvons de l'eau c'est justement parce que nous sommes malades"... Une petite toux ? Un petit refroidissement ? Je peux vous certifier que dans quelques minutes il n'y paraîtra rien... Remarquez... Y'en a un qui ne tournait à l'eau minérale mais à la 1664... J'n'en dirai pas plus, c'est pas le genre de la maison de dénoncer un bassiste (oh zut !).

Les premiers titres sont chantés par Cédric Le Goff, aux claviers, puis Fabio bien sûr, qui joue de l'harmo et de l'accordéon. Mais il y a aussi un troisième chanteur dans ce groupe, le guitariste Fabrice Joussot. Ca donne évidemment une tonalité différente suivant les titres, une complicité, une jovialité, qui fait vraiment la marque de ce groupe. Ces mecs se marrent ! Et nous, on adore ! D'autant que Fabrice Joussot en rajoute un peu pour le show, mitraillant de sa Gretsch rouge le public, ou mimant la sérénade à ces dames du balcon. Il y aura des titres de leur second album, comme "Crawfish groove", "Big Will", "Funky time"... Plus on avance, plus les titres s'étirent, et on appelle à monter sur scène (j'enrage de ne pas me souvenir de son nom!) un joueur de rubboard, planche à lessiver métallique, qui vient rythmer les morceaux de zydeco. Car comme on vous l'avait dit cliquez ici pour relire l'article de Rokin'Jl (bis!) les FLYIN' SAUCERS revisitent tout l'univers musical du Sud des Etats Unis, leur musique voyagent au-delà du blues strict.

Après "Let's do it", le combo des Gumbo s'accorde une courte pause, et réattaque un rappel avec un "Boogie thing" endiablé, jouissif, rallongé de chorus à gogo, avec notamment un Cédric déchaîné, hurlements de bête et dérapages contrôlés aux claviers B3. Si on en veut encore ? Qu'il demande le Fabio... Of course, remettez-en une couche ! Un bon rock'n'roll d'abord, où le public est invité à reprendre des lalalala hey hey hey hey (je me retourne... ah non, je ne suis pas le seul à chanter !) et c'est Fabrice Joussot qui clôt le débat en chantant "Mystery train", the classique, immortalisé par Elvis, mais joué par la planète entière... 1h45 de concert, une prestation festive, notamment grâce au guitariste, très en forme, au côté d'un Jean Charles Duchein aux anges... et à la basse, secondé solidement par Stéphane Stanger à la batterie. Ces deux-là vous battissent une assise rythmique impeccable, support aux chorus des trois autres.

Et j'envoie un salut amicale à Narbé Mojito, et Michelle Blues, qui font partis de nos lecteurs et "amis du blog", et que j'ai croisés là-bas, totalement par hasard, distribuant des cartes de visite du blog et demandant qui pouvait me rapprocher d'une station avant le dernier métro (on n'a pas assez de fric pour avoir une limo avec chauffeur...). Eh ben figurez-vous que mon sauveur connaissait le Déblocnot !!! Le monde est petit, mais les lecteurs du Déblocnot' sont grands ! (Si avec ça on en gagne pas cinq de plus...). En regardant les vidéos disponibles, sur quoi je tombe ?... Merci Michelle.

Ah la belle soirée blues que voilà. Je vous engage à aller fureter sur les pages Internet de BIG DEZ et des FLYIN' SAUCERS et surveiller leurs dates de concerts près de chez vous. Et achetez les albums, notamment ce "BIG DEZ... Late Live !" paru en 2009, avec 17 titres chauds comme la braise, soutenus par une section de cuivre, et des reprises de Folson, Crooper, McClinton...
Et on se quitte avec deux dernières photos des FLYIN' SAUCERS, ah ben ouais, c'est eux qui étaient les vedettes ce soir-là !

Les adresses indispensables :

http://www.bigdez.com/

http://www.myspace.com/flyinsaucersgumbospecial

Big Dez filmé par Michelle Blues, ce soir-là à Massy...

Et les Flyin' Saucers, avec un Fabrice Joussot inspiré. Et c'est encore une exclusivité Michelle Blues, qui ne va pas tarder à être nommée chef du département archives du Déblocnot' ! ! !

J. EDGAR de Clint Eastwood (2012) par Luc B.

2012-02-03T05:44:00.005+01:00

On peut mesurer la longévité du Déblocnot au fait qu’on vous propose aujourd’hui le deuxième article consacré au « dernier film de Clint Eastwood », après AU-DELA, chroniqué en 2011 (- - - cliquez ici - - -). Il faut dire que ce jeune homme (82 ans) nous aide un peu, puisqu’il enchaine les tournages : 13 réalisations depuis 2000. Et je ne vous cacherais pas que j'aimerais encore en chroniquer une bonne poignée, je lui souhaite autant qu'à moi ! Sa dernière production retrace la vie et la carrière de John Edgar Hoover, le puissant patron du FBI de 1924 à 1972. Il y a évidemment de la part du réalisateur une part d’admiration pour Hoover, pour sa longévité, son sens de l’organisation, pour la mise en place d’un système d’investigation précurseur. Mais fort heureusement, le tableau n’est pas brossé que dans le bon sens. J Edgar Hoover était un être détestable, au fil des ans devenu totalement parano. Eastwood ne manque pas de le montrer, et il est très intéressant de voir la version « audio » du film, la voix-off, celle de Hoover qui raconte sa vie, qui dicte ses mémoires à un journaliste, et la version « vidéo » des faits, les images de Eastwood. Bien souvent, l’une contredit l’autre. Et pour cause, Hoover a une drôle de manière de nous raconter les choses. Il enjolive, il arrange a sa sauce, se fait passer pour ce qu’il n’est pas : un héros. Il n’est pas Elliot Ness, qui attrape les méchants le flingue à la main. Une scène du film nous montre une arrestation, version Hoover, et plus tard dans le film, la même vue sous un autre angle. Et on pense à Clint Eastwood lui-même, qui depuis trente ans ne cesse de récrire son propre mythe, la désacralisation du héros, commencé avec IMPITOYABLE, ou encore SPACE COWBOY, CREANCES DE SANG, GRAN TORINO. Et ceci peut expliquer aussi pourquoi il a choisi de tourner cette histoire.

Une histoire assez passionnante, qu’Eastwood parvient à rendre intéressante, et ambigüe. Tout commence en 1919, où le jeune John Edgar Hoover, policier, est chargé de mener la guerre aux anarchistes, aux communistes. Il comprend très vite que pour pourchasser les criminels sur tout le territoire, il faut une police ayant mandat dans chaque État. Le ministre de la justice, dépassé par les évènements, lui donne carte blanche pour organiser son service, et Hoover, sûr de ses idées, met sur pied ce qui deviendra le FBI, dont il prendra la tête en 1924, jusqu’à sa mort en 1972. Le système était basé sur quelques points clés : des flics armés, une autorité inter-état, la mise en place de laboratoires scientifiques qui analysent les empreintes (une nouveauté à l'époque) et recensent toutes les données possibles et inimaginables. Ça, on peut dire que c’est le bon côté de choses. Mais il y a aussi le système Hoover, le fichage systématique des ennemis, comme des amis… On entend Hoover dire dans le film : « arrêter quelqu’un pour un crime commis, c’est une chose, mais arrêter quelqu’un pour ce qu’il a l’intention de commettre, c’est mieux ». Il faut donc collecter les informations, pour anticiper sur l’acte. Le système Hoover, c’est l’espionnage organisé, les écoutes clandestines, afin de récolter plus d’informations, monter des dossiers compromettants, y compris sur ses supérieurs ! Raison pour laquelle Hoover était redouté même des présidents… Une scène montre Hoover mécontent de l’élection de Roosevelt, d’un autre bord politique. Méfiance. Il met la femme de Roosevelt sur écoute, monte un dossier, découvre une liaison de la première dame avec… une autre dame. De même, lorsqu'il prévient Bobby Kennedy qu'il a eu vent de rumeurs concernant son frère John, il ne manque pas de préciser qu'il a gardé des copies... Hoover contrôlait l’information, et donc les gens. Il était craint. Personne ne trouvait grâce à ses yeux. A sa mort, Nixon n'aura de cesse de récupérer les dossiers secrets du FBI, dans lesquels il figurait en bonne place...

Tous ces aspects, toutes ses enquêtes, tout cela est vraiment très bien raconté. L’enquête qui prend le plus de place, c’est l’affaire Lindbergh (l’aviateur star dont le bébé avait été enlevé et tué) car c’est la plus médiatisée à l’époque, et Hoover sait qu’il n’a pas le droit à l’erreur. Il met en avant la police scientifique, avec son expert en bois, qui amènera à l’arrestation d’un suspect. S’il attrape le coupable, la démonstration sera faite de son génie, et nul ne s’opposera à ses rêves d’expansion. Car au départ, Hoover n’a pas que des amis. Certains voient clair dans son jeu, comme cette scène devant une commission où un sénateur lui reproche de travestir les faits, pour passer pour un héros, dont les exploits sont racontés en bande dessinées. Les G-MEN, des Comics que dévorent les gamins, à la gloire des flics, du FBI et de Hoover. "Quelles sont vos compétences à diriger ce nouveau service ? Est-ce vraiment vous qui avait arrêté John Dillinger ?" lui demande-t-on... J Edgar Hoover est obnubilé par le succès. On le voit aller au cinéma, voir justement G-MEN avec James Cagney, mais aussi, en 1931, on le voit regarder L’ENNEMI PUBLIC de Wellman, avec encore James Cagney. Ce que raconte le film d’Eastwood aussi, c’est ce dont vous parlais à propos des Films Noirs - - - cliquez ici - - -. Le public adoraient les gangsters, qui étaient donc plus difficiles à battre que les bolchéviques 10 ans plus tôt. Mais pour Hoover, il y a aussi une autre raison derrière tout cela, un facteur psychanalytique majeur : sa mère.

Là on entre dans la sphère privée du personnage, tout autant grotesque et odieux. Hoover fait la fierté de sa mère, une femme autoritaire et exigeante. Toute l’ambigüité du personnage est très intelligemment montrée. C’est la rencontre de Hoover avec un agent, son futur bras droit, Clyde Tolson. Entre les deux hommes, du respect, puis de l’amitié, puis de l’amour, puisque (c’est la thèse du film) les deux hommes auraient été amants pendant 40 ans, alors que Hoover à passer son temps à pourchasser, et dénoncer l’homosexualité. Eastwood amène très bien ce versant de l’histoire, avec de courts plans, des mains qui se frôlent, des diners de plus en plus fréquents, jusqu’à ce col de veston qu’on remet en place, chez l’autre, un geste d'un naturel évident sur l'instant, et pourtant, totalement incongru dans le contexte. Cela nous rappelle une même scène dans SUR LA ROUTE DE MADISON, quand Meryl Streep remet le col de chemise d’Eastwood alors qu’elle parle en même temps à son mari au téléphone, dans la cuisine. Tiens d’ailleurs il y a un autre clin d’œil, puisque lors d’une scène dans un club de jazz, le contrebassiste sur scène, entrevu 2 secondes, est Kyle Eastwood… La scène du diner dans un club avec l'actrice Ginger Rodgers est assez évocatrice de sa relation aux femmes. La seule qu’il ait demandée en mariage, et qui a refusé, est devenue sa secrétaire et sa confidente pendant 50 ans. D'ailleurs, au chapitre des critiques, j'aurais souhaitais avoir le point de vue de Helen Gandy sur Hoover, le personnage de Naomie Watts reste je trouve trop en retrait. Hoover se voit donc épouser Ginger Rodgers ! Clyde Tolson ne l’entend pas ainsi, et s’en suit une des scènes les plus fortes du film, la dispute entre Hoover et Tolson, où ce dernier pique une crise de jalousie violente. Autre moment intense, lorsque Hoover enfile la robe de sa mère, décédée, montrant à quel point il s’identifier à son modèle. A la fin du film, Clyde Tolson, qui a eu en main le manuscrit de Hoover, lui dit son écœurement face à tous ses mensonges, qu'il énumère. Nous ne sommes pas dans un simple biopic, mais dans une réflexion sur ce qui relève du mythe, de la vérité, de l'information, du mensonge.

C'est Léonardo Di Caprio qui interprète Hoover, il est excellent, tour à tour jeune coq avide de célébrité, et vieillard acariâtre pétri de mauvaises certitudes, et drogué par son médecin. La bonne moitié du récit se déroule à la fin de la vie de Hoover lorsqu’il dicte ses mémoires. Di Caprio est donc vieilli, grimé, et le résultat est assez bluffant. Seul petit hic, sans doute, la voix qui reste encore juvénile malgré les années. A ces côtés Armie Hammer (Clyde Tolson) que l’on avait vu dans SOCIAL NETWORK - - - cliquez ici vers le film de Fincher - - -, Naomie Watts (Hélène Gandy, la fidèle secrétaire) et Judi Dench (la mère d’Hoover, et aussi la Q. des James Bond actuels). Eastwood réalise un film dense, au montage savant, d’incessants flash-back, toujours cette idée d’écouter Hoover et d’illustrer ou réfuter le propos dans les images qui suivent. La mise en scène est sans doute moins inspirée qu'à l'ordinaire (Eastwood tourne très vite, peu de répétitions, peu de prises), certaines séquences sont, je trouve, montées à la serpe, mais dans l’ensemble, le rythme est soutenu, et le film même passionnant à de nombreuses reprises. Mais bon, vous remarquez qu’on dit toujours d’un Eastwood qu’il est un p’tit peu longuet (ses films font souvent 2h10 ou 15), mais quand on cherche à savoir quelle scène, quel plan, était effectivement trop long… on n’en trouve pas ! C’est la petite musique Eastwood, son truc à lui, comme Scorsese ou Woody Allen en ont aussi.

Ce film n’est pas à la gloire de Hoover, et si on veut avoir l’histoire vue par le trou de serrure d’une porte de chiotte, il faut se reporter sur les bouquins de James Ellroy. Eastwood est un homme digne, qui n’a pas besoin de montrer le côté répugnant du personnage. Les allusions suffisent, même si on aurait aimé retrouver à l’écran la haine de Hoover pour les homosexuels, des juifs, les noirs… Bien que sa haine, son dégoût et sa peur de Martin Luther King soit illustrée, montrant Hoover se délecter des écoutes faites pendant que le leader des Droits civiques sautait sa maîtresse... De même, Hoover n'aurait pas mené une guerre très enthousiaste contre la Mafia, car celle-ci possédait aussi des dossiers, sur Hoover et ses moeurs douteuses... Un aspect historiquement difficilement vérifiable, et passé sous silence dans le film, comme ses liens avec le Ku Klux Klan. Non pas qu'Eastwood ait jeté un voile pudique sur ces aspects, mais il semble bien que l'angle du film soit la vie privée de Hoover, sa relation aux femmes, aux hommes, et comment il s'est forgé une image médiatique, très différente de la réalité. De ce point de vue, le film est une totale réussite.

J. EDGAR (2012)

Production, musique et réalisation : Clint Eastwood

Scénario : Dustin Lance Black

Photo : Tom Stern

Montage : Joel Cox

Couleur - 2h15 - format scope 2:35

STATUS QUO "Quid pro Quo" (2011) par Vincent "le Chaméléon"

2012-02-02T06:25:00.003+01:00

Du cultissime

Cultissime. Voilà un terme que l'on emploie à toutes les sauces, surtout dès qu'il y a succès à la clef. Mais s'il est bien un groupe auprès duquel ce terme ne sera jamais galvaudé ou sujet à caution, c'est bien ce groupe emmené par le duo de guitaristes/chanteurs que sont Francis Rossi et Rick Parfitt. Pensez donc, si je me mettais à vous égrainer en chiffre (ce qui est souvent plus parlant que de long discours) ce que pourrait soudain représenter cette véritable institution anglaise aux yeux de quelques retardataires, ces mêmes personnes auraient encore du mal à le croire même après avoir lu l'énoncée. Ben tiens, puisque c'est ça, allons-y !!!!

STATUS QUO c'est :

- 50 ans de carrière (première mouture en 1962).

- 28 albums studio.

- 17 albums certifiés d'or (dont 11 en France).

- 64 Singles classés en radio pour un total de 72.

- 150 Millions d'albums vendus (environ).

- Le nombre de concerts ? + de 5500 à ce jour.

Ô évidemment ! La carrière du Quo n'aura pas été faite "que" de succès. D'ailleurs, après les dissensions qui opposèrent Rick et Francis face à sa section rythmique (et qui se soldera par le départ de John Coghlan (batterie) en 1981, suivi par celui du bassiste Alan Lancaster, l'ami d'enfance, au milieu des années 80), STATUS QUO envisagera même de mettre un terme définitif à sa carrière. Les deux guitaristes se raviseront, sans présager de la longue traversée du désert qui allait s'annoncer pour eux. Mais soyons clair, cette errance, cette perdition, tout cela était évidemment à mettre sur le compte d'une grosse poignée d'albums tout simplement bien fades en comparaison des albums que sont Piledriver, Hello, Quo, On the Level, Blue for you (en ce qui concerne les années 70'), ou même Whatever you Want, Just Supposin' et Never too Late (pour le début des 80').

Si le groupe aura versé à ce moment-là vers des contrées nettement plus commerciales et aux limites de la variété (et donc bien éloignées du Boogie Rock fiévreux qui caractérisait le groupe auparavant), cela ne l'aura pas empêché de placer de nouveau un titre en tête des charts en 1987. Leur reprise du "In the Army now" des frères Bolland s'écoulant même à 750 000 exemplaires rien qu'en France. Ce titre vient d'ailleurs d'être réenregistré en version 2011 (à son écoute, ce n'était pas utile) et fait ici figure de Bonus. Don't Stop, un disque de reprises (et oui encore !) publié en 1995, réussissait même à atteindre les 300 000 copies sur le seul sol Britannique.

Le retour des chefs

Ayant pour ma part lâché l'affaire après le déjà très bancal Back to Back (1983), j'avais déjà eu vent d'un retour à l'inspiration de la part du groupe avec l'album Heavy Traffic (2002). Deux albums plus tard, Quid pro Quo semblait également confirmer cet état de fait. Le Quo était à nouveau en grande forme. "Allez Vincent, au moins pour cette foi, laisses toi de nouveau tenter" m'étais-je alors dit.

Il faut également souligner que la publication de la toute première biographie du groupe jamais réalisée en Français (voir ma chronique " Status Quo la route sans fin " avait un peu anticipé mon souhait de retourner à mes premiers amours musicaux. Oui ! Si le Rock m'est un jour tombé dessus, je le dois aussi et d'abord à STATUS QUO.

STATUS QUO en 2012, outre les deux vétérans que sont Rick Parfitt et Francis Rossi, se composent toujours de John "Rhino" Edwards, à la basse depuis 1985, d'Andy Bown (l'homme dans l'ombre) aux claviers et à l'harmonica depuis 1976, et enfin du batteur Matt Letley, 4ème batteur de la formation, en poste depuis 2000.

It's the same old songs

Alors que l'on reproche parfois à certaines formations de toujours jouer sur le même registre, quand on évoque le cas de STATUS QUO, c'est carrément l'inverse qui se produit. Quand on veut écouter le vrai Quo, c'est pour l'entendre dans ce qu'il sait le mieux faire : Le Boogie Rock. Savant mélange d'alternance de pulsations ternaires et/ou binaires, de Blues, de Rock'n'roll et d'une louchée de Hard par endroits. Depuis quelques années, d'autres aspirations ont aussi fait leur apparition dans l'univers musical du groupe. Irlandaise et/ou écossaise notamment. Ce n'est d'ailleurs pas dans ce registre que je l'apprécie le plus. Quand ça devient trop festif...

Si un groupe comme AC/DC possède un nombre conséquent de rejetons, il n'en est rien concernant le Quo. Car sous son soit disant simplisme, la musique des anglais est sans équivalent. Et dans le vaste univers qui est celui du Rock, celle de STATUS QUO a en plus une vertu... Fondamentale : Elle vous donne la pêche et du baume au cœur. La preuve en est que dès l'intro de "Two way Traffic", ce plaisir, en apparence si simple, agit sur l'auditeur presque instantanément. Mieux encore ! Quid pro Quo opère constamment dans ce sens, et ce sur les 14 morceaux originaux qui le composent.

Sachant que tous auront participé à l'écriture de ce nouvel album (à l'exception du batteur), je situerais ce disque comme étant résolument tourné vers l'aspect le plus Rock et Hard du groupe. Ainsi, il vous faudra attendre le 11ème titres (l'excellent "Reality cheque" chanté par Rick), pour que le groupe s'acquitte de son premier morceau en ternaire. Il y en aura (que) trois au total sur cet album.

Une chose est sure, ce n'est pas encore pour cette fois que la complémentarité entre les deux guitaristes pourra être mise à défaut. Du métier ! Du métier ! Les amis.

Et puis comment ne pas continuer d'être respectueux, tout autant qu'étonné, voir circonspect, à l'égard de ces quasi sexagénaires, quant à la capacité qu'ils ont à savoir écrire et écrire encore des morceaux d'un tel calibre. Et ce après une telle longévité. Ecoutez juste "Dust to Gold" pour vous en convaincre.

Quid Pro Quo est aussi augmenté d'un deuxième CD composé de 10 titres extraits de leur dernière tourné de 2009 (voir la set list ci-dessous).

Force est de constater que le groupe doit aussi sa longévité à ses prestations scéniques. Les témoignages Live en DVD étant assez nombreux, leurs qualités respectives ne se valent pourtant pas toutes. Aussi, si vous désirez voir un groupe très bien filmé, fidèle à sa réputation, balayant sa carrière discographique de la meilleure façon qui soit, je vous préconise fortement l'acquisition du DVD Just Doin' It, issue de leur tournée de 2006 promouvant l'album The Party ain't over Yet. 1 heure 45 de sincérité, de joie et de bonheur assuré. Le spectacle étant aussi bien sur la scène que dans la salle. Car quand je vous disais que STATUS QUO était un groupe unique, vous vous rendrez assez vite compte que son public l'est tout autant.

Quid Pro Quo. Set List CD bonus (Live 2010).

Whatever you Want.
Down Down.
Don't Drive my Car.
Hold you Back.
Pictures of Matchstick Men.
Ice in the Sun.
Beginning of the End.
Roll Over Lay Down.
Caroline.
Rockin All Over the World.

Vidéos

Clip CD : "Two way Traffic".

Clip CD : "Dust or Gold"

Clip DVD: "Rocking All over the World" (non extrait du DVD Just doin' it. Si ça ce n'est pas de l'ambiance !?).

PARISH HALL (1970), par Bruno

2012-02-01T05:27:00.003+01:00

Dans la liste des perdants magnifiques, en voilà un de choix. En effet, cet unique album de Parish Hall se place aisément parmis les meilleurs de cette catégorie. On peut même rajouter, sans être dithyrambique, qu'il n'a rien à envier, si ce n'est le succès, à des oeuvres majeures de la même époque.

Bien que la pochette (portrait du leader, guitariste-chanteur-pianiste-compositeur, Gary Wagner) pourrait laisser présager une musique folk Nord-américaine, aux influences country, propre à la 2ème moitié des 60's, "PARISH HALL" oeuvre principalement dans un Heavy-Blues-Rock, qui peut prendre des saveurs plus Hard-Blues, assez rugueuses. Il semble puiser principalement son inspiration chez Hendrix, Cream, Ten Years After et le Chicago-blues, et peut également évoquer Savoy-Brown, Black Pearl ou même le Spencer Davis Group. Ainsi que, mais en filigrane, la scène acid-rock de San-Francisco, d'où le groupe est issu. Le tout en gardant une approche toute personnelle. On parle parfois de Proto-Hard-Rock (Why not ?).
Un album qui frappe d'entrée par la maturité et l'aboutissement des compositions.

Le jeu de guitare évoque une fusion entre Hendrix, Alvin Lee, Leslie West (en moins lourd), Michael Bloomfield, et Otis Rush. Certains plans de guitare, noyés dans la masse, proviennent de Freddie King. Une guitare dépourvue d'effet, (juste quelques torsions de vibrato sur le 1er titre), dotée d'un son entre celui du British Blues Boom, le Chicago-blues le plus rude, à la prise de son « Live » qui pourrait évoquer une Gibson SG Junior élimée (ou Special mais avec des P.90), voire une Telecaster (certaines notes sifflées sonnent comme du pur Buchanan 70's).
Le batteur, Steve Dames, a un jeu vif, énergique et soutenu ; un fils improbable de Mitch Mitchell, de Ginger Baker, et de Michael Shievre.
Le bassiste, John Haden, évolue dans un style mixant celui de Donald Dunn, Greg Ridley et Félix Pappalardi, (hélas pas assez mis en valeur par la production).
Le chant lui, est légèrement désabusé, nonchalant, et s'est certainement forgé à l'écoute d' Hendrix, Nick Gravenites, Rod Evans (?), peut-être même Carlos Santana et Fieldings de Black Pearl (ce qui ne saurait guère étonnant car, « Parish Hall », tout comme ces deux derniers, est issu de la même ville).
Quelques utilisations ponctuelles d'un orgue, ou quelques notes de piano, pour seuls arrangements. Notamment, sur le remuant « Ain't Feelin' Too Bad », sur l'unique ballade Pop-Blues « Take Me with You When You Go » à la Nick Gravenites en clôture, ou encore quelques accords perdus « Skid Row runner ».

Pochette de l'édition française

D'entrée, Parish Hall frappe fort avec un brûlot très proche du « Oh Well » de Fleetwood Mac et dont une partie anticipe le « Crossroader » de Mountain (qui lui ne sera réalisé qu'un an plus tard...). Suivent des pièces de Blues-rock Heavy, allant à l'essentiel, évitant les solos démonstratifs et inutilement prolongés, exception faîte avec « My Eyes Are Getting Heavy », où on joue au guitar-hero type de l'époque ; et visiblement, Wagner peut se le permettre sans s'exposer au ridicule.
Certaines compositions évoquent immanquablement les figures emblématiques citées plus haut ; comme « How Can You Win? », avec la guitare à l'unisson du chant, tel que l'avait développé le gaucher et des mesures qui empruntent au « If 6 was 9 » épuré de psychédélisme ; « Dynaflow » à des parfums du Ten Years After de « Stonehenge» ; « Silver Ghost » semble être un mix entre l'Electric Flag, d'Hendrix et du Buddy Miles de l'album « Them Changes ». Tout comme « Take Me With You When You Go », cette fois-ci sans le côté Hendrix. « We're Gonna Burn Together » nous ramène au meilleur du Spencer Davis Group. Et « Somebody Got the Blues » pourrait aussi évoquer un Johnny Winter de la même époque.

Un lot de dix pièces habitées, qui ne manquent ni de charme, ni de chaleur, ni d'entrain.

Peut-être rien de spécialement transcendant (quoique...), mais au final, un disque que l'on se surprend à écouter en boucle avec plaisir.

Toutes les compositions sont du maître d'oeuvre, Gary Wagner, guitariste, chanteur et pianiste. Un musicien qui avait déjà des antécédents discographiques avec un premier 45 tours en 65 (avec le Gary Wagner Blues Band). Après cet unique album, il semble avoir disparu dans la nature. J'ai pu lire une fois qu'il avait eu une crise mystique et qu'il s'était perdu dans un mouvement religieux. Le patronyme du groupe n'était peut-être pas innocent.

Un album court (31 minutes), avec des compositions qui le sont tout autant. Ormis le premier tir, elles avoisinent les trois minutes, ce qui leur évite de se disperser. Toutefois, on peut regretter le final un peu brutal de certaines d'entre elles, avec un fade précipité, alors que l'on aurait aimé les entendre s'étirer davantage.

Un trésor à découvrir.

TIA and the Patient Wolves "travelin' with my guitar" (2011) par Rockin-jl

2012-01-31T05:17:00.002+01:00

LE BLUES DES VOLCANS

Second album pour Tia Gouttebel, une jeune chanteuse guitariste française, et -vendons la mèche de suite-, une belle réussite et un vrai coup de cœur pour moi. Déjà j'adore la pochette, la "travelin' girl", son scooter old school et sa gratte rouge assortie, superbe et à l'image du contenu ;pas de doute, et je suis pas le premier à le dire sur ce blog, qu'est ce qu'on perd en âme avec le téléchargement ! (scusez moi, suis un vieux c**, on se refait pas..).

Bon c'est bien beau une pochette, mais ça n'a jamais fait la qualité d'un disque alors parlons en un peu. Mais un mot d'abord sur la miss qui a déjà une sacré expérience de la scène puisque depuis une dizaine d'années elle parcours les festivals en France mais aussi en Europe et jusqu'à la lointaine Amérique. Elle fut remarqué en 1999 par le bluesman louisianais Larry Garner en tournée avec le Chicago Blues festival, et elle eu la chance de jammer avec lui durant ses tournées en Europe jusqu'en 2001, une belle expérience et l'occasion de se perfectionner au contact de grands musiciens avant de former son propre band.
Sur ce nouvel album elle est accompagné de Cedric le Goff (orgue Hammond), Denis Agenet aux drums, à la basse de Miguel Hamoum et Yann Renoul, et cerises sur le gateau , d'un sax (Freddy Pohardy Riteau) et d'un harmonica (Thomas Troussier). J'ai pu lire ici ou là qu'elle jouait du Chicago blues, je ne suis pas vraiment d'accord, si le blues est bien sur la base il est plus subtil, plein de vibrations rythm'n'blues voir jazzy, et la voix sonne bien soul par moment, plus un son de guitare bien à elle; le tout donnant un superbe album à l'ambiance envoutante.

Album dans lequel on retrouve 8 reprises et 3 compos mais qui a une vraie unité de son, les reprises étant arrangées à sa sauce. Mais assez causé, suis bavard je sais, on se l'écoute ce skeud, et on commence par "Eight men four women" signé Deadrick Malone (en fait il s'agit de Don Robey, le patron du label Peacock Records, un titre de 1967 qui fut chanté entre autres par Little Milton et O.V. Wright) entre blues lent et soul, avec un sax du plus bel effet. Belle entame confirmé par "Volcano girl" de Tia, 5 minutes de bonheur, guitares cristallines, riff lancinant, un harmo discret mais efficace, et des paroles savoureuses (I came from a land of mountain, volcano and lakes- a wonder of nature where the ground can turn into hell- it makes me loose my self control- cause it's running through my veins- I have it all in me, call me Volcano girl), savoureux quand on sait que la demoiselle est de Clermond Ferrand...Et le volcan s'embrase dès le 3ème titre avec le "Pretty Thing"de Bo Diddley (signé Willie Dixon), avec les tremblements de terre du "Bo Diddley beat", soutenue par les percus et l'harmo, une version tout en finesse. Après les volcans , on voyage sur la lune avec "I came on the moon", joli blues chaloupé très élégant avant "I gonna tell them", de Kenneth Dorman, un rythm'n'blues avec là aussi une rythmique à la Bo Diddley, du sax et un beau solo de guitare.

Pas à dire, le blues c'est le pied....

Photos Eriv V.R. prises au Beautiful swamp blues festival de Calais (2011). Avec mes remerciements. Vous pouvez retrouver Eric sur l'excellent "Blues alive 76": bluesalive76.blogspot.com

"It's your only fault" nous amène dans le West side de Chicago, normal il est l’œuvre du grand Sam Maghett, plus connu comme "Magic Sam", c'est sympa ça car il est un peu oublié et peu reprit, pourtant il fut l'égal des Otis Rush, Jimmy Dawkins ou Buddy Guy, mais décédé prématurément en 1969. Tiens Otis Rush le voici justement avec "Keep on loving my baby", un Chicago blues assez festif avec sax et encore un beau solo. On se détend ensuite avec un titre soul/jazzy, "Something you got" de Chris Kenner, un chanteur de la Nouvelle Orléans, reprit déjà par Sringsteen ; puis "Tough lover"de la regrettée Etta Jame, un titre soul bien rythmée, disons même un rock fifties dansant. N'allez pas me pinailler sur la voix, évidement Tia n'est ni Etta, et a encore moins le coffre de Koko Taylor, et ne cherche pas du tout à les copier, mais elle est fort agréable, et assez sensuelle sur les titres plus soul. "Livin together", compo perso, est un blues classique qui met l'harmo en vedette avant le final, "I'll go crazy"de Mister JB (James Brown). Avec James Brown, malgré les origines de Tia, il ne faut pas s'attendre à de la bourrée auvergnate mais à du bon gros rythm'nblues avec sax et choeurs, agrémenté d'une descente de guitare de derrière les fagots.
Déjà fini? bon, je le remets..
Voila une bien belle autoproduction, que vous pourrez vous procurer ici: tiablues.com

et demi

"Volcano girl":

THE JAYHAWKS - " Mockinbird Time" (2011) par Philou

2012-01-30T04:38:00.003+01:00

Le retour...

Après-pas mal d'années d'absence, les JAYHAWKS sont de retour. Sans doute le succès de leur anthologie ("Music From the North Country") sortie en 2009 et les rééditions de leurs albums en version Deluxe, leur ont donné certainement l'envie de reprendre le chemin des studios.

Huit ans après "Rainy Day Music", le groupe de Minneapolis refait surface dans son line-up le plus prestigieux de son histoire, à savoir, les deux têtes pensantes Mark Olson et Gary Louris, plus Karen Grotberg (claviers, chant), Tim O’Reagan (batterie, chant) et Marc Perlman (basse). Le nouvel album "Mockingbird Time" est disponible dans les bacs depuis le 20 septembre 2011.
Il aurait probablement été assez facile pour Gary Louris et Mark Olson pour ce nouvel album, d'enregistrer une suite semblable à leurs chef-d’œuvre sortis au début des années 90, à savoir, les deux albums cultes "Hollywood Town Hall" et "Tomorrow The Green Grass". Au lieu de cela, "Time Mockingbird", prend en compte 15 années d' évolution musicale de la part des deux compositeurs. Gary Louris à exploré les contrées dorées de la "Power Pop", tandis que Mark Olson s'est isolé dans son ranch et a continué son aventure en solo, au frontières du folk et de la country-music.

Les deux hommes s'étaient déjà retrouvé ensemble en 2009 pour l'album "Ready For The Flood" produit par Chris Robinson (Black Crowes), mais là, la fabuleuse équipe se retrouve enfin au complet ...... et évidemment tout le monde se demande si ces retrouvailles vont être à la hauteur de l'attente ???

Mark Olson & Gary Louris

Et bien, la réponse est non !!! Après avoir écouté de nombreuses fois le huitième album du groupe de Minneapolis, je reste sur ma faim et c'est finalement la déception qui l'emporte.
Bien qu'il soit certainement un album assez agréable à écouter, on est bien loin de la qualité de "Hollywood Town Hall" ou de "Tomorrow The Green Grass".
Pourtant, l'album commence de fort belle manière avec "Hide Your Colors", une guitare sinueuse, des harmonies vocales parfaites, le genre de morceau que les Jayhawks ont perfectionné et mis au point pendant de longues années. Les choses vont encore s'améliorer avec "Closer To Your Side". Soutenu par un chœur robuste, un pont engageant et un univers qui nous rappelle l'ambiance du Laurel Canyon (haut lieu de la contre culture à Los Angeles pendant la fin des années 60 et le début des 70), ce titre est représentatif de ce que les Jayhawks peuvent nous offrir de meilleur en ces années de disette musicale.... la chanson suivante, "Tiny Arrows" avec ses touches délicates de piano et ses influences à la C,S,N & Y, est tout simplement belle, intemporelle et quasi parfaite.
La chanson "She Walks In So Many Ways" revisite le paysage musical de l'album "Rainy Day Music" et nous offre un single joyeux et sympa. Malheureusement, il est suivi par le décevant "High Water Blues", un morceau de cinq minutes qui se traine complètement de travers entre le superflu et le banal. Le titre suivant "Mockinbird Time", essaye tant bien que mal de relever le niveau, mais n'arrive pas vraiment à nous transporter avec ses notes de piano mélancoliques...

The Jayhawks Live

Les Jayhawks, c'est clair jouent la tradition et s'inscrivent directement dans un héritage typiquement américain, mais sur cet album ils sonnent tout simplement fatigués.
Ils tentent de titiller le "Loner" sur "Stand Out In The Rain", mais n'arrivent même pas à la cheville de ce bon vieux Neil....et ce n'est certainement pas la poussiéreuse chanson "Cinnamon Love" un soit-disant clin d’œil à "Cinnamon Girl" qui me fait changer d'avis !
Pourtant avec "Guilder Annie", les Jayhawks nous prouvent que, quand ils le veulent, ils peuvent composer des chansons de qualité, une chose que, très peu de leurs rivaux peuvent égaler.

Mais encore une fois, la bande trébuche maladroitement sur "Black Eyed Susan", une chanson qui se traine en longueur, avec un violon langoureux qui voudrait rivaliser avec celui de Scarlet Rivera sur le "One More Cup Of Coffee" de Bob Dylan. Mais finalement, la mélodie n'est jamais sûre de ses intentions et n'arrive pas à nous charmer.

Et puis, comme pour essayer de se faire pardonner, le groupe termine l'album avec deux bons titres. Le sobre et simple "Pouring Rain", qui est un rappel pour nous prouver qu’une guitare acoustique et de très belles harmonies vocales, suffisent à créer une belle chanson.

L'album s'achève avec "Hey Mr. Man", une morceau nerveux et nuancé qui laisse l'auditeur perdu dans ses pensées et qui regrette la recette originale des Jayhawks, une recette unique, dont les ingrédients clés étaient l'harmonie et la manière dont les voix de Gary Louris et Mark Olson étaient savamment mélangées.

C' était une friandise sucrée-salée avec un arrière goût de mélancolie .....et malheureusement en dégustant avec grande attention cet album, je n'ai trouvé que très rarement cette saveur...

MARC TRILLARD "DE SABRES ET DE FEU" (2006) par Luc B.

2012-01-29T06:00:00.003+01:00

Marc Trillard

Avec DE SABRES ET DE FEU, Marc Trillard poursuit son évocation du voyage et du déracinement. Nous avions déjà évoqué cet auteur (lien : cliquez ici ) avec ELDORADO 51 (une famille française abandonne sa station-service et s’exile au Paraguay pour vivre de l’élevage) et CAMPAGNE DERNIERE (un médecin s’envole pour une île africaine et prend la tête d’une rébellion contre le nouveau préfet), et les thèmes développés dans ce roman ne sont pas éloignés des précédents. Cette fois Marc Trillard pose son regard sur les gens du voyage, les tziganes.

L’action se déroule dans le sud de la France, à Ginestous, à l’été 2003. En pleine canicule, cette petite commune voit débarquer des familles entières de roms, venus saluer une dernière fois le patriarche, Enrique, qui se meurt dans sa roulotte. L’agent municipal chargé du terrain, Bartholomé, s’est fait accepter par ces nomades, en se faisant discret, aimable, en essayant de les comprendre, en se refusant de les juger. L’arrivée d’Augustin, personnage charismatique, et de sa fille Antucha, va définitivement faire basculer Bartholomé, qui prendra parti pour ce peuple d’insoumis, contre la volonté du maire, qui cherche à s’en débarrasser…

Dans les romans pré-cités, Marc Trillard nous emmenait en voyage, à des milliers de kilomètres, dans des contrées arides, et confrontaient des exilés aux éléments naturels et sauvages. Le voyage, ici, n’est qu’une lande de béton, où s’entassent les familles de Tziganes, avant qu’on les reloge manu-militari dans du pré-fabriqué. C’est en faisant le portrait des uns et des autres que le romancier nous fera parcourir l’Europe, sur les traces de ces peuples itinérants. Le soir à la veillée, chacun y va de son histoire, de ses souvenirs, et notamment Augustin, le fakir, le cracheur de feu, l’avaleur de sabres, qui fascine son entourage par ses récits, lui qui n’a jamais cessé de bouger, de faire vivre cette tradition du voyage, quand beaucoup avaient mis leurs caravanes sur calles. Au centre de ce camp, Bartholomé, dit « Barto », le gadjo, brave fonctionnaire, qui travaille dans son algeco, et rentre de plus en plus tard chez lui, au grand dam de sa femme, qui se demande bien ce que son mari trouve à ces gens-là. Barto fait consciencieusement son travail, s’est fait accepter, est invité à boire, à manger, et vient écouter pour la millième fois les histoires du vieil Enrique qui se meurt. Il essaie aussi de faire tampon entre les tziganes et la municipalité. Car le maire ne souhaite pas voir débarquer ces familles venues de nulle part, qui polluent, effraient, gênent, contrecarrent ses plans d’urbanisme. Et alors que l’on vient de loin rendre hommage au doyen, les brigades de CRS commencent à encercler le camp. Barto a une autre raison de prendre fait et cause pour les tziganes. Antucha, fille d’Augustin, tout juste 18 ans, dont la beauté et l’état sauvage l’ensorcelle. Il se voit déjà partir avec elle, tout lâcher, tout abandonner, tout laisser derrière lui, certain qu’avec le temps elle acceptera ce français à ses côtés, et même, qu’elle l’aimera. Elle lui tourne la tête au Barto, cette gitane, qui assiste son père dans ses numéros, envoutant le public de ses danses diaboliques.

DE SABRES ET DE FEU est encore une fois magnifiquement écrit. Chaque phrase semble avoir été ciselée, chaque mot choisi avec soin. Avec ce style bien à lui, qui consiste la plupart du temps à ne pas mettre en exergue les dialogues par des tirets, mais les inclure au texte. L’auteur prend évidemment le parti des gens du voyage. On sait l’admiration de Trillard pour ces peuples, cette philosophie de la vie. Mais sans doute tout est-il blanc ou noir dans ce roman. Ainsi, le maire, personnage forcément détestable, hautain et sans culture. Même lorsqu’il vient saluer la dépouille d’Enrique, touché par l’émotion qui gagne la foule, comprenant soudain le poids des us et traditions de ce peuple. Le tableau est brossé dans un seul sens. Les bons et les mauvais. Du coup, on ne ressent pas les tiraillements de Bartholomé, qui aurait pu nous représenter, nous les lecteurs, mais qui ne représente que l’auteur et son point de vue. On aurait aimé en connaître un peu plus sur cet employé, le voir évoluer dans sa vie (que l’on devine vide de sens en dehors de ses protégés). On aurait sans aimé aussi davantage de romanesque, élément central des précédents romans de Trillard (enfin, ceux que je connais). Autant Trillard écrit toujours à l’économie, va à l’essentiel, sans lyrisme de pacotille, mais avec un souffle puissant, comme si même ce monde était encore trop petit pour lui, autant ici on pourra objecter certaines redondances dans l’évocation magnifiée des gitans. Mais que de passages sublimes, les rencontres tziganes/maire, les soirées autour des brazeros, l'arrivée d'Augustin, et l'ennivrement des foules par ses numéros, et bien sûr, la passion qui dévore ce pauvre Bartholomé.

DE SABRES ET DE FEU nous emmène à la rencontre de personnages entiers, secrets, étonnants. Car il faudra aussi évoquer le vieux docteur Moscowicz, ex-gauchiste, qui a trouvé avec les manouches un nouveau combat à mener contre la bêtise et l’intolérance. Marc Trillard met encore une fois à l’honneur les gens en marge, les sans grade, les rebelles, qu’il oppose à la sécheresse de l’administration, et de l’Etat. Le tout servi par une langue d’une grande richesse, un travail sur les mots et sur le rythme tout à fait captivant.

De Sabres et de Feu (2006)

Le Cherche Midi

279 pages

FATS NAVARRO and TADD DAMERON (1947-49) par FreddieJazz

2012-01-28T06:47:00.001+01:00

On ouvre délicatement le livret de la pochette et on lit alors les trente-six titres qui composent ce double compact édité par Capitol records, comprenant tout ce que Fats Navarro (1923-1950) a enregistré pour le compte du label Blue Note, entre le 26 septembre 1947 et le 8 août 1949, aux côtés du pianiste, compositeur et arrangeur Tadd Dameron. Dans les années 40, ces deux noms étaient indissociables, comme l'étaient ceux de Bird (= Charlie Parker) et Diz (= Gillespie), ou comme le seront plus tard ceux de Max (= Max Roach) et Brownie (= Clifford Brown)... Quant à Fats Navarro, c'est tout simplement l'un des plus grands trompettistes de tous les temps. Dit comme ça, ça fait très "panégyrique", et pourtant, à l'écoute de cette galette, que d'émerveillements ! L'on comprend alors pourquoi il est vite devenu la principale source d'inspiration de Clifford Brown... Une technique irréprochable, pour ne pas dire hallucinante, des sonorités à la fois claires et rondes... Dans cette double portion de bonheur (plus de deux heures de musique), l'on trouve comme invités, Sonny Rollins à ses débuts, tout jeune forcément, Wardell Gray, et bien d'autres encore. L'on retrouvera à ce titre la session de Bud Powell avec le trompettiste (initialement parue sous le titre The Amazing Bud Powell Vol.1).

Pour la première séance, celle du 26 septembre 1947, nous sommes en présence d'un sextette rutilant, avec des musiciens que les amateurs connaissent plutôt bien. Visez un peu : le saxophoniste ténor Charlie Rouse, le futur compagnon de Thelonious Monk, est présent, et puis il y a cette rythmique de rêve qui fout des frissons, rien qu'en lisant leurs noms : Nelson Boyd à la contrebasse et Shadow Wilson (1919-1959) à la batterie. Ce dernier, lui-aussi, travaillera aux côtés du "Moine" (= Thelonious Monk) dans cette session mémorable avec Milt Jackson). Par contre, le saxophoniste alto Ernie Henry m'est totalement inconnu. Quatre thèmes avec ce groupe (avec une prise "alternate" à chaque fois)."The Chase" démontre d'emblée la place singulière, pour ne pas dire centrale, de Tadd Dameron, dans un jeu d'accords tout en staccato. C'est forcément bop. C'est surtout terriblement entraînant (comment ne pas succomber aux rythmes de "The Squirrel"). Et puis, y a une chose essentielle dans ces enregistrements : l'on sent que ces gars-là jouaient parce que c'était LEUR musique, et que, à la manière d'un Montaigne et de son ami Etienne de la Boétie, ils jouaient ensemble, parce que c'était "eux" et pas d'autres.

Pour les sessions suivantes, il en va de même : les différents collectifs jouent entre quatre et cinq thèmes, guère plus (le 33 tours n'existait pas en ce temps-là). Mais l'avantage, comme très souvent, c'est que nous avons droit à une prise alternative, ce qui permet de mesurer tout le talent et surtout l'imagination de nos comparses, qui n'attaquent pas forcément le thème de la même manière. Les combos évoluent, entre quintette et sextette, voire octet et nonnette, avec l'ajout d'un percussionniste (tambourins, congas). A ce titre, ce qui est remarquable, c'est que même avec l'ajout d'un musicien ou deux, jamais l'on ne ressent l'égo. Les gars sont là pour servir la Musique avant toute chose. Tiens, c'est amusant. Pour la session du 13 septembre 1948, l'on trouve un octet, avec cette fois-ci Kenny Clarke aux fûts, Wardell Gray au sax ténor, Curly Russell à la contrebasse, Chino Pozzo aux congas, Allen Eager au sax ténor (c'est le deuxième)... et forcément Tadd Dameron au piano. L'aspect latin est central dès le début de la session : avec "Jahbero", l'on se croirait dans un film d'Orson Welles (il suffit de revoir Touch of Evil, et l'on comprendra...). Même ambiance chaude. L'imaginaire "cubain" fonctionne à plein régime. Pozzo est superbe d'inventivité, un sens inouï de l'espace et de l'à-propos. Dans "Lady Bird", Pozzo est absent. Il s'agit d'une ballade sur un tempo médium. Rideaux tirés, ambiance nocturne, l'on sent la composition en hommage à une femme de caractère, au tempérament bien trempé... Le sommet de la session étant peut-être cette ballade absolue de tendresse, "I Think I'll Go Away", chantée par Kenny Haggood...

Les sessions suivantes nous présentent le tromboniste Kai Winding, le saxophoniste ténor Dexter Gordon (session de janvier 1949). C'est enfin la session avec Miles Davis qui me surprend. Et pour moi, la révélation d'un guitariste extraordinaire : John Collins (1912-2001). Je crois que je vais m'intéresser de près à son cas... Cette session avec Miles et Tadd Dameron sans Fats Navarro (enregistrement du 21 avril 1949 à New-York) est une pure merveille. Surtout que les surprises ne manquent pas au fil de ces quatre plages. Et puis voilà une chanteuse à la voix légèrement plaintive et grave, dont je n'avais jamais entendu parler : Kay Penton (on l'entend sur deux plages, "What's New" et "Heaven's Doors are Wide Open"). Enfin, il est intéressant, de mon point de vue en tout cas, de comparer "John's Delight" (compo du pianiste) avec "On A Misty Night", superbe composition de Dameron, mais plus tardive. Amusant, parce que l'on trouve des échos surprenants entre les deux pièces (même intro, même ligne thématique, à quelque chose près...). Les sessions suivantes sont sur le disque 2 : Howard McGhee, autre formidable trompettiste, offre une chase formidable à Fats Navarro. Enfin, pour terminer, la session avec Bud Powell, Fats Navarro et Sonny Rollins que tout sérieux amateur connaît jusqu'aux bouts des ongles est là encore d'anthologie: la fameuse session du 8 août 1949, avec un jeune Roy Haynes, déjà impérial...

En résumé, ce double compact reprend trois galettes déjà éditées : Fats Navarro - The Fabulous vol.1 (Blue Note, 1947), Fats Navarro - The Fabulous vol.2 (Blue Note, 1949) et enfin The Amazing Bud Powell vol.1 (Blue Note, 1949)...

"Lady Bird" en premier extrait.

"The Chase" en second... régalez-vous !

LE PARRAIN II de Francis Ford Coppola (1974) par Luc B.

2012-01-27T05:34:00.002+01:00

LE PARRAIN première partie : cliquez ici... a remporté tous les suffrages, publics et critiques. Le studio Paramout souhaite évidemment qu’on lui donne une suite, c’est à genou qu’on se traine devant Coppola pour qu’il accepte. Pas question ! Hurle le réalisateur, bien décidé à jouir de son nouveau statut de héros pour enfin réaliser ses rêves d’auteur. On lui propose alors d’en être le producteur. Il accepte et propose la mise en scène à Martin Scorsese. La Paramout refuse. Et la joue fine, flatte l’égo de Coppola… C’est toi, Francis, la vraie star du film, pas les acteurs… Tu seras libre de faire ce que tu veux. Coppola lance par défi : si je suis la star, qu’on me file un million de dollars et je vous torche votre film ! Et la Paramout lui a fait un chèque d’un million… Coppola exige qu’aucun responsable du studio engagé sur le premier film, ne soit présent sur le second. Et en bonus, il demande qu’on finance un de ses projets parallèles, CONVERSATION SECRETE, un projet mûri au long des années et dont l’acteur sera Gene Hackman. La Paramout accepte tout, tout de suite, avant que Coppola ne change d’avis !

CONVERSATION SECRETE, vendu comme étant un film d’espionnage à la Hitchcock, est tourné début 1973, et sortira en avril. Demi-échec. C’est à cette époque que Martin Scorsese, qui squattait vaguement chez Coppola, lui montre un premier montage de son film MEAN STREETS avec Harvey Keitel et Robert de Niro. Coppola, impressionné, embauche immédiatement De Niro pour jouer dans LE PARRAIN II, dont le tournage commence en octobre 1973. Bob Evans, de la Paramout, est encore aux affaires, et lorsqu’il voit un premier montage du film, il s’étonne de ne pas retrouver tout le pan cubain de l’histoire, que Coppola avait coupé. Comme pour le premier épisode, les deux hommes vont s’écharper, mais Evans gagne la partie, et reprend le montage. Le film sera nominé 11 fois, et CONVERSATION SECRETE 3 fois, ce qui fait de Francis Coppola le seul réalisateur à avoir deux films à lui nominés la même année, et dans les mêmes catégories. Au final, LE PARRAIN II recevra l’oscar du film, et Coppola celui de réalisateur et adaptateur, de Niro celui du second rôle, et Carmine Coppola celui de la meilleure musique, avec Nino Rota. A noter que CONVERSATION SECRETE recevra la Palme d'Or au Festival de cannes en 74.

Dans le village de Corleone, la mère du jeune Vito implore la clémence pour son cadet.

Ce second volet de la trilogie est assez original dans sa construction, ce qui d’ailleurs effrayait un peu son réalisateur, qui jugeait cela trop audacieux. Mais comme la partie centrale du livre avait déjà été racontée dans le premier épisode, il restait donc à raconter le début, et la fin. Autrement dit, LE PARRAIN II racontera la genèse du clan Corleone (qui est le nom du village d'origine de Vito), et en parallèle, le développement des affaires de Michael Corleone dans les années 50. Le film débute donc en Sicile, où le jeune Vito Corleone (le personnage joué par Brando dans LE PARRAIN I) est témoin de l’exécution de sa mère. Une scène glaçante, la mère étant littéralement projetée sur trois mètres par des décharges de chevrotine. Le petit Vito, lui-même recherché, est caché par des amis, puis s’embarque vers l’Amérique. Quelques années plus tard, à New York, sous les traits de Robert de Niro, Vito sera confronté à la Main Noire, organisation mafieuse, qui en la personne de Don Fanucci pratique le racket sur les commerçants italiens. Vito Corleone, avec l’aide de voisins qui deviendront ses bras droits, est choqué par cette pratique, abat Fanucci, et devient le protecteur du quartier. Son ascension dans la pègre commence… Dans toutes ces séquences, qui s’étalent de 1900 à 1941, Robert de Niro joue exclusivement en italien, reprenant les tics de langage de Marlon Brando. C’est l’apprentissage de la violence, des meurtres, du commerce de complaisance pour masquer les premiers trafics. On entend déjà la fameuse phrase « je vais lui faire une proposition qu’il ne pourra refuser » dans la bouche de De Niro. La reconstitution du New York des années 20 est réussie, et la scène la plus fameuse reste l’assassinat de Fanucci, suivi depuis les toits par Vito Corleone, et la serviette enroulée autour du canon. Sur la fin, on retrouve les frères Corleone, dans leur cuisine (les allusions à Pearl Harbor nous situent donc en 1941). Les personnages sont donc joués par Pacino, Caan, Duvall, mais le personnage du père reste hors-champs. Et pour cause ! Il aurait dû avoir les traits de Marlon Brando, sauf que celui-ci ne participait pas à ce second tournage.

Quand Michael s'assoie, c'est qu'il n'est pas d'humeur

Toutes ces scènes sont des flash-back. Habituellement, dans ce type de procédé, les flash-back reviennent assez régulièrement dans l’intrigue, leurs durées sont équivalentes. Ici, ce qui est intéressant, c’est qu’on ne sait jamais quand on va passer de 1920 à 1950. On peut rester très longtemps sur une époque, la durée totale du film (3h10) permettant de le faire. Les transitions sont étudiées. Lorsqu’en 1950, on apprend que Kay, la femme de Michael, a fait une fausse couche, Coppola bascule dans le passé pour nous montrer la naissance de Michael. Michael qui est donc devenu le nouveau parrain à la fin de l’épisode 1, développe ses affaires du côté de Cuba. Le film s’apparente davantage à une réflexion sur les liens ambigus des gangsters et des politiciens américains, un personnage rapidement aperçu ressemblant étrangement à Bobby Kennedy… Les lecteurs des romans de James Ellroy, seront dans un univers familiers. Mais le principal challenge de Michael reste de conserver le pouvoir. Le clan Corleone est attaqué de toutes parts. Jeux de dupes, l’intrigue n’est pas toujours simple à suivre, comme au billard où l’on joue sur la bande, Michael Corleone doit louvoyer pour connaître le nom de celui a tenté de l’assassiner. Coppola brouille les pistes, et lorsque la vérité éclate, Michael perd ses dernières illusions. Il devra faire le ménage pour de bon, entre son vieil ami et mentor Hyman Roth (joué par Lee Strasberg, le fondateur de l’Actor’s Studio), l’ami de son père Frankie Pentangeli, et son propre frère Fredo (fabuleux John Cazale). Comme dans le premier épisode, la fin du film est une succession de règlements de compte, le plus tragique étant bien sûr celui de Fredo, filmé de loin, Michael assistant à l'exécution depuis la baie vitrée de sa maison. Lorsque Michael a compris que Fredo avait pris part à la conspiration, il dira à un de ses hommes de main : « tache qu’il ne lui arrive rien tant que maman sera en vie ». Ce qui équivaut à une sentence de mort à court terme…

Une des scènes les plus dramatiques, entre Kay et Michael

Michael Corleone s’enfonce dans une spirale de violence, il se coupe du monde, y compris de sa femme Kay (Diane Keaton), au cours d’une scène mémorable. Kay n’est pas dupe des affaires de son mari, qui promet sans cesse de revenir dans la légalité. Lasse des promesses, elle tente de le quitter, et lui avoue que la mort prématurée de leur fils n’était pas due à une fausse couche, mais à un avortement. Kay ne souhaite pas accoucher du fils d’un monstre, qui risquait lui-même d’en devenir un. La baffe qu’elle se reçoit est d’une soudaineté et d'une violence inouïe ! Kay quitte donc à son tour cette famille. Ce personnage de Kay est assez fascinant, c’est la seule à réellement s’opposer au diktat de son mari, elle se pose en personnage résolument moderne, moral, la seule qui semble capable d’analyser la situation, et l’enlisement de la famille. Il faut aussi noter dans ce film l’extraordinaire reconstitution des commissions sénatoriales anti-mafia, devant laquelle Michael Corleone paraît. Et notamment le travail sur le son, lorsque les intervenants parlent au micro. On a l’impression d’avoir devant soit des bandes d’actualité. LE PARRAIN II est évidement une totale réussite (la lumière de Gordon Willis une fois de plus est somptueuse) fait assez rare pour une suite, bien qu'un peu longuet tout de même parfois.

Les frères Michael et Fredo : le baiser de la mort...

Pour ma part, le film ne se hisse cependant pas au niveau du premier opus. Je trouve que l’intrigue manque d’inertie, de réelle direction. Encore une fois, beaucoup de discussions, de jeux de masques, dont on ne mesure pas toujours les enjeux. C’est aussi dû à la construction, comme si aucune grande séquence n’était réellement conclue avant de passer à une autre. Exemple : comment Vito Corleone monte son clan, son organisation. On passe de 1925 à 1941 en deux secondes, puis plus rien. Il aurait fallu la présence de Brando, évidement… Dans LE PARRAIN I il n’y avait qu’une intrigue, qui foisonnait de personnages. Ici, Coppola mène plusieurs intrigues, le lien n’étant pas toujours évident, au moins dans la première moitié du film. Et puis il faut avouer que l’effet de surprise n’est plus là. La fin reste éblouissante, parce qu’elle reprend une construction proche du premier épisode. On sent que Coppola a besoin de s’inspirer du premier, pour vraiment rendre captivant le deuxième. Par contre, les acteurs sont une fois de plus formidables, Diane Keaton, John Cazale, et bien sûr Al Pacino, qui nous livre une composition glaçante.

En 1988, Francis Coppola a accepté de superviser une version mise à plat de ses deux films, pour une diffusion télévisée de 9 épisodes de 40 minutes. Cette fois, il joue la carte de la linéarité, puisque toutes les scènes des PARRAIN I et II sont montées chronologiquement. Blasphème, hurleront certains ! J’avais testé pour vous, à l’époque, le résultat reste exceptionnel ! Dans mon souvenir, par contre, les images avaient été recadrées en 4:3…

LE PARRAIN III sort en 1990. On sent qu'on a pioché les meilleurs éléments des deux premiers épisodes pour faire un troisième : le traitre, les affaires, le massacre, la succession. Seules les tractations avec l’Église sont passionnantes, car inédites. Mais surtout, le film devient curieusement conventionnel, dans les rapports entre Michael et Kay, ou Michael avec sa fille (jouée par Sofia Coppola, pas trop à son aise...), ou encore dans le profil de Vincent Mancini (Andy Garcia). La scène finale à l'opéra est trop longue, trop vue, trop appuyée, même si la toute fin est remarquable.

JEU CONCOURS : Alors, vous avez été nombreux à envoyer vos réponses, à la question : D’où vient le « Ford » de Francis Ford Coppola. Le comité que je préside et dont je suis l'unique adhérent, a décidé en conscience que la réponse la plus proche était celle de notre ami Peter Minator. La réponse précise est celle-ci : quand Francis Coppola est né, son père Carmine avait un engagement dans une émission de radio qui proposait la retransmission de concert de musique classique. Le programme sponsorisé par la marque de voiture Ford, s’appelait The Ford Sunday Evening Hour… Hélas, Peter, un quiproquo avec notre fournisseur chinois m'empêche de distribuer les posters de Foxy Lady en bikini... Par contre, il nous reste des tee-shirt à l’effigie de l’ancienne Golf verte métallisée de Rockin’ juste avant qu'elle ne passe à la casse. Question chrome et jantes, tu ne perds pas au change.

COUP DE GUEULE : Le Parrain a été adapté en jeu vidéo. 95% des vidéos disponibles sont donc des extraits de ce jeu à l'esthétique particulièrement laid. Pas moyen de dénicher une bande annonce digne de ce nom... Hé, Youtoube, yé vais té faire oune proposition qué tou né pourras pas réfouser...

LE PARRAIN II (1974)

Couleur - 3h10 - format 1:85

SAMUEL BARBER – ADAGIO pour cordes, concerto pour violon… par Claude Toon

2012-01-26T06:30:00.005+01:00

L'adagio de Barber fait partie de ces œuvres intemporelles dont on dit : "J'connais rien au classique, mais ça j'aime bien". Étrange destin pour cette partition issue d'un quatuor et que Barber orchestrera dans des circonstances rocambolesques. Elle sera utilisée dans pas moins de 20 films à ce jour et même dans South Park et les Simpson. Et je ne compte plus les "compléments" de disque et les exécutions pour diverses commémorations…

Avant de commencer cette chronique sur la petite et grande histoire d'un morceau de 10 minutes, une question : pensez-vous que Barber n'a composé que cela ? Non évidemment, quand le Toon pose une telle question, le lecteur connait la réponse. Nous allons donc nous attarder sur une belle anthologie de musique américaine dédiée à Barber, album comportant en ouverture le célébrissime adagio bien entendu, et… plein d'œuvres variées, d'écoute agréable donc tout à fait passionnantes.

SAMUEL BARBER

Samuel Barber est né en 1910 à West Chester, une petite ville de Pennsylvanie. Encore un jeune surdoué qui compose dès l'âge de 7 ans. Il s'essayera à l'opéra à 9 ans !

Il suit sa formation au célèbre Curtis Institute of Music de Philadelphie, le conservatoire, où bien plus tard, une jeune Hilary Hahn étudiera le violon. Pour l'un de ses premiers enregistrements (2000), elle gravera le concerto de Barber. Il se perfectionne à l'Académie américaine de Rome en 1935. En 1936 il écrit son quatuor dont le mouvement central, noté adagio, deviendra après orchestration le tube planétaire que l'on connaît.

Cet adagio a hélas un peu occulté l'œuvre importante d'un des compositeurs majeurs américains du XXème siècle. Ah je les vois les critiques et musicologues officiels et serviles taxer sa musique de néo-classicisme, néoromantique, bref de la musique pour néophyte, pour ne pas manquer une figure de style ! Non ! Barber fait partie de tous ces compositeurs US qui font le choix d'une musique pour un public qui en attend des émotions.

Coup de gueule :

Barber, Ives, Copland, Hanson, Gershwin, Morton Gould, Glass… : une légion de compositeurs a proposé dès la fin du 19ème siècle une approche de l'écriture musicale assez opposée aux tendances savantes de mises en Europe. Ces tendances ont provoqué une rupture nette, après le second conflit mondial, entre les attentes des mélomanes français et les œuvres issues des recherches sonores sectaires et alambiquées des compositeurs. Ainsi l'école Boulez et ses disciples privilégient la mathématique "solfègique" à l'émotion de l'auditeur et, cette dictature "des contemporains" est souvent dommageable pour l'intérêt que pourrait porter un grand nombre à la musique de notre temps.

Ces clivages n'existent pas ou peu outre atlantique entre musique populaire, savante, jazz et surtout la musique pour l'industrie phare et gourmande de partitions originales : le cinéma dès 1929. Cet état d'esprit a permis l'éclosion de styles forts divers et appréciés de tous. Les partitions des auteurs cités sont l'illustration parfaite de l'idylle entre la musique US et le public.

Certes, les termes : ballet, symphonie, concerto, fantaisie, etc. demeurent. L'évocation de la joie de vivre, la danse, la peinture impressionniste des grands espaces ou des villes américaines fourmillantes, sont tout à fait accessibles à nos oreilles. Un art qui n'utilise pas les théories musicales nouvelles comme des fins en soi, conception dogmatique de l'art musical qui conduit à l'ennui.

Fin du coup de gueule ! Retour à Barber.

Barber va composer de très belles pages souvent jouées outre atlantique, plus rarement en Europe. Trois concertos, dont celui pour violon, des pièces pour orchestre, des sonates et des chants populaires dominent cette production. Les plus grands chefs ont créé ses œuvres symphoniques, de Toscanini à Erich Leinsdorf, et Vladimir Horowitz assurera la création de sa Sonate pour piano en 1949. N'en jetons plus ! Nous allons survoler une belle sélection dans l'anthologie retenue. Samuel Barber est mort à New-York en 1981.

LEONARD SLATKIN

Le chef américain Leonard Slatkin, qui dirige l'ensemble des pièces orchestrales de cet album, est né à Los Angeles en 1944. Ses parents étaient violoniste et violoncelliste du célèbre Hollywood String Quartet qu'ils avaient créé. Il se forme à l'université de l'Indiana, au Los Angeles City College et enfin à la prestigieuse Juilliard School. Il débute sa carrière en 1966 et en 1968, il est déjà chef assistant de l'Orchestre de Saint Louis. Il y restera 11 ans. Il sera de nouveau le directeur de cet orchestre de 1979 à 1996 ! En près de 30 ans, il a hissé l'orchestre de Saint-Louis à un niveau international.

Relativement peu connu, cet artiste rigoureux a occupé ou occupe, outre à Saint-Louis, des postes de direction des orchestres de Washington, de la BBC, de Détroit et, tout récemment, de l'Orchestre national de Lyon. Un beau CV.

Les enregistrements de cet homme peu médiatisé sont nombreux mais peu diffusés en France. Il obtint pourtant un Diapason d'Or pour son interprétation d'une cohésion stupéfiante de la 4^ème symphonie de Chostakovitch en 1992, œuvre réputée impossible à unifier. Et puis il a beaucoup servi la musique de son pays comme en témoigne l'intérêt porté à Samuel Barber qui a permis la parution de ce double album.

Slatkin s'est marié pour la quatrième fois en novembre 2011. Félicitations maître !

L'ADAGIO POUR CORDES

Cet engouement du public pour les adagios m'amuse. "On dit des adagios ou des adagii ?" ironisaient Guy Bedos et Sophie Daumier dans un sketch resté célèbres. Albinoni, Rodrigo, Ravel, Massenet, Mahler et Co ont donné naissance à moult compilations avec ces pièces apaisantes. Ne dit-on pas que la musique adoucit les mœurs. Ce besoin de calme mélodique explique sans doute le succès souvent planétaire de ces morceaux rêveurs et alanguis, qui ont comme point commun d'avoir un métronome avec la noire = 60 à 80. Celui d'Albinoni n'est pas réellement d'Albinoni, mais celui de Barber est bien de Barber, il en était très fier ; une drôle d'histoire cet Adagio…

En 1936, Barber transcrit l'adagio de son quatuor pour orchestres à cordes. Lors d'un voyage à Rome, juste avant que le célébrissime maestro Arturo Toscanini ait demandé l'asile aux USA après avoir envoyé ch... Mussoloni devant tout le public de la Scala, Barber lui propose sa partition. Dur, elle lui est retournée sans commentaire. Vexé, Barber ne veut plus revoir Toscanini. C'est son ami Menotti qui apporte l'incroyable nouvelle ! Il y a malentendu. Toscanini a mémorisé l'adagio et propose de le créer. Cerise sur le gâteau, le premier "Essay for Orchestra" sera aussi inscrit au programme. Le concert a lieu en novembre 1938 avec le NBC symphony Orchestra créé pour Toscanini après sa traversée avisée de l'Atlantique. Pour Samuel Barber, c'est la consécration. L'histoire ne s'arrête pas là.

Dès la première, l'adagio devient une pièce aussi populaire que les premières notes de la 5^ème de Beethoven, Ta Ta Ta Taaa, mais en plus serein. En 1967, Barber réalisera une nouvelle transcription pour chœur a Cappella sur la prière Agnus Dei.

Cette musique émouvante, oscillant entre nostalgie et détresse s'entend dans de nombreux films : Platoon, Elephant Man, Amélie Poulain, et bien d'autres. Ses résonnances spirituelles en ont fait un morceau de choix pour les obsèques des grands de ce monde : Franklin Delano Roosevelt (1945), Grace Kelly (1982), Baudouin de Belgique (1993) et Jack Layton (2011). Enfin, il y a eu une flopée d'adaptations par des artistes très divers, de John Mac Cartney à William Orbit. L'Adagio a été remixé en 2004 par le célèbre DJ néerlandais Tiesto dans l'album Just Be, l'un de ses morceaux phares. C'est braillard et boursoufflé, du Rieu électronique pour teenagers en transe. Je n'ai d'ailleurs pas trouvé la vision, surement sidérale, d'André Rieu dans son cursus, ça me manque !

Il est aisé de proposer de la sirupeuse guimauve extatique avec ce morceau. Leonard Slatkin avec un jeu précis, plutôt rapide (9'), évite bien entendu ce piège. Son phrasé conserve un coté méditatif mais sans aucune dramaturgie outrancière. Les cordes de Saints Louis, détimbrées et limpides se développent plan par plan, comme des vagues, des élans recueillis, sans emphase. Slatkin restitue la simplicité, l'humanité de la pièce, sans pathos. La forme est moins simple qu'il n'y parait. Mais pas de musicologie, écoutons !

LE CONCERTO POUR VIOLON

Second grand moment de l'album : le concerto pour violon composé en 1939. Encore une affaire singulière.

L'ouvrage fut commandé par le mécène Samuel Fields pour son fils Iso Briselli. Ce dernier trouva la partition trop simple. Qu'à cela ne tienne, Barber écrivit un autre final très virtuose. Briselli le déclara alors injouable pour ne pas payer la partition (on y croit tous…). Mais on raconte que Barber engagea un violoniste qui le joua sans difficulté après deux heures de répétition. Le concerto était donc "jouable" et Barber fut payé, bien joué. Il fut officiellement créé en 1941 par Albert Spalding.

Le violoniste américain d'origine portugaise Elmar Oliveira nous le joue ici accompagné par Leonard Slatkin à la tête de l'orchestre de Saint-Louis. Les deux artistes ont reçu un Grammy awards pour ce disque. Le concerto est classiquement divisé en trois mouvements. Je le considère comme un des plus riches et accessibles écrit au XXème siècle !

L'ouvrage s'ouvre sur un thème élégiaque et pastoral du violon. Le vent et les paysages de Pennsylvanie au bout d'un archet ? Une mélodie très accentuée apporte une nouvelle idée très ensoleillé. Puis le violon caracole en s'opposant à un orchestre diablement coloré. L'orchestre nous entraîne dans une petite marche en début de développement. Oui, c'est assez néo-romantique mais Dieu que c'est poétique ! Les thèmes initiaux et le rythme de marche impulsé nous conduisent vers une impression d'immensité. La musique américaine retrouve souvent ces ambiances de grands espaces, calme ou venteux. On pense à Hanson, Copland, Groffé. La magie de ce mouvement repose sur un principe simple : opposé une mélodie souple et mouvante à un orchestre qui semble battre une mesure de mille feux.

Le second mouvement accentue l'impression d'intime promenade rencontrée au début de l'allegro. Les chants des bois et cors se mêlent à la cristalline mélopée du violon. Quelques accents pathétiques viennent épicer ce grand moment de félicité musicale.

Ahhh Briselli voulait de la difficulté dans le final, et bien il y en a… Le mouvement noté "Presto in moto perpetuo" est une course effrénée et joyeuse, une farandole de notes, un jeu de cache-cache violonistique extraordinairement ludique. Nous sommes au-delà de la virtuosité, dans un jaillissement d'éclats de rire. Chapeau aux deux interprètes.

ET ÇA CONTINUE…

Les trois "Essay for orchester" jalonnent la carrière de Barber. Il s'agit de courtes pièces symphoniques d'une dizaine de minutes d'une imagination assez fulgurante. Nous écoutons de la musique "abstraite" dans le sens où il n'y a pas de programme ou d'idée prédéfinie qui inspire la composition ; abstraite mais non intello...

Le premier Essay fut donc composé en 1936 et créé par Toscanini en 1938. Le climat sombre de la pièce rappelle celui de l'Adagio. Les cordes se déploient en longues phrases presque douloureuses, on peut imaginer un coucher de soleil intérieur. Le dramatisme évolue vers un passage quasi funèbre dominé par les cuivres d'une glaçante beauté. On pense à une influence de Sibelius. Un développement central plus animé intervient avec des notes joyeuses de flûte et clarinette et s'achève par des tuttis scandés et soutenus par un piano. La pièce se conclut dans une lumière crépusculaire mais apaisée. Il y a une puissance organique secrète dans ce morceau qui prend aux tripes. Je ne suis pas surpris d'avoir trouvé la vidéo de l'enregistrement de Leonard Slatkin sur le web.

Le second Essay, très populaire, fut commandé et créé par Bruno Walter en 1942. Il se présente comme une suite hiératique et échevelée opposant des accords puissants des cuivres et des percussions à des motifs interrogatifs et fantaisistes des cordes et de la petite harmonie. On trouve des accents quasi mahlériens à certains moments dans ce morceau empreint de vitalité (vidéo du CD Slatkin originel également disponible sur le web).

Le troisième et dernier Essay est encore une œuvre au destin bizarre. Il fut commandé en 1978 par une excentrique madame Aufrey Sheldon qui paya le compositeur. On raconte qu'elle était amoureuse de Samuel, mais… elle se suicida avant la création ! C'est un morceau de musique pure, élégant, un rien pastoral et cinématographique. Il n'atteint pas néanmoins la profondeur émotionnelle des deux premiers.

Et puis, pour compléter, on écoutera la très belle sonate pour violoncelle et piano qui m'a fait songer à celles de Fauré (c'est dire), des pièces pour piano, courtes et brillantes, un peu jazzy, et enfin, une ouverture et un court ballet symphonique inspirée de la légende de Médée.

DISCOGRAPHIE DIVERSE

Barber a été assez bien servi au disque, surtout l'adagio enregistré par tout le monde (même Sergiu Celibidache*, cosmique, en complément de 2 symphonies de Chostakovitch !?) Les grands violonistes ont honoré le concerto. L'adagio transcrit pour Chœur a été enregistré par le New college d'Oxford en 1996 et ce très beau disque de chant a Cappella est toujours disponible avec d'autres Tube comme le Misere d'Allegri ou l'Ave Verum de Mozart…

(*) Si l'irascible maestro Roumain l'a enregistré, c'est que la preuve est faite : l'adagio de Barber, ce n'est pas une œuvrette…

VIDÉOS

À gauche, l'interprétation de l'adagio par Leonard Slatkin.

À droite, l'Essay for orchester N°1 dans la version commentée dans cette chronique.

XXXX

Et puis, même si je me fais tancer par Rockin pour mon incapacité à contrôler mon enthousiasme dans cette longue chronique, le premier mouvement du concerto pour violon interprété par Giora Schmidt et Itzhak Perlman dirigeant The Israel Philharmonic Orchestra (un concert live de 2004 à Tel Aviv).

MORT DU REALISATEUR THEO ANGELOPOULOS

2012-01-25T09:28:00.002+01:00

Le réalisateur grec, Théo Angelopoulos, est décédé hier à l'âge de 76 ans, dans des circonstances assez inédites : il était en tournage, en extérieur, quand il s'est fait renverser par une moto. Il avait commencé le cinéma sur le tard, dans les années 70, en dénonçant au travers de films politiques le régime des Colonels en Grèce. Son cinéma est devenu ensuite plus contemplatif, bergmanien, articulés autour de plans séquences longs et sophistiqués. Un cinéma assez exigeant, voire hermétique pour certain... Quelques titres célèbres, avec L'APICULTEUR (1986) LE PAS SUSPENDU DE LA COGOGNE (1991) et L'ETERNITE ET UN JOUR (1998), film qui lui vaudra la Palme d'Or à Cannes, la même année où Roberto Begnini a eu le Grand Prix pour LA VIE EST BELLE. Tout le monde se souvient du show de Begnini face au président Scorsese, et de cette réplique du réalisateur italien brandissant son trophée : "C'est quoi ? la Palme d'Or ? C'est trop d'honneur que vous me faites, yé soui plein de votre amour !". Dans l'esprit du public, Begnini avait eu la Palme... et quand Angelopoulos est arrivé ensuite, personne hélas n'y a fait attention...

David GOGO "Soul Bender" -2011- (by Bruno)

2012-01-25T05:43:00.038+01:00

Huitième disque studio pour David Gogo, qui reste un second couteau en dehors de son Canada natal, où il a été récompensé de deux Maple Blues Awards et d'un West Coast Music Awards. Pourtant, indéniablement, c'est un artiste talentueux, à la fois bon compositeur, interprète, chanteur et guitariste, qui s'est toujours abstenu de partir dans les travers d'un Blues-rock ampoulé, ou encore de jouer le guitar-hero égocentrique délivrant sans discontinuer des soli stériles. Il mériterait d'être plus médiatisé.

De plus, force est de reconnaître que depuis une dizaine d'années, i.e. depuis « Halfway to Memphis » (2001), David offre des albums de premier choix, incontournables pour l'amateur éclairé de Blues-Rock. Et ce « Soul Bender » ne déroge pas à la règle.

Avec « Soul Bender », David renoue avec ses habitudes pré- »Vibes » (soit avant 2008) consistant à inclure de nombreuses reprises dans ses albums. Cependant, comme auparavant, une des qualités de ce monsieur, c'est qu'il ne se contente pas (comme le font tant d'autres) de reprendre des classiques éculés du patrimoine de la musique afro-américaine, des scies maintes fois rabâchées - pour assurer ses arrières ou justifier son appartenance au genre - ou encore par manque d'inspiration. Non, le gaillard aime prendre des risques.

Il lui est même arrivé d'aller titiller la sensibilité des puristes en allant piocher des compositions de prime abord plutôt étrangère au genre, mais dont il a décelé une trame Blues qu'il exacerbe, car David a l'art et la manière de les associer sans douleur à son répertoire Blues-rock.

Précédemment, il y avait eu « Personal Jesus » (de Depeche Mode sur le disque "Skeleton Key" en 2002) et « Gold » (de John Stewart sur "Different Views" en 2010), il y a maintenant « The Way You Make Me Feel » du petit Michael, qu'il a libéré de tous ses oripeaux (de la chanson, pas du bonhomme) pour en faire ressortir toute sa sève Soul (à la poubelle les synthés, les boîtes à rythmes, et les « Yyyhiiie » genre « j'm les suis coincées dans la braguette » en pas virile du tout), en la parant d'un Blues cuivré à la BB King ; fameux. Et aussi « The Changeling » des Doors (mais ce dernier est bien plus évident) dans une version plus hargneuse.

David avec une ??

En plus classique, « Please Find My Baby », du grand Elmore James, fait feu de tous bois en ouverture, avec cette slide névrosée qui mitraille à vue, mais avec "classe et tenue", avec du style. En reprenant quelques licks endémiques.

Par contre, « I Found A love » de Wilson Pickett, qui, malgré une bonne interprétation, est un peu poussif ; les choeurs finissent par être quelque peu redondants. Il en est de même pour la version de "Whiskey Train" de Procol Harum (ère-Robin Trower, of course) qui permet au passage de rappeler que l'univers de ce groupe ne se limitait pas au mythique « Whiter Shade of Pale ». La cover est bonne, même si un peu, cette fois-ci, scolaire, cependant la minute supplémentaire, rajoutée pour rendre hommage au style particulier de Trower, développé lors de sa carrière solo dénote avec le reste du disque ; elle donne l'impression que, une fois n'est pas coutume, David en fait trop. Comme un exercice de style, dans lequel d'ailleurs, étonnamment, David brille bien moins qu'un Vince Converse ou qu'un Richie Kotzen.

Quid des propres compositions de Gogo ? Et bien, elles n'ont certainement pas à rougir à côté des excellentes reprises d'Elmore James et de Jackson. Au même titre, elles figurent dans le haut du panier. Et on y inclut celle de son pote Wyckham Porteous (« Was it Love »). Hormis le superbe Soul-blues « Time is killing Me », David a écrit de purs titres de Heavy-boogie-blues-rock remuant et cossu, pourvus de soli concis et ébou-riffé. Un régal.

Certaines âmes pointilleuses pourront reprocher une production plus brute, un peu plus compressée, ramassée, moins clinquante que précédemment. Un choix (?) nécessaire pour une atmosphère plus roots, enfumée, mais qui certes manque un tantinet de dynamique.

Finalement , le petit point faible de "Soul Bender" n'est constitué que des covers de Pickett et Procol Harum, qui ne sont pas des catastrophes non plus.

David Gogo vient d'être nominé pour les Maple Blues Awards 2012 au titre de meilleur guitariste de l'année et pour le « Electric Act of The Year ».

Il n'y a pas de réel surprise. C'est amplement mérité. Pourtant, malgré les efforts du label Dixiefrog, il demeure chez nous un inconnu.
Le patronyme de David générant peut-être un peu une réticence infondée aux auditeurs potentiels.

Article paru initialement dans la revue BCR,
n° 27 de Décembre 2011

KID ROCK - "Born Free" - (2011) par Rockin-jl

2012-01-24T06:08:00.007+01:00

En France Kid Rock est sans doute plus connu pour ses relations tumultueuses avec Pamela Anderson et pour avoir fait le coup de poing à ce sujet avec son rival Tommy Lee, fondateur et batteur des "poètes" glam hardos de Mötley Crüe. Pour autant il ne faut pas oublier que le garçon vend beaucoup de disques aux Etats-Unis (une douzaine d'albums depuis 1998 et plus de 20 millions écoulés) et qu'il est un artiste complet, musicien et acteur, et a abordé différents genres musicaux, du gros rock américain qui tâche, mais aussi des incursions plus inattendues dans le hard , même carrément le métal, et le hip hop.

avec Pam..( vous êtes bien au Deblocnot, pas à Voila..)

Mais notre ami n'est pas qu'un amateur d'artificiel et de silicone et effectue avec cet album un virage vers un son plus "roots", vers un Rock'n'Roll teinté de country, d'ailleurs on l'avait entendu récemment au chant sur un titre du récent Jerry Lee Lewis(" Rockin My Life Away" sur "Mean Old Man"). Alors vrai retour aux sources, volonté de toucher un public plus large ou assagissement lié à l'âge ( l'enfant terrible vient d'avoir 40 ans)? En effet à l'écoute de ce "Born Free" il semble bien loin le mauvais garçon qui crachait "I' m An American Badass" (un de ses surnoms ) à la gueule de l'Amérique, car il nous a pondu là un disque de rock aseptisé qui fait penser par moments à du Bob Seger ou John "Cougar" Mellencamp, mais qui se seraient accoquinés avec Sheryl Crow et Bon Jovi…

On va y trouver des rocks plutôt pas mal fichus comme "Born Free", un "Classic" rock mâtiné de Country , ou "Slow My Roll" avec un côté Creedence / ZZ Top mais en moins "burné", "Purple Sky","God Bless Saturday" qui évoque du Bob Seger, mais aussi des ballades plus ou moins sirupeuses, "When It Rains" ou "Collide" avec en invités…Sheryl Crow au chant et Bob Seger au piano et d'autres titres limite variété, de qualité certes mais variété quand même ( "Flying High", "Times Like These"," Rock On","For The First Time") , sans oublier le curieux "Care" qui commence en country song et se termine….en rap, avec en invité T.I.. Le meilleur titre étant sans doute "Rock Bottom Blues" un country rock au tempo low down bluesy avec harmonica et chœurs, dommage que tout le reste ne soit pas de cet acabit!

Un disque pas désagréable à écouter en voiture, sympa, à l'image du Kid, le genre de trucs que les routiers du Middle West écoutent à fond sur les highways, bien calibré pour les radios FM américaines, mais qui ne laisse pas un souvenir impérissable..

EN BONUS L'AVIS DE BRUNO :
Il y a du vrai dans les propos de Rockin'. Toutefois, j'y mettrai bien un petit bémol. A mon sens, le "sirupeux" me paraît un peu fort, tout comme le "aseptisé". Certes, "Born Free" est indéniablement moins authentique qu'un John Mellencamp ou Bob Seger. Pourtant, sa démarche, entamée avec le précédent et plus Heavy "Rock'n'Roll Jesus" (plus inégal aussi), me semble plus honnête que certains poseurs se donnant des airs de "rebelles" (non, je ne parle pas de notre C.M. national). Même si Kid Rock joue parfois avec ça (avec l'image, pas C.M.).
Même si "Born Free" marche sur des sentiers battus, force est de reconnaître qu'il ne donne pas l'impression d'être un pur produit de marketing frelaté (ses fans de la première heure doivent le considérer comme un traître). C'est du Rock, sans synthés, sans violons ni orchestrations ampoulées. Un peu "easy listenning" quelques fois, mais toujours bien construit. "Variété", oui, dans un certain sens, mais aucune mesure avec celle de Don Johnson (qui avait tout de même SRV sur son skeud) ou David Hasseldhoff (aaahhh.... non, pas lui !!!).
Bref, un avis différent bien que très proche, juste pour dire que ce disque peut s'écouter à maintes reprises avec un certain plaisir, et pas qu'en voiture (même si le terme "Rock Road" semble approprié).
C'est Rick Rubin qui produit la galette.
note 4/6 (ou 3,93/6).

P'tit "coup d'gueule" : - "Kid, ta bagnole est à chier !"
"Et, t'as l'air sympa, mais lorsque tu t'affiches avec un flingue, je n'ai qu'une envie : te mettre des claques".

Merci Bruno, on se quitte en musique avec le clip de "Born free":

article publié initialement dans le No de Décembre 2011 de la revue BCR

BLACKFOOT "The Story" (Part Two) par Philou "Hototo" Esprit de guerrier qui chante

2012-01-23T04:18:00.002+01:00

En 1983, Blackfoot n'a plus besoin de faire ses preuves en matière de Killing Boogie-Band prêt à tout dévaster sur son passage et les guerriers peaux rouges veulent élargir un peu leur champ de tirs. Ce changement d'orientation musicale ressemble à une décision prise par la maison de disques Atco Records. Rick Medlocke le confirmera quelques année plus tard :

"La maison de disques voulait des hits (qui n'en veut pas ?) et jusque là, nous avions eu des succès sans vraiment le chercher. Pour faire "Siogo" nous voulions un clavier, quelqu'un de "Rock", alors qui engager d'autre que Jon Lord ou Ken Hensley ? Le dernier était libre, nous lui avons envoyé des démos, après quelques coups de fils, Ken se résout à venir chez nous et après les jams de circonstances, il est resté".

Siogo (1983)

L'arrivée d'un clavier chez les sudistes ne réjouit pas les fans et on les comprend....

Dés l'intro de "Send Me An Angel", le ton est donné c'est pas du Rock Sudiste, mais du gros Hard Rock mélodieux tendance FM. Tandis, que tout le mode crie à la trahison, moi j'écoute "Crossfire" pas mal... "Hearts's Grown Cold" (bonne reprise de Nazareth)....ensuite "We're Goin' Down" là c'est la claque!!! gros riffs, chant hargneux de Medlocke, petit break,un p'tit solo d'orgue de Ken Hensley et un solo de guitare et ça repart à donf !! Les autres morceaux tiennent la route, en particulier "White Man's Land" et "Drivin' Fool" et "Teenage Idol" un tube en puissance.
Cet album ce n'est du tout pas de la guimauve ou un album pour minettes !!! C'est incontestable, il se distingue ouvertement des disques précédents mais la hargne et les guitares sont bien là et savent faire parler la poudre.

"Siogo" est un album très puissant et pêchu avec un son énorme et il reste tout à fait écoutable, ce ne sera pas le cas du suivant...

Quand on lit la petite phrase inscrite sur la pochette de "Vertical Smiles" qui parait en 1984 : "Thanks to Charlie Hargrett for fourteen years of dedication and agony", on se dit, ça sent l'embrouille, la dispute, la zizanie, le roussi quoi ! En effet le dénommé Charlie H ( le seul membre qui n'était pas indien), la deuxième gâchette indispensable au groupe, range sa Les Paul dans son étui, et rentre chez sa mère en Floride. Or, tout le monde le sait, un groupe sudiste se doit de posséder au moins DEUX guitaristes!! Le nouvel arrivant (dans la tribu depuis "Siogo"), Ken Hensley grattouille à l'occasion, ressemble un peu à un indien (de loin) mais il n'est pas SUDISTE ! Enfin si, du sud, mais du sud de Londres de Plumstead exactement.

Vertical Smiles (1984)

En écoutant l'album, on sent bien qu'il a été enregistré pour honorer un contrat et non pour se faire plaisir (et encore moins aux fans...)
Seuls "In For The Kill" et "A Legend Never Dies" (titre prémonitoire ?) sont à sauver du naufrage, le reste n'étant que gros Rock à la sauce FM indigeste. Ricky Medlocke et les autres membres en sont bien conscients et les conflits éclatent. Le groupe se séparera peu de temps après.
Le guerrier Sioux dira plus tard : "Je ne laisserai jamais plus quelqu'un me dicter ce que je dois faire. Nous avons subi des pressions inacceptables de la part de notre maison de disques avant de faire "Siogo" et "Vertical Smiles". Aujourd'hui je suis mon propre chef et je joue uniquement la musique à laquelle je crois".

Après la sortie de "Vertical Smiles", le groupe explose et Rick Medlocke s'en va voyager en solitaire et s'impose un petit exil volontaire histoire de faire le point et de de recharger les batteries.

En 1987, il refait surface sur un nouvel album intitulé "Rick Medlocke and Blackfoot".

Surpris, les fans découvrent que les indiens ont sérieusement bronzés !!!

En effet, Rick pour cet album s'est entouré de musiciens black de Mother's Finest, un band Funky/Hard d'Atlanta. Le style est très surprenant pour un rocker Sioux et ne plait pas du tout à ses fans ....Ricky se permet un grand écart sur cet album, passant du Southern Rock à une musique Black and Soul, malheureusement pour lui, la sauce ne prend pas ... ( essayez d' écouter quand même " Rock'N Roll Tonight, "Steady Rockin'" et surtout "Silent Type" un excellent exercice de Rock FM).

R. Medlocke & Blackfoot (1984)

Une expérience qui d'ailleurs ne satisfait pas Rick Medlocke lui même. Un moment d'égarement qui restera heureusement sans lendemain.
Le guerrier Ricky ayant bien conscience que cette expérience solo n'avait pas (du tout) convaincu les fans déclara : "Après cette aventure, aujourd'hui je veux faire machine arrière et retrouver mes racines, il a fallu que je m'en éloigne pour réaliser combien elles étaient vitales pour moi, je le sais les gens attendent le retour du vrai Blackfoot".
Wait and see......

Rick Medlocke, après les échecs des derniers albums de Blackfoot et de son album solo, reprend petit à petit confiance en lui et prépare son retour.

Medecine Man (1990)

En 1990, il s'installe aux Pearl Sound Studios à Canton (Michigan), entouré de Neal Casal (guitares) tiens, tiens...Rikki Mear (basse) et de Gubber Ross (batterie), ils tentent ensemble de retrouver enfin le feu sacré autour du "Medecine man".
Dés l'intro de "Doin' My Job" le guerrier sioux Ricky "Ratllesnake" Medlocke lance son cri de guerre "Boo-Boo-Boo-Boo-Boo-Boo-Boogie Yeah"! et on jubile : le son est énorme, les guitares piétinent tout sur leurs passages, les cactus ne repousseront plus....
Cet album est un concentré de Big Southern Rock, bourré de clins d’œil, de références, de nostalgie et d'hommage (la reprise du légendaire groupe anglais Free "The Stealer").
Seul regret, le traitement est peu court : 29 mn 26 s.......et on en redemande !!!

"After The Reign" (1994)

"After The Reign" sort en mai 1994, Rick Medlocke (comme dans l'album précédent) reste le seul survivant de la grande époque. L'album est beaucoup plus bluesy, beaucoup moins sauvage et moins agressif que les autres disques de Blackfoot.

Entouré de Mark Woerpel (guitares), de Benny Rappa (batterie) et de Tim Stunson (basse), le guerrier sioux ne veut pas rendre les armes et tente un dernier baroud d'honneur. La vieillesse n'a pas réussi à apprivoiser Ricky Medlocke qui réussit un véritable retour à ses racines sur cet album. Le résultat sonne moins "sudiste" que par le passé mais reste de très bonne qualité.

Avec quelques rocks rugueux et bluesy comme "Sittin' On The top Of The World", "Nobody Rides For Free", "The Road's My Middle Name" ou "After The Reign" et pas mal de ballades folk-rock qui décapent "Hang Time", "It's All Over Now" et "Tonight", cet album reste un beau voyage relaxant à travers l'âme du rock sudiste, certes pas un classique, mais en tous cas, la dernière chevauchée de Rick Medloque avec Blackfoot.

Après la sortie de l'album qui ne reçoit pas le succès espéré, Rick Medlocke pense à un moment jeter l'éponge. En 1996, il reçoit un appel téléphonique de Gary Rossington qui l'invite à rejoindre Lynyrd Skynyrd comme guitariste. Rossington demande à Medlocke si il se souvient comment jouer des morceaux comme "Freebird", "Sweet Home Alabama" et "Workin For MCA", Medlocke répond tout simplement Yeahhhh Man!!!!
Il est à ce jour, toujours avec la formation sudiste.

Contre toute attente, Blackfoot se reforme en 2004, avec Jakson Spires, Greg T. Walker et Charlie Hargrett mais sans Ricky Medlocke qui est remplacé par Bobby Barth (Axe). En mars 2005, le décès du batteur Jakson Spires, co-fondateur du groupe, n'empêche pas le groupe de continuer, avec Jay Johnson et Michael Sollars.

Le groupe sort en 2007, un double CD/DVD live "Train, Train" et aux dernières nouvelles, serait toujours "On The Road".

(à lire également La Story Blackfoot, Part I : blackfoot-story-part-one )

"Doin' my Job" un extrait de l'avant dernier album du groupe Medecine Man.

JOHNNY OTIS - RIP - (1921-2012)

2012-01-22T07:00:00.005+01:00

Né en Californie en 1921, Johnny Otis vient de mourir à 90 ans le 17 Janvier 2012. D'origine grecque (son vrai nom est Yannis Veliotes), il grandit dans le quartier black de Berkeley (Californie) et commença par jouer dans des orchestres de jazz comme batteur, pianiste et vibraphoniste. Il accompagnera ainsi le grand Lester Young, avant de fonder son propre band de rythm and blues dès 1945. Ils joueront notamment avec Wynonie Harris et Charles Brown et décrocheront 3 Numéros 1 dans les charts Rytm'n'Blues en 1948 ("double crossing blues", "mistrutin blues", "cupid boogie"). Il animera à la télévision le Johnny Otis Show à partir de 1954, une des premières émissions du genre, qui contribuera à faire découvrir de nouveaux talents. L'évolution de sa musique est intéressante, car il passe du jazz instrumental en grand orchestre à la Basie ou Ellington à un band plus resserré avec cuivres, guitares électriques et blues shouters, jouant un rythm & blues dansant qui en fait un des pionniers du rock 'n' roll. Il passera aussi par la case "funky " début des 70's. Otis aura fait beaucoup pour la popularité du rythm & blues et en sera le premier musicien blanc reconnu, même parmi la communauté noire. A ce sujet de la couleur il déclarait "As a kid I decided that if our society dictated that one had to be black or white, I would be black ".

Son fameux Show tourna a travers le pays pendant des décennies, et sera un vrai vivier de talents. S'y sont révélées de très grandes chanteuses comme Ester Phillips, Big Mama Thornton, c'est d'ailleurs pour Big Mama que fut écrit par le fameux duo Leiber/Stoller, en 1952 le "Hound dog" popularisé ensuite par un certain Elvis, titre co-crédité à Otis et Etta James (*) qu'il découvre en 1951 et dont il produit le premier hit "Roll with me Henry". C'est en 1958 qu'il aura son plus gros hit avec "Willie and the hand jive" , un morceau inspiré du "Bo Diddley beat" , qui sera reprit par Eric "slow hand" Clapton en 1974 sur "461 Océan boulevard". Notre Johnny s’éloignera un peu de la musique ensuite, même si on le retrouve comme accompagnateur de Johnny Guitar Watson en 1961 chez King records . Il faut dire que notre ami a de multiples talents et activités : pasteur, fermier, dessinateur, peintre, sculpteur, DJ, écrivain, producteur (de Johnny Ace), songwriter ("every beat of my heart" pour Gladys Knight). Il tient aussi un temps un club de blues et tâte même de la politique, étant candidat démocrate au parlement de Californie, non élu.
Il fera un come back en 1969, sous l'impulsion d'un grand fan, Frank Zappa qui suggère à Kent records de l'enregister de nouveau, cela donnera "Cold shot", puis un second retour en 1982 pour Alligator records (voir ci dessous). Il continuera de jouer jusque dans les années 2000 et laisse une trace indélébile sur la musique populaire du 20éme siècle dont il fut l'un des pionniers et dont il contribua à la popularité.

RIP JOHNNY , thanks for all

(*) Par une étonnante coïncidence, Etta James vient de le rejoindre 3 jours plus tard au paradis des musiciens; le Deblocnot lui rend aussi hommage aujourd'hui ( RIP Etta James )

Discographie sélective:

- "Big Mama Thornton, the peacock recordings" (1952-3)
Les premiers pas discographiques de Big Mama, avec Johnny Otis à la production et derrière la batterie ou le vibraphone, accompagné du Johnny Otis show. C'est simplement monstrueux. La jeune Willie Maé Thornton emporte tout sur son passage porté par un backing band qui chauffe, cuivres en avant ; des grands titres outre "Hound dog" comme "I smell a rat" ou le blues autobiographique "they call me Big Mama", indispensable.

- "Cold shot" (1968), du Johnny Otis show, Johnny y joue du piano et de la batterie, son fils Shuggie tient la guitare, joue la basse et de l'harmonica, et le formidable et méconnu Delmar Evans est au chant. Pour revenir sur Shuggie, il a juste 15 ans en 68, mais c'est la véritable vedette de ce disque, un prodigieux guitariste qui signera 4 disques solo de 1969 à 1974, dont "inspiration information", un ovni qui a certainement influencé Prince ou Leny Kravitz plus tard. A noter que les Stones lui proposèrent de se joindre à eux en 1974 pour une tournée, ce qu'il refusa, car il pensait travailler son prochain disque avec Quincy Jones, projet qui n'aboutira pas, dommage car la carrière discographique de Shuggie s’arrêtera là . Ce "Cold shot" est un joyeux mélange de blues et Rythm & blues plus une touche funky, et parfois des intonations distordues qui évoquent le Captain Beefhaeart de "Safe as milk".

- "Snatch & the Poontang" (1969) paraitra dans l'anonymat, distribué dans les boutiques pour adultes, sans aucun nom de musiciens mentionné sur la pochette..Sans doute pour éviter les ennuis car déjà la pochette signée Otis dans le plus pur style de Crumb est assez crue, de plus les paroles le sont aussi ! Quant a la musique, elle est dans la continuité de Cold Shot avec très surement les mêmes musiciens; a signaler Hey shine, inspiré de Hand jive, et un étonnant blues lent parlé ou la guitare de Shuggie accompagne la voix profonde de Delmar (two time slim), bel album aussi.

- "The Johnny Otis show, live at Monterrey "(1971) pour l'ambiance torride d'un live, avec en invités rien moins que Ester Philipps, Eddie Cleanhead Vinson, Joe Turner, Ivory Joe Hunter, Roy Milton, Pee Wee Crayton, Delmar Evans, Margie Evans et Shuggie Otis sur plusieurs titres.

- "The New Johnny Otis Show" paru chez Alligator Records, second come back en 1982 avec Shuggie à la guitare. Un superbe album pour le label au croco, entre Chicago blues et Rythm'n'blues avec au chant Delmar Evans, Vera Hamilton ou Linda Dorsey, de la très haute qualité, de toute façon on n'est jamais déçu avec un album Alligator (vite, une statue pour son fondateur Bruce Iglauer !!)

- Enfin, chez Ace records, "the Johnny Otis story", volumes I ("midnight at the barrelhouse" 1945-57, 25 titres ) et II ("on with the show" 1957-74, 24 titres), compilation très complète.

3 vidéos et 3 styles différents, d'abord "Willie & the hand jive", puis un morceau avec Big Joe Turner et enfin un extrait de Snatch & the Poontangs

HOMMAGE A ETTA JAMES, grande diva de la soul.

2012-01-22T06:55:00.003+01:00

Mauvaise semaine pour le rhythm’n’blues…

La chanteuse américaine Etta James est décédée ce vendredi 20 janvier, à l’âge de 73 ans, des suites d’une leucémie. Elle était également atteinte de la maladie d’Alzheimer. Son nom ne vient sans doute pas forcément à l’esprit quand on évoque les divas de la soul et du rhythm’n’blues, comme Aretha Franklin, ou Tina Turner, et pourtant… Quand on a écouté chanter cette femme une fois, on s’en souvient longtemps. Une voix puissante à la fois virile, et marquée de nonchalance lascive. Elle est née en 1938, et enregistre pour la première fois en 1954. A l’âge de 16 ans. Elle avait fait ses classes comme de nombreuses autres, dans les chœurs d’une église. Elle se produit avec son groupe, et est repérée par le musicien Johnny Otis (décédé 3 jours avant elle, hommage à lire aussi aujourd'hui: RIP Johnny Otis), à qui elle doit son nom de scène. Son prénom était Jamesetta. Elle s’appellera désormais, Etta James. Très vite, elle compose, produit, arrange ses chansons. Elle compte bien se faire un nom, et une place dans un milieu où les chanteuses sont trop souvent prises pour des gravures de mode, des faire-valoir, qui chantent poliment ce qu’on leur compose.

Etta James était une femme de caractère. Hélas, grisée par ses premiers succès, elle plonge tête baissée dans la dope. Et y restera un très long moment. Elle fera la première partie de Little Richard. Dans les années 60 elle apparaît toute platinée et choucroutée, à la manière des stars de la Motown. Elle signe chez Chess Record, et y restera de 1960 à 1978, alignant les succès de Doo Wop, des ballades, du R’n’B. Au total dans sa carrière elle sortira 28 albums studios, plus 3 live. Les années 70 et 80 sont plus difficiles, elle tente plusieurs retours, en vain, même si elle ouvre pour les Stones lors de leur tournée aux States en 1978 et fait une prestation remarquée au coté de Chuck Berry et Keith Richards dans le doc/concert "Hail hail rock'n'roll". Il va falloir attendre 1998, et l’album LIFE, LOVE & THE BLUES, auquel participent ses deux fils comme musiciens, et qu’elle sort sur son propre label, pour qu’on se souvienne d’elle comme une des plus grandes voix de la soul et du blues. Sur des compositions personnelles, ou des reprises de standards, elle imprime sa marque, son style. Un album enregistré aux mythiques studios Muscle Shoals, où avaient officié Aretha Franklin, ou Wilson Pickett. Fort de ce succès, elle enregistre depuis un album par an. En 2002, elle sort un live, BURNIN DOWN THE HOUSE, de très bonne facture, où se mêlent des ballades soul déchirantes, et du R’n’B chaud comme la braise.

"At last", son grand succès, tiré de l'album du même nom (1961), récemment repris par Beyoncé, qui en 2008 avait joué au cinéma le rôle d'Etta James dans le film Cadillac Records .

Un premier extrait, tempo entrainant, avec s'il vous plait l'orchestre de BB King. L'extrait n'est pas anodin, car Etta James était très respectée des bluesmen, ainsi que des jazzmen. Son répertoire s'étendait bien au delà de la soul music. Il est d'ailleurs intéressant de constater que les mimiques d'Etta (voir la seconde vidéo) rappellent celle de BB King. C'est un classique de la chanteuse, et un de mes morceaux préférés. Sans vouloir être méchant, disons qu'il y a les arrangements sirupeux d'une Diana Ross d'un côté, et le couillu d'Etta James de l'autre... J'aime bien de côté couillu, moi... Ce titre a été repris par Beth Hart, en duo avec Joe Bonamassa. Bruno nous en avait parlé.

Etta James dans un registre soul, avec ce sublime "I'd rather be blind", encore un de ses classiques. Ca commence cool, et ça monte... L'enregistrement est récent, on sent Etta James physiquement moins à l'aise, mais la voix... la voix... quelle voix ! Et puis, le jeu de scène assez osé à 2'15 ! Devant une Nina Simone médusée, assise au premier rang, serrant son sac à main sur les genoux. Quelle image ! Tu vas nous manquer Etta, y'en avait pas beaucoup de ta trempe !

Etta James, RIP, 25 janvier 1938 - 20 janvier 2012.

Lise de La Salle joue CHOPIN : Ballades et Concerto N°2 par Claude Toon

2012-01-21T06:20:00.083+01:00

Telle fut ma première rencontre avec Lise de La Salle : une photo, une chevelure d'or et les yeux bleus nacrés d'une princesse surgie d'un conte de Perrault. Non ! Luc et Rockin', ne rigolez pas, je ne suis pas de nouveau subjugué par le mythe de la femme enfant, surdouée du clavier, attitude qui résumerait sa personnalité à un miracle psychomoteur lui permettant de jouer Liszt à 14 ans ! Lise est une vraie MUSICIENNE, une interprète rigoureuse, saisissant avec finesse l'esprit qui habite les difficiles partitions qu'elle aborde. Il ne s'agit donc pas d'une gamine savante dont la précocité, certes évidente, justifierait à elle seule une quelconque médiatisation.

Suivons-la dans un programme Chopin, compositeur qui n'a pas encore eu sa place dans le Deblocnot'.

Frédéric Chopin

Frédéric Chopin voit le jour le 1 mars 1810 à Żelazowa Wola, en Pologne, près de Varsovie. Cette naissance en fait un compositeur du romantisme et d'ailleurs sa vie elle-même va être totalement Romantique. Romantisme, romantique, oui une vie tellement romanesque qu'elle dépasserait le cadre de cette chronique si on ne se limitait à quelques repères essentiels.

Né dans une famille à l'esprit musicien (les parents ont acheté un piano), l'enfant se révèle doué et très précoce. Si on observe que son professeur Wojciech Żywny est un violoniste âgé qui ne jure que par Bach et les compositeurs du siècle des lumières, on peut presque considérer que Chopin est un autodidacte de génie, le maître laissant à l'élève une grande liberté pour apprendre à son rythme. Cette méthode très en avance sur son temps va donner le résultat que l'on connaît.

En 1826, l'adolescent entre au conservatoire de Varsovie auprès de professeurs attirés par la modernité à une époque où la querelle classique-romantique fait encore rage. Il compose sa première sonate en 1828, l'obsession du musicien pour la perfection dans la maitrise de son art y semble déjà présente.

De 1830 à 1831, son séjour dans une Vienne sous la coupe des Strauss le déçoit, les polonais n'y sont pas les bienvenus, un seul concert non rémunéré et… c'est le départ pour Paris… Il y séjournera de 1831 à 1848 à la fois interprète et compositeur. L'homme est de santé fragile (vraisemblablement atteint de mucoviscidose) et sa vie affective tellement compliquée que je n'évoque que sa longue liaison tumultueuse avec George Sand et les nombreux séjours à Nohant où il compose au calme. Il meurt épuisé par la maladie le 17 octobre 1849 à Paris.

Chopin est synonyme de "Piano". Il n'a composé que pour cet instrument. Le catalogue remplit une douzaine de CD. Les œuvres sont écrites certes au fil du temps mais regroupées en styles précis : polonaises, scherzos, mazurkas, préludes, études, valses, nocturnes et les ballades, sujet du jour. Il existe quelques rares morceaux isolés comme la Barcarolle.

LISE DE LA SALLE

Lise de la Salle est née en 1988 à Cherbourg.

La vidéo en fin d'article d'une interview sur Antenne 2 nous apprend beaucoup sur elle et sur son amour inné du piano. Elle commence à 4 ans son apprentissage et donne son premier concert à Radio France à 9 ans ! Elle bénéficie d'un environnement familial épanouissant, sa grand-mère lui ayant offert un disque Chopin à l'âge où, pour les chères têtes blondes, Dragonball Z crachait son venin sur le petit écran ! Ah, on les adore quand même…

Elle poursuit en parallèle un début de carrière internationale et son perfectionnement au conservatoire supérieur de Paris où, en 2001, elle remporte le Premier Prix à l'unanimité du jury, dans la classe de Pierre Réach. Elle se perfectionne encore auprès de Bruno Rigutto et Geneviève Joy-Dutilleux, épouse du compositeur Henri Dutilleux.

Depuis 2001, elle est invitée pour de nombreux concerts en récital ou comme soliste d'œuvres concertantes dans tous les pays du monde. Elle a déjà obtenu la reconnaissance de son art en interprétant des compositeurs aussi difficiles (la concurrence est rude dans ces répertoires) que Bach, Liszt, Rachmaninov et Chopin. Chopin pour lequel elle avoue avoir attendu une maturité bien affirmée avant d'aborder l'univers romantique et secret du compositeur. Sa discographie est passionnante et a été bien récompensée par la critique : Ravel, Rachmaninov, Chostakovitch, Liszt, Prokofiev, Schumann, Bach…

LES 4 BALLADES

Ce qui caractérise la forme "ballade", c'est précisément que, de forme, il n'y en a pas. Nous sommes faces à un style où toutes les libertés semblent permises en dehors des règles d'harmonie et de solfège.

La "ballade" trouve ses racines dans le moyen-âge, les chants de troubadours. Elle devient plus tard un genre littéraire : "la ballade des pendus" de Villon... Les poètes de l'époque Romantique vont relancer la mode comme Victor Hugo avec son recueil "odes et ballades", et jusqu'à nos jours avec par exemple la "Ballade de Sacco et Vanzetti" chantée par Joan Baez et Georges Moustaki. L'inspiration de ces ballades a donc souvent une connotation épique.

Chopin va transcender le style en musique. Chaque ballade se réfère très librement à une épopée historique et légendaire, filiation que confirmera son ami Robert Schumann. On évoque ainsi des sources littéraires dans les poèmes d'Adam Mickiewicz qui tenait salon à Paris pour nombre d'immigrés polonais comme Chopin.

1 – La première Ballade s'inspire donc du poème "Wallenrod". Cet épopée fut écrite par Mickiewicz en révolte face à la scission de la Pologne et de la Lituanie par la Russie, la Prusse et les Habsbourg à la fin du XVIIIème siècle : une histoire homérique d'un maure élevé par les chevaliers teutoniques et qui se révolte ensuite ; vengeance, trahison, une jolie femme et un suicide du héros. Plus romantique… Et puis, en s'inspirant de ce poème, Chopin se voulait-il patriote ?

Cette première Ballade de 1831, bouleversante, est au centre musical du film Le Pianiste de Roman Polanski (voir la chronique de Vincent).

"Lento" surmonte la portée, Chopin nous invite d'emblée à une aventure grave et dramatique. Une première note franche ("pesante"), puis se succèdent quelques sombres arpèges, à la fois interrogatifs et secrets ("diminuendo"). Un silence les prolonge habité par les seules résonnances des cordes. Le piano et son maître méditent avant le moderato du premier motif. Motif A de la forme sonate ? Non plutôt leitmotiv imaginé par un jeune homme de 23 ans qui veut échapper à la forme pour donner libre cours à l'expression de sa pensée, à l'évocation du destin de son personnage. Intériorisé puis plus héroïque, parfois violent, le discours musical se développe-t-il en écho aux péripéties du poème ? Possible.

L'écoute à l'aveugle est éloquente ! Ma chère Maggy a subi une écoute comparative entre Lise de La Salle et le grand pianiste polonais Kristian Zimerman, signataire d'une version de référence (sans savoir qui joue, mais sachant que l'exercice confronte un homme et une femme). Elle a systématiquement inversé les deux sexes, comprendre "tempérament" ! La magie et la force du jeu de la jeune artiste, tant sur la plan technique qu'émotionnel, semble ainsi démontrées. La pianiste se fond dans l'âme tourmentée de Chopin. Oh, pas ce cliché à propos de l'hypersensibilité de Chopin, un trait de caractère trop souvent attribué au compositeur soi-disant introverti. Lise fait vibrer avec puissance les mélodies, notamment la tempête du développement et de la conclusion, mais sans esbroufe, avec une élocution masculine certes, mais pas celle d'un virtuose narcissique. Elle substitue Chopin à elle-même, prête ses mains à l'esprit du compositeur pour mieux transfigurer sa pensée. Lise de La Salle nous fait ainsi revivre la propre odyssée de Chopin à travers cette œuvre qu'il affectionnait.

2 – La seconde Ballade date de 1839 et pourrait s'inspirer de la légende de "l'Ondine du lac Switez" mais aussi des "Kreisleriana" de son ami Schumann à qui la ballade est dédiée. Kreisleriana qui mettent en scène le personnage truculent de "Johannes Kreisler" inventé par E.T.A. Hoffmann (l'auteur de contes). Les premières notes de l'unique et sereine ballade en mode majeur évoquent un lointain carillon. La musique ondoie paisiblement dans l'introduction. Lise de la Salle aborde hardiment mais sans violence le passage où les flots se déchainent tandis que les ondines tentent d'échapper à des soudards russes... Son jeu voluptueux et sans maniérisme retrouve la féminité dans cette page poétique. Ondulation des eaux, des ondines, des deux, laissons-nous bercer entre sensualité et vigueur, et les réminiscences des facéties de Kreisler. Magnifique jeu de vague et de légèreté, de malice.

3 – La troisième Ballade date de 1841 et s'inspire de la légende de la "Ondine" de Mickiewicz . Lise de la Salle nous propose une lecture à la fois tendre et enfiévrée de ce conte narrant les élans émus et exaltés d'un chevalier pour une nymphe appelée Ondine. Dans cet univers de nouveau aquatique, Chopin a choisi d'adoucir le trait avec des alternances moins brutales dans la mélodie. Lise de La Salle adopte un jeu quasi ludique, très legato, pour éviter tout heurt dans la narration des ébats amoureux évoquées dans cette pièce aux accents joyeux.

4 - La quatrième Ballade date de 1842. Plus élaborée et plus longue, elle échappe à une influence littéraire précise. D'une grande difficulté technique due aux hardiesses d'écriture et d'harmonie, elle se présente comme une méditation intériorisée, les sentiments de passion, de joie et de tristesse se bousculent dans un autoportrait de l'âme de Chopin. L'interprétation est sublime, une osmose entre la pianiste, l'instrument et l'âme anxieuse presque résignée de Chopin. On semble proche par le touché délicat d'un immense nocturne dans la longue introduction. Lise de la Salle prend son temps, le temps de laisser le flux mélodique s'affranchir de tout pathétisme outré. Une telle musique ainsi habitée ne se commente pas, elle doit nous pénétrer, nous guider dans le plus profond de la psyché du compositeur et de son interprète.

LE CONCERTO N°2

Ce disque généreux se poursuit avec une interprétation de rêve du concerto N°2. Il s'agit d'un concert donné à Dresde en septembre 2009. Lise de La Salle confirme son aisance tant au studio qu'en "live".

Le concerto pour piano n°2 est en fait le premier composé par Chopin en 1829. Il s'agit d'une œuvre de jeunesse. On pourrait penser que l'inexpérience du grand adolescent de 19 ans et son manque d'attirance pour l'orchestration, expérience qu'il ne renouvellera que pour un second concerto, aboutissent à une œuvre mineure. À voir. Même si la comparaison avec les concertos de la maturité de Mozart ou ceux de Beethoven n'est pas à l'avantage de l'ouvrage, des musiciens inspirés, et c'est le cas ici, savent mettre en avant l'affrontement du calme et de la tempête qui caractérisera toute l'inspiration romantique du compositeur. Chopin, comme Mendelssohn (dont le 1^er concerto est contemporain de celui de Chopin), ne connaissait pas ces œuvres des grands maîtres encore peu jouées à l'époque. Le mérite est d'autant plus grand. L'œuvre est de forme classique, Maestoso, Larghetto et Allegro vivace.

Fabio Luisi impulse une grande nuance dans l'introduction orchestrale, limpide et surtout… pas trop solennelle. Il rappelle ainsi que nous écoutons la musique d'un jeune homme et non le déferlement majestueux du concerto l'Empereur de Beethoven. Le piano de Lise de La Salle fait son entrée comme prolongement logique de l'ouverture. Souvent ce concerto est perçu comme une pièce pour piano soliste avec un accompagnement orchestral. L'orchestre de la Staatkapelle de Dresde assure un décor d'une grande poésie au piano. On reste stupéfait par l'énergie – pas la force – du jeu de la pianiste dont le staccato-legato associe virtuosité et précision mais sans jamais "forcer" la frappe qui ne ferait que conduire au mauvais goût. Et si Chopin avait trouvé ses interprètes du XXIème siècle ?

On retrouve dans le Larghetto, cette fluidité du discours, ces notes enchantées car enchaînées avec grâce et soutenues par les somptueuses cordes de Dresde. Quelle chance nous avons que ce concert ait eu lieu avec cet orchestre (un des meilleurs de la planète et vieux de… 460 ans) ! Ce mouvement assez court semble prendre une ampleur que l'on ne lui soupçonnait pas. Des minutes sans longueur de rêverie interrompue par un développement plus pathétique certes, mais là encore sans aucune outrance du fait de la justesse subtilement "piqué" du phrasé pianistique de Lise de La Salle.

Le final allegro conserve toutes les qualités du jeu concertant déjà évoqué. L'harmonie, plus présente dans ce mouvement, conduit de manière colorée à la coda avec une allégresse soutenue mais toujours sans épate.

Discographie et Vidéos

Vous avez remarqué que cette semaine, vous avez échappé à la discographie alternative. Bien entendu, il existe moult versions passionnantes des balades sous les doigts d'Arthur Rubinstein, Maurizio Pollini ou Krystian Zimerman souvent cité comme référence moderne, au geste plus rapide, plus ample que Lise de La Salle mais finalement plus froid.

Si vous n'êtes pas collectionneur, inutile de vous casser la tête, le disque de la jeune pianiste atteint une forme d'idéal !!

Une interview sur Antenne 2 lors de la sortie du CD Chopin avec l'interprétation d'un lied de Schumann - Liszt.

Lise de La Salle interprète et nous présente les ballades et le concerto...

LE PARRAIN de Francis Ford Coppola (1972) par Luc B.

2012-01-20T06:00:00.127+01:00

"I'll make him an offer, he couldn't refuse..."

Francis Ford Coppola n’est plus un débutant lorsqu’il est choisi par la Paramout pour diriger l’adaptation du roman de Mario Puzo, LE PARRAIN. Il a commencé comme assistant réalisateur auprès de Roger Corman, le pape de la série Z. Pour son premier film, DEMENTIA 13 (1963), il a d’ailleurs utilisé les décors et les acteurs d'un tournage de Corman, chacun tournant donc en parallèle son propre projet, et ce pour des raisons d’économie. Pas bête ! Avec LA VALLEE DU BONHEUR (1968) Coppola donne dans la comédie musicale boursoufflée et fait tourner Fred Astaire dans son dernier film, et en 1969 il réalise LES GENS DE LA PLUIE, film typique du style Nouvel Hollywood, avec déjà James Caan et Robert Duvall. Tous ses films sont des bides. On dit de lui qu’il fait des films d’auteur, comme en Europe. Beurk ! Môôssieur veut être un artiste ! Je ne sais plus quel mauvais camarade disait de lui : "s'il pouvait filmer une pomme posée sur un rocher en plein désert, pendant deux heures, il serait ravi !". Celui qui rêve d’être le nouveau Godard, le nouveau Fellini, qui doit 300 000 dollars à la Warner, est plutôt mal vu. Coppola gagne sa croute en écrivant des scénarios (REFLETS DANS UN ŒIL D’OR de Huston, PARIS BRULE-T-IL de René Clément, PATTON de JF Schaffner) et il crée sa société ZOETROPE avec son pote Georges Lucas, sorte de coopérative où tout le monde finance tout monde, et se retrouve endetté jusqu'au cou ! Ensemble ils produisent le premier film de Lucas, THX 1138. C’est un bide, et Coppola, doit renoncer à ses rêves d’indépendance et revenir dans le giron des studios, comme l’ouvrier qui pointe à l’usine.

Dès 1968, Mario Puzo avait proposé un développement de 150 pages sur la mafia au studio Paramout. Un film s'était fait sur ce thème, LES FRERES SICILIENS avec Kirk Douglas. Un bide. La mafia n’intéresse personne de ce côté-ci de l’Atlantique. On file du fric à Puzo, l’écrivain italien a quelques dettes à régler au pays, et on lui demande de retravailler à son bouquin. Deux ans plus tard, rebaptisé LE PARRAIN, le livre sort aux Etats Unis, c’est un immense succès, et bien sûr, les studios se jettent dessus. Bob Evans, de la Paramout, qui avait déjà une option dessus, se dit que finalement, le projet doit avoir de l’avenir. On le propose à Sergio Leone, qui refuse, à Peter Bogdanovich qui vient de signer deux succès, qui décline aussi. Un italien ferait mieux l’affaire (sic!), et Coppola en hérite. Il commence par refuser (trop commercial !) mais comme il doit du fric à tout le monde, son entourage lui conseille d’accepter. Les producteurs se méfient de sa manière de travailler, de son caractère. Le réalisateur sera sous haute surveillance. Pour Bob Evans, ponte de la Paramout qui venait de toucher le jackpot avec le lacrymal LOVE STORY, LE PARRAIN se devait être un film de studio, un film de producteur tout puissant, le réalisateur n’étant qu’un salarié comme un autre. Les idées subversives françaises sur le statut d’auteur ne passeraient pas ! Chaque jour ou presque on menaçait de l’évincer du tournage, et ses choix sur la distribution ont été âprement discutés. Il faut dire que, à l’instar d’AUTANT EN EMPORTE LE VENT 30 ans plus tôt, le tout Hollywood se bousculait pour apparaître dans le film, déjà annoncé comme un futur succès. C’était the place to be ! The movie to play ! Coppola souhaite imposer Marlon Brando pour le rôle de Vito Corleone, mais les producteurs s’étranglent ! Trop instable, trop cher ! Coppola filme alors Brando en vidéo, pour un essai. L’acteur se bourre la mâchoire de kleenex, se lisse les cheveux au cirage, change sa voix, et quasi méconnaissable, trompe son monde. Mais devra se contenter de 50 000 dollars, et des dividendes sur les bénéfices finaux. Bonne pioche ! Brando se remplira les poches, et recevra l’oscar. Enfin presque, puisqu’il le refusera, pour protester contre le traitement des nations indiennes, son grand dada du moment. Tout ce qu’Hollywood compte de Nicholson, Redford, Beatty auditionnera pour le rôle de Michael Corleone, mais Coppola insiste pour engager un jeune type au teint italien : Al Pacino. Bonne pioche bis !

29 mars 1971, le tournage commence. Coppola s’est finalement passionné pour cette histoire, s’investit, et commence à tout bouleverser. Il change les acteurs, répète au lieu de tourner, réécrit le script et les dialogues la nuit pour le matin, demande à son directeur photo de sous exposer l’image. L’idée était de ne pas voir les yeux, que tous ces hommes soient mystérieux, qu’on ne devine pas leurs pensées. Et il choisit quasiment un par un les figurants au lieu de puiser dans le vivier des studios. Bref, tout l’inverse du b.a.-ba hollywoodien ! Le budget explose, mais Coppola tient bon, et en septembre 1971, le tournage terminé, il persuade Bob Evans de faire le montage chez lui, à San Francisco. Là encore, il était plutôt rare qu’un réalisateur monte ses films à domicile ! Ce qui suit reste incertain, les avis et témoignages divergent. Bob Evans aurait dit : "si le film dépasse 2h25, je te le supprime, et je recommence le montage". Coppola était arrivé à une durée de 2h20. A la première projection interne, Evans hurla : "où sont toutes les scènes sublimes dont on m’a parlé ?!" Coppola réintégra à contre cœur les scènes en question, et le film passa à 2h50… Autre version, celle de Coppola, une sorte de coup de poker. Il aurait raccourci volontairement son film, à 2h20, pour provoquer l’hystérie de son producteur devant un résultat incohérent, pour revenir ensuite en sauveur, avec la version rallongée. A qui doit-on LE PARRAIN tel que nous le connaissons ? A son réalisateur mégalo, ou son tyrannique producteur ?

Alors que Coppola se morfond à Paris, LE PARRAIN sort sur les écrans, dans toutes les salles, en même temps, procédé nouveau par rapport au système des exclusivités. C'est simple : vous voulez LE PARRAIN dans votre salle ? C'est 80 000 dollars. Cash. A ce tarif, le film pulvérise tous les records. C’est le plus gros succès du cinéma américain. Coppola est un héros, comme il le souhaitait, mais ne le digère pourtant pas. Pour lui, ce n’est qu’histoire de compromis. Lui qui rêvait de films d’auteur, intimistes et novateurs, il avait réalisé un film de studio, classique, limite réac, comme le seront tous les grands succès à venir, des Spielberg ou Lucas, tous les blockbusters calibrés pour ramener du pognon. Et pourtant, quand on y regarde de près, LE PARRAIN est bel et bien à film d’auteur…

Quand la famille Corleone vous propose de vous ramener en voiture, choisissez de prendre le bus ! Admirez la composition du cadre, la statue de la Liberté à l'arrière plan, et la main du tueur, assis à l'arrière...

Oui, le PARRAIN contre toute attente, est un film classique, académique. Le mode de narration est linéaire, les cadres sont le plus souvent fixes, peu de prouesses de caméra. Il a été voulu ainsi. Et c’est un film qui met en avant les valeurs familiales, conservatrices. On est à cent lieues d’EASY RIDER et du souffle sulfureux des années 68. Mais cette famille Corleone, ne ressemble pas à toutes les autres, c’est une famille mafieuse, de truands, de tueurs. Et ça, c’est novateur. C’est incorrect. Le bon papi Corleone qui joue avec son petit fils, est un odieux gangster, les mains pleines de sang. Dans BONNIE AND CLYDE, les héros étaient aussi des tueurs, mais on leur donnait des circonstances atténuantes, et ils se faisaient tuer par les autorités. Tout rentrait dans l’ordre. Dans LE PARRAIN, les flics sont corrompus, les malfrats se flinguent entre eux, et le public prend fait et cause pour la famille Corleone et son patriarche. Pas si académique que ça. Et puis il y a cette lumière sublime de Gordon Willis, ces ocres, ces bruns, et ses ombres, qui s’opposent à la lumière du jour, lors de la première scène du mariage. Cela renforce cette idée de secret, de tabou. On cherche à savoir, on se laisse griser, on est fasciné par ce monde du crime. Ce premier plan de Bonasera qui vient réclamer vengeance à Corleone après le viol de sa fille… Admirable ! Aucune exposition des faits ni des personnages, pas même de générique, le film commence quasiment au milieu d’une phrase, sur un visage qui supplie, le cadre s’élargit, on découvre le second interlocuteur. Lorsque, plus tard dans l’intrigue, Michael Corleone (Al Pacino) est planqué en Sicile, on entend la phrase : « tu ne peux pas rentrer pour le moment, il faut que l’affaire se tasse ». Plan suivant, on voit son ex (Diane Keaton) qui croise Michael dans la rue, et demande ce qu’il devenait. Michael répond : « je suis rentré il y a un an ». Paf ! C’est pas de la transition express, ça ?!

Les scènes d’anthologies se bousculent évidemment, l’attentat contre Vito Corleone, les tueurs qui surgissent, armes en avant (visez la précision du cadre, du mouvement) la rue filmée du dessus, les oranges qui tombent… La scène de la tête de cheval, qu’un producteur de cinéma retissant à faire tourner un acteur minable retrouve au fond de son lit… La scène à l’hôpital, où Michael et une infirmière doivent déménager Vito Corleone avant que des tueurs ne débarquent. La scène où Michael descend le caïd Sollozzo et le flic McCluskey dans un p’tit restau. Acte fondateur, dépucelage, basculement du fils aimé dans la violence, et une séquence d’une intensité rare. Il faut signaler aussi la superbe séquence en montage alterné du baptême et du massacre, la vie, la mort, mêlées, indissociables. C’est aussi pour des raisons de timing que Coppola a opté pour cette solution, plutôt que de développer les deux séquences distinctes. Mais à l’écran, on ne doute pas que ce fût la meilleure décision à prendre !

Dans toutes ces séquences inoubliables, il n’y a pas une image en trop, le timing est parfait. Ce qui m’épate toujours, à vrai dire, alors qu’on sait que 1) le film dure longtemps 2) est relativement lent 3) voit son personnage principal se faire descendre au bout de 30 minutes (mais le vrai personnage central de cette saga est Michael, Al Pacino, pas Brando), 4) montre le plus souvent des types qui parlent assis dans des fauteuils... ce qui m'épate, c’est cette manière dont le spectateur est happé. Par cette vie incroyable de la première scène du mariage (il y aura aussi un enterrement et un baptême…) la joie, l’effervescence qui s'en dégage, opposée à ce qui se trame dans l'ombre du bureau de Don Corleone, et comment tout sera submergée par la violence et la mort. On reste subjugué par la maîtrise absolue du récit, de la narration, par la force et la tension qui règne, par l’effet attractif, addictif de ce film. La distribution y est pour quelque chose : Brando, Pacino, Duvall, Caan, mais aussi John Cazale (UN APRES MIDI DE CHIEN) Diane Keaton (vue chez Woody Allen) Richard Conte, Sterling Hayden (vu chez Kubrick)... et toute une ribambelle de seconds rôles dont les trognes nous sont familières. Il faut aussi saluer le thème musical de Nino Rota, véritable tube, à la fois empreint de nostalgie, de souvenir d'Italie, d'amertume et de violence rampante. LE PARRAIN se hisse au Panthéon des grandes tragédies. C'est un film sur le pouvoir, sur la famille, et Francis Coppola en fait évidemment quelque chose de très personnel. C’est le fil conducteur de son œuvre jusqu’au récent et magnifique TETRO (à l’instar de Scorsese) et il est difficile de ne pas penser à son père en voyant le patriarche Vito Corleone régner sur la vie de ses fils, être le point central de leur admiration, et la manière dont chaque héritier tient à poursuivre son oeuvre. On peut aussi avancer que la manière dont Michael Corleone reprend et gère les affaires, face au conservatisme de son père (sa décision de flinguer McCluskey), est une allusion non déguisée aux démêlés de Coppola face au producteur Bob Evans, et au système hollywoodien.

LE PARRAIN recevra l’Oscar du meilleur film en 1973, mais Coppola ne sera personnellement couronné que pour le PARRAIN 2, en 1975. Ce film est devenu la référence absolu du néo-film de gangster tendance Cosa Nostra (car n’oublions pas les années trente avec quelques chefs d’œuvres fondateurs, en cliquant ici...), dont l’héritier le plus proche me semble être James Gray réalisateur de THE YARDS (avec James Caan justement…) ou LA NUIT NOUS APPARTIENT (avec Robert Duvall justement…). Mais c’est toute une génération de cinéastes qui ont béni Francis Coppola d’avoir su travailler sous la contrainte des studios en réussissant une œuvre personnel, et sans y perdre son âme. Il est devenu le héros de cette nouvelle génération, les Scorsese, de Palma, Friedkin, Lucas, Spielberg… Lui qui se rêvait en artiste maudit, venait de pondre le hit cosmique du box office ! Le Nouvel Ordre Hollywoodien de Dennis Hopper ou Bob Raffelson s’effondrait. Les studios allaient reprendre la main sur les affaires.

Le roman de Mario Puzo était suffisamment dense pour être la matière à deux films. Ce sera chose faite deux plus tard, puisque le PARRAIN 2 reviendra sur la genèse de la famille, et le règne de Michael Corleone. Mais... DRRIIINNN... Excusez-moi, on me parle dans l'oreillette...

- Oui, Rockin' ?...

- gzzzzz ggzzz gzzzzzzzzzz

- Euh là, je suis en train de causer dans le poste, ça ne peut pas attendre ? C'est justement pourquoi tu appelles ?...

- gzzzzzzzzzzzz gzzzzzzzzzz gzzz gzzzzzzz

- Quoi Le Parrain 2 ? Pas maintenant ? Je suis déjà trop long ? Fallait s'y attendre... Pffff...

DONC, à suivre... en cliquant sur ce lien, ici...

Jeu concours : Pourquoi le "Ford" de Francis Ford Coppola ???

Un poster dédicacé de Foxy Lady faisant du surf à Malibu à gagner...

LE PARRAIN (1972) de Francis Ford Coppola

Sc : Francis Coppola et Mario Puza

Prod : Albert S. Ruddy et Gray Frederickson

Décor : Dean Tavoularis

Photo : Gordon Willis

Couleur - 2h48 - format 1:85

Nous avions déjà évoqué l'univers de Coppola avec ce livre écrit par sa femme

et avec son autre chef d'oeuvre Apocalypse Now, le film

R.I.P. - GUSTAV LEONHARDT a rejoint BACH le 16 janvier à 83 ans

2012-01-19T18:00:00.004+01:00

Le claveciniste, musicologue et chef d'Orchestre néerlandais Gustav Leonhardt est décédé lundi 16 janvier. Il avait donné encore un concert au Théâtre des Bouffes du nord le 12 décembre 2012. Un chant du cygne, puisqu'il décidait de mettre fin à sa carrière à l'issu de ce dernier récital.

Après de solides études musicales, Leonhardt débute sa carrière à Vienne avec, déjà, l'Art de la Fugue. Nous sommes en 1950 à l'orée du bouleversement que va connaître l'interprétation de la musique Baroque en général et plus particulièrement celle de Bach. De nombreux musiciens vont repenser totalement leur vision de la musique baroque : instruments d'époques, diapason différent, effectifs réduits. Cette approche révolutionnaire n'aura pas que des adeptes au départ, loin de là. Avec des musiciens de génie comme Alfred Deller, Philippe Herreweghe, Frans Brüggen et bien d'autres, il tourne le dos à l'interprétation "romantique" de Bach, trouvant une couleur et un dynamisme à cette musique, là où 2 siècles de recours à des orchestres symphoniques et des chanteurs d'opéra, même de grand talent, avait épaissi le phrasé, voire trahi l'esprit.

Au début des années 70, il crée l'Orchestre "la Petite Bande" ayant comme chef permanent le violoniste Sigiswald Kuijken. Le travail d'enregistrement sera immense, il grave notamment avec Nikolaus Harnoncourt l'intégrale de référence des cantates de Bach. Il assurera même le rôle de Bach dans un film tourné en 1967 sur le Cantor de Leipzig.

Gustav Leonhardt était rentré en musique comme on rentre en religion. Il n'y a rien à commenter de privé sur cet homme discret voire austère, qui ne s'intéressait guère aux musiques des XIXème et XXème siècles, hormis Rachmaninov avec lequel il partageait une grande probité dans le respect des partitions.

Il nous a légué une discographie immense et intemporelle dédiée aux compositeurs baroques. Y figure l'intégralité de l'œuvre de Bach, et évidement, au clavecin : L'Art de la fugue (1953 et 1969), les Variations Goldberg (la dernière gravure en 1978) et le Clavier bien tempéré (1969 - 72), généralement chez Harmonia Mundi.

Parmi la douzaine d'enregistrements de la Passion selon Matthieu de ma discothèque, j'avoue ma préférence (en style Baroque authentique) pour celle de Leonhardt, une conception totalement masculine dans sa distribution, une force d'émotion sans égale. (Harmonia Mundi)

Aux atroces vidéos pirates de Gustav Leonhardt au clavecin, je préfère cet extrait de la première partie de cette passion. La qualité des voix des garçons solistes est stupéfiante !